В Артиллерийском музее сейчас идёт большая выставка о Красной Армии - непобедимая, легендарная, вот это всё. Холодное и огнестрельное оружие, обмундирование, личные предметы некоторых персоналий, графика, живопись. Воот, живопись. Не только поделия казенных худо-деятелей из 60-70-х или несчастных практикантов из репинки тех же лет. Но и вполне приличные образчики стиля эпохи. Вот хотя бы эти три. Середина - вторая половина двадцатых годов, революционный романтизм, вполне профессионально с т.зр. собственно живописи.. Все трое авторов достаточно известны, работы в ГРМ, ГТГ и региональных музеях. И в Артмузее, оказывается, тоже.

Г. К. Савицкий. На манёврах. 1925. Весёлые у них там манёвры. Батарея лёгких трёхдюймовок переправляется вброд, все хохочут, деревенские мальчишки тут как тут. Идиллия. Да, художник: Георгий Константинович Савицкий (1887-1949) - в АХ учился у Ф. А. Рубо и В. Е. Маковского, в двадцатые - член АХРР, лауреат Сталинской премии, академик АХ СССР.


И. Г. Дроздов. Первые красноармейцы. 1924. Чем-то напоминает Бориса Григорьева, а ещё больше - Владимира Маковского, тем более, что у него автор учился в АХ в начале XX века. Иван Георгиевич Дроздов (1880-1939) - до ПМВ успел съездить пенсионером ИАХ в Италию, Францию и Германию. В двадцатые - в АХРР, причем некоторое время даже председателем ленинградского отделения организации.


Ф. А. Модоров. Весёлая минутка. 1928. И снова про "оптимизм советской литературыкультуры". Все танцуют, смеются; гармошка, ложки, цыгарка, котелок, баранки; валяемся на поле, на родной земле, что ещё надо-то? Курят минимум пять представителей РККА. Хорошо у комиссара поставлена досуговая работа. Художник - Фёдор Александрович Модоров (1890-1967) - как и у предыдущих в биографии АХ в Петербурге, мастерская В. Е. Маковского. С 1924го - участвует в выставках АХРР.

«Искусство не является придатком к канонам красоты,
оно скорее результат того, что инстинкт и мозг
могут зародить нечто вопреки всем канонам.»
Пабло Пикассо
Пришел ХХ век, с его войнами и революциями, надеждами и разочарованиями, бурными страстями и экзальтацией. На смену «созерцательному» умиротворенному импрессионизму и "сущностному"неспокойному постимпрессионизму, внесшим новое понимание в восприятие натуры, большой вклад в создание новых техник письма, в новое отношение к передаче цвета и света, пришло еще более яркое, но, на мой взгляд, более грубое и «необузданное» художественное направление – экспрессионизм (от лат. Expressio - "выражение").



Предвестниками, предтечами этого направления называют Ван Гогаи Мунка, которого уже часто напрямую причисляют к представителям этого стиля. Но в полной мере экспрессионизм был порождением «сумрачного германского гения», расцветшего вдруг яркими красками, ломаными линиями, странными композициями, заглянувшего в душу зрителя, ужаснувшегося ее темным глубинам и вывернувшего их наизнанку. Я уже писала о нем раньше, а в прошлый раз мы закончили нашу тему разговором об одном из первых экспрессионистов, об Эдварде Мунке,



оказавшим огромное влияние на современное искусство, продолжим тему кратким обзором тех изменений в портретной живописи, которые принес экспрессионизм. Фотография в ту пору уже исполняла функции документации и сохранения точного отображения персонажа, поэтому художественный портрет становится средством решения чисто художественных задач, отражает личный пристрастный взгляд художника на изображаемого человека, стремится эмоционально передать его внутренний мир, часто даже пренебрегая внешним сходством. Наступает эпоха таких художников, как Амедео Модильяни (1884-1920), итальянский художник и скульптор еврейского происхождения, страстно желавший признания, не получивший его при жизни, но ставший одним из самых дорогих художников в наше время.



Мы безошибочно узнаем его работы по скульптурным линиям, длинным шеям, плоским лицам и часто закрашенным в глазах зрачкам. Его прозвище в среде художников "Моди" (от фр. maudit — проклятый) точно соответствовало его образу жизни, как будто на нем и вправду лежало проклятье: несмотря на то, что он родился в благополучной в прошлом семье, к моменту его рождения отец полностью обанкротился, мальчик родился слабеньким и много болел, а уже в 16 лет у него обнаружили туберкулез.



После переезда в Париж юный Амадео обучался живописи, познакомился с художественным бомондом, начал пить пристрастился к наркотикам. Все в нем было «слишком»: «Слишком нищий даже для перебивающихся с хлеба на абсент собратьев по кисти, слишком пьющий даже для далеких от трезвости, слишком скандальный и буйный даже для нарушителей правил и попирателей ценностей, слишком беспутный — даже для пишущих проституток художников!» (https://artchive.ru/artists/227~Amedeo_Modiljani)



Женщины его обожали, мало кто из натурщиц не заканчивал сеанс в его постели. Мы знаем о его отношениях с Ахматовой:
«В черноватом Парижа тумане,
И наверно, опять Модильяни
Незаметно бродил за мной.
У него печальное свойство
Даже в сон мой вносить беспокойство
И быть многих бедствий виной.»
Но главной женщиной его жизни, родившей от него ребенка и покончившей жизнь самоубийством после его смерти, будучи на девятом месяце беременности вторым ребенком, была художница Жанна Эбюртен.



Умер Модильяни от туберкулезного менингита в больнице для бедных, хоронил его весь художественный Париж, а цены на его картины взлетели уже в день похорон… Покоится Амадео Модильяни на еврейском участке кладбища Пер-Лашез, в самой бедной его части.
Испанский и французский художник, скульптор, график, дизайнер, основоположник кубизма Пабло Пикассо (1881-1973, имя которого состоит из 15 имен (Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис),



интересен нам в нашей теме в основном «голубым» и «розовым» периодами творчества, в которых еще сильно сказывается влияние импрессионизма и постимпрессионизма. В «голубом» и «розовом» периодах люди, изображаемые на его портретах часто были грустными, а любимыми героями его картин были арлекины, тореадоры, музыканты.





Биография художника хорошо известна, о нем много написано, снято несколько документальных и художественных фильмов (например: «Прожить жизнь с Пикассо» с Энтони Хопкинсом в главной роли). Я хочу еще сказать пару слов о кубистическом периоде его творчества, основоположником которого он считается, к которому он постоянно возвращался, хотя я не являюсь поклонницей этого направления. Превращение форм лица и тела в геометрические блоки, произвольное рассекание и «изламывание» фигур, отсутствие перспективы, монохромность палитры, невозможность узнавания изображенного человека – особенности, присущие кубизму - меня они не привлекают, но… смотрите сами.



Мы продолжим разговор о Пикассо в следующей части, когда будем говорить о сюрреализме.
А сейчас поговорим о немецких художниках, в творчестве которых наиболее полно и ярко проявилось отрицание форм, ценностей и вкусов, господствовавших в искусстве, срывание всех и всяческих масок, преобладание содержания над формой. «Пафос экспрессионизма исключал гармонию, соразмерность, композиционную, ритмическую или цветовую уравновешенность; произведение должно было не радовать глаз и слух, а будоражить, возбуждать и - еще лучше – потрясать.» (https://expressionism.academic.ru/473/Немецкий_экспрессионизм)
В 1905 году в Дрездене немецкий экспрессионизм заявил о себе впервые в объединении «Мост» («Die Brücke»), просуществовавшем 8 лет, о котором мы уже говорили в прошлом, (я писала о нем тут: (http://vanatik05.livejournal.com/tag/%D0%96%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C.%20%D0%A4%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D0%B7%D0%BC), поэтому сейчас затронем только нашу тему портрета, упомянув некоторых ведущих художников группы.
Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938), художник, график, скульптор, идеолог и автор программы группы, в которой отрицался реализм, импрессионизм и даже модерн.



Пережив тяжелое потрясение от увиденного всего за два месяца своего участия в Первой мировой войне, пристрастившись к алкоголю и морфию, Кирхнер вынужден был провести некоторое время в психиатрической лечебнице. Основным жанром, в котором работал Кирхнер, был городской пейзаж, но и в портретах проявляются главные особенности его творчества - плоскостное изображение, сопровождаемое искажением формы и цветовой гаммы.



Он считал, что картины это «самостоятельные существа из линий и красок, которые похожи на свои прототипы ровно настолько, сколько требуется, чтобы сохранялся ключ к пониманию изображённого». Судьба была некоторое время благосклонна к художнику: легкие, которые беспокоили его еще со времен войны, были подлечены, у него проходят выставки в Германии и Швейцарии он даже становится членом Прусской академии искусств.



Но приход к власти нацистов положил конец благополучию многих людей искусства, творчество которых было объявлено «дегенеративным», 639 работ Кирхнера было уничтожено. В 1938 году его физическое и душевное здоровье резко ухудшилось, он опять вернулся к наркотикам, сломленный болезнью и обстоятельствами, художник покончил жизнь самоубийством.
В 1906 году к группе «Мост» присоединился уже известный к тому времени акварелист, предпочитавший до этого считаться художником-одиночкой, Эмиль Нольде (Ханс Эмиль Хансен, 1867-1956),



взявший себе в качестве псевдонима название деревни, где он родился. Он почти не писал портретов, так как избегал конкретики, главными его интересами была природа и библейские сюжеты, «изображения человека у него символичны, они находятся, как говорил художник, «по ту сторону понимания и знания» и «вне времен». (Статья Екатерины Деготь из книги "Художественный календарь 100 памятных дат", М., 1992 г.)



Несмотря на то, что Нольде разделял идеи национал-социализма, поддерживал Гитлера и даже был членом НСДАП, это не спасло его от причисления к представителям «дегенеративного» искусства, его творчество было охарактеризовано как «искусство распада», и 1052 картины изъяты из музеев, он был изгнан из Прусской академии художеств, а в 1941 году фактически получил запрет на какую-либо творческую деятельность.



Но даже все это не разочаровало его в национал-социализме. А после войны, несмотря на членство в нацистской партии, ему даже удалось, благодаря этим гонениям, избежать денацификации.
В 1906 году к группе «Мост» присоединяется один из лидеров немецкого экспрессионизма, единственный из членов группы, получивший классическое художественное образование, к тому времени уже лауреат Саксонской государственной премии Макс Пехштейн (1881-1955).



Несмотря на то, что к 1933 году он уже был членом Прусской художественной академии, входил в состав ее выставочной комиссии и был лауреатом Прусской государственной премии, ему запретили работать и выставляться, а в 1937 году исключили из Академии, 326 его работ были изъяты из музеев, а во время войны его дом был полностью разрушен в результате бомбежки и большая часть картин уничтожена.



После войны Макс Пехштейн жил в Западном Берлине, был профессором в Высшей школе изобразительного искусства.
Осенью 1911 года в Мюнхене появилось новое объединение художников-экспрессионистов «Синий всадник» («Der Blaue Reiter»), просуществовавшее всего 3 года, но оставившее важный след в истории искусства. (Я писала об этой группе тут: https://vanatik05.livejournal.com/tag/%22%D0%A1%D0%B8%D0%BD%D0%B8%D0%B9%20%D0%B2%D1%81%D0%B0%D0%B4%D0%BD%D0%B8%D0%BA%22)
Ведущим организатором и теоретиком объединения, считавшим, что художник имеет право на субъективное восприятие реальности, даже полный отказ от фигуративности и переход к абстракции, был Василий Кандинский (1866-1944), представитель экспрессионизма, ставший впоследствии одним из основоположников абстракционизма.



После окончания юридического факультета Московского университета и работы доцентом на этом факультете, потрясенный выставкой французских импрессионистов в Москве в 1895 году, Кандинский решает посвятить себя живописи и в 1896 отправляется в Мюнхен, считавшийся тогда одним из центров европейского искусства. И именно мюнхенский период, годы обучения, первые работы, создание "Нового объединения художников, Мюнхен", а затем и «Синего всадника» важны нам в нашей теме.



Работая над этой темой, я наткнулась на интересную статью Sergey Kanivets, в которой он, рассматривая вот эту картину,



приходит к выводу о том, что это абстракционистский автопортрет, на котором с большим трудом можно распознать в левой части изображение лица автора. Не знаю, не берусь судить, я вообще не решаюсь говорить на тему абстракционизма, поэтому о дельнейших исканиях Кандинского, о «биоморфных элементах, которые непринужденно чувствуют себя в пространстве картины, словно плавая по всей поверхности холста» у меня нет права рассуждать. Приведу лучше слова самого художника: "Абстрактное искусство создает рядом с "реальным"новый мир, с виду ничего общего не имеющий с "действительностью". Я этого пока не понимаю.

Другом Кандинского и соучредителем объединения «Синий всадник» был немецкий художник Франц (Мориц Вильгельм) Марк (1880-1916).



Всю свою жизнь он писал в основном животных, особенно лошадей, ланей и собак, он считал их высшими существами, старался смотреть на мир с их точки зрения. Он почти не писал портретов, но не сказать о нем пару слов нельзя.



Уж больно трагически рано оборвалась его судьба - Марк погиб под Верденом за несколько дней до того, как приказ об освобождении с фронтов Первой мировой войны важных для страны художников поступил в часть. Так в возрасте 36 лет погиб талантливый художник, который считал, что «Искусство – ни что иное, как выражение мечты».
Еще один участник объединения «Синий всадник» немецкий художник Август Роберт Людвиг Маке (1887-1914) был еще теоретиком и пропагандистом экспрессионизма.



Маке был крупным, здоровым и жизнерадостным молодым человеком, в юности он был потрясен работами французских импрессионистов, изучал искусство Ренессанса, путешествовал по Италии, учился у Коринта. Сначала он с сомнением относился к творчеству экспрессионистов, но после посещения выставки Франца Марка заинтересовался этим направлением.



«Он использовал в своих композициях принципы построения, позаимствованные у кубистов и художников «Всадника», но всегда оставался самостоятельным мастером.» (Ришар Л. Энциклопедия экспрессионизма.)



К сожалению, многих своих замыслов и идей ему не удалось осуществить, как и у Марка, в его судьбу вмешалась война: в августе 1914 года он ушел добровольцем на фронт, 20 сентября получил Железный крест, а уже 26 сентября, в возрасте 27 лет, погиб в бою, останки его не были обнаружены.
Еще один участник объединения «Синий всадник» немецко-швейцарский художник Пауль Клее (1879-1940)
в отличие от многих художников того времени Клее был образцом поведения: никогда не злился, всегда был спокоен, был образцовым мужем и отцом, верным другом и обожаемым преподавателем.



Родившись в семье музыкантов и получив музыкальное образование, он в молодости, уже став художником, продолжает подрабатывать в муниципальном оркестре Берна. Он был теоретиком авангардного искусства, утверждал, что рисунки детей и сумасшедших являются настоящим искусством.



Скажу честно, работы Пауля Клее не производят на меня впечатления, я не получаю от их созерцания ни потрясения, ни удовольствия, но в таких случаях я говорю себе: «Значит ты еще не доросла до понимания этого
искусства».



А вот его страшная болезнь (склеродермия) и мученическая смерть вызывают мое сочувствие, а его огромное творческое наследие (около 9000 работ) и гонения на его искусство в годы фашизма – уважение.
Австрийский художник, великолепный мастер портретов, особенно автопортретов, Эгон Шиле (1890-1918),



уже с юности мало чем интересовался, кроме рисования. Он плохо учился, был нелюдим, ни с кем не дружил, только очень любил отца, сошедшего с ума из-за заражения сифилисом и рано умершего.
Уже в возрасте 16 лет юный Шиле был принят в Академию изобразительного искусства, а несколькими годами позже поразил своим рано проявившимся талантом Густава Климта. На первой крупной выставке, организованной Климтом в 1909 году в Венской галерее, его картины висят рядом с работами самого Климта, Ван Гога и Мунка! Счет его женщинам потерян, он даже был арестован в одном маленьком городке за совращение малолетней, отделавшись тремя днями тюрьмы, но в его жизни были две любимые женщины, одна из них 17-летняя Валери Нойцель, бывшая модель Климта.



Вторая стала его женой, но их семейная жизнь была прервана уже через несколько дней после свадьбы войной, а после нее им было суждено прожить только несколько месяцев – они умерли один за другим от эпидемии «испанки», когда художнику было всего 28 лет.



О его жизни написаны романы, сняты фильмы, после него осталось около 300 картин и тысячи рисунков, его выставки проходят во многих ведущих музеях мира. Есть что-то завораживающее, пронзительное в его портретах, как будто люди, изображенные на них, заглядывают тебе в душу, они производят на меня почти такое же сильное впечатление, что и портреты работы Ван Гога.
Пора поговорить немного и о французском экспрессионизме, одним из ярких представителей которого был Жорж Руо (1871-1958), родившийся в бедной семье в год Парижской коммуны, под грохот пушечных выстрелов наступавших прусских войск.



Руо был одним из основателей Осеннего Салона в 1903 году, ему было близко творчество Ван Гога и Матисса, картины в начале творческого пути были часто на религиозные темы, но его интересовала жизнь людей, он ее
изображает иногда в карикатурном виде, пишет портреты клоунов, проституток, простых людей...



Часто он беспощаден к своим героям, и не пишет того, что должно понравиться публике, его интересует реальность, человек без маски, часто не только с голым телом, но и с обнаженной душой.



Те, кого интересует творчество Руо, могут прочитать его подробную биографию тут: http://modernartconsulting.ru/2011/09/rouault-george/, у художника была долгая творческая жизнь успех и международное признание.
Об одном из самых знаменитых русско-французских художников еврейского происхождения, прожившего почти 100 лет, начинавшего с наивного искусства и оставившего свой след практически во всех направлениях живописи 20 века и выработавшего свой собственный, всегда узнаваемый стиль, я не буду подробно говорить, все знают его биографию, он и сам описал ее в книге «Моя жизнь» – это Марк Шагал (1887-1985).



Напомню только о главной особенности его творчества, как он сам ее определял: «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником».



Основные темы его творчества связаны с родным Витебском, любовью к родине и своему народу, со «взлетами» души и тела, религиозностью, а любимые цвета –зеленый (цвет жизни и обновления природы) и красный (цвет тревоги и беды).



В его картинах на первый взгляд много мистики, но на самом деле это жизнь, увиденная глазами Марка Шагала.
Еще один выходец из России еврейского происхождения, бывший десятым ребенком в бедной семье портного, живший и творивший во Франции, но считавший себя русским художником, ставший известным на родине благодаря Илье Эренбургу, первым написавшим о нем, был Хаим Сутин (1893-1943).



Внешне он выглядел непривлекательно: худой, болезненный, нескладный, толстогубый и патлатый, всегда напряженный и отрешенный, а когда он рисовал, казалось, что рассудок покинул его – он не воспринимал внешний мир и не реагировал на него. Ничто, кроме живописи его не интересовало: жизнь впроголодь (1 франк в день от друга Модильяни), ночная работа грузчиком для оплаты учебы, случайные женщины, пьянство – ничто не могло быть для него важнее живописи, она была способом и смыслом его существования.



«Хаим Сутин мог показаться кому-то дикарем, тронутым, неряхой и пьяницей, но в живописи он был аристократом и гением, человеком вольным, гордым и независимым. Его кисть вызвала к жизни картины, исполненные в суровом стиле. Он действовал как хирург, патологоанатом, лишенный сантиментов. Действовал убежденно и деловито.» (Г.Анисимов. «Жил-был художник Хаим Сутин»)



В какой-то мере пониманию его живописи поможет знание о том, что любимым писателем его был Бальзак, «до крови в глазах» разглядывавший мрак и нечистоты в душе человеческой, а любимым поэтом – Пушкин, с его стихами, взмывающими к вершинам духа. Умер Сутин от перитонита в оккупированном немцами Париже, провожал его в последний путь один только Пикассо. А двумя годами раньше в его родных Смиловичах погибли в гетто его родители. Хорошую статью о Хаиме Сутине, написанную Гр.Анисимовым, влюбленным в художника, можно прочитать тут: https://lechaim.ru/ARHIV/116/anis.htm.
И последним из экспрессионистов, которого мы тут упомянем, был австрийский художник чешского происхождения, родом из известной семьи ювелиров, один из учеников Густава Климта Оскар Кокошка (1886-1980).



Можно сказать, что в начале его творческой жизни ему сопутствовала удача – ему все давалось легко, несмотря на то, что его исключают из Художественной школы за непристойные картины и он остается без заработка, ему удается случайно познакомиться с богатым архитектором, А.Лоосом, который рекомендует его своим знакомым как портретиста. И ему действительно удавалось передать внутреннюю сущность изображаемых людей, как будто он видел насквозь и умел читать души.



В одном из сражений Первой мировой войны он был тяжело ранен в голову и грудь, попадает в плен, теряет память, скитается, считается умершим, но выживает и выздоравливает, хотя и признается психически неуравновешенным, возвращается в Вену, становится профессором Дрезденской академии. С приходом Гитлера к власти и объявления многих художников представителями «дегенеративного искусства» Кокошка уезжает в Англию, а после войны живет постоянно в Швейцарии на берегу Женевского озера, выезжая иногда в Австрию для преподавания или участия в выставках.



Интересно и просто написана биография Кокошки в статье Марии Микулиной «Безумный художник: история скандальной жизни Оскара Кокошки!» (http://www.maximonline.ru/longreads/get-smart/_article/kokoshka/), правда, почти без анализа его творчества.
Завершая разговор по теме, скажу, что список художников-экспрессионистов насчитывает в общем около 180 имен, я выбрала 14 наиболее известных, творчество которых отражает основные черты экспрессионизма в живописи: субъективное видение картины мира, предпочтение эмоций и чувств рассудку, и как следствие отражение в творчестве своего эмоционального и чувственного мира, частое использование тем страха и боли, отторжения и одиночества. Эти чувства передавались на полотне с помощью резких смазанных линий , грубых мазках, несовместимых, казалось бы, цветовых сочетаний. «Можно сказать, что экспрессионизм - это новый виток в революции искусства, когда художники от просто копирования действительности всё больше уходили в авангардные техники, которые позволяют ярче выразить ощущения, эмоции, абстрактные чувства, переживания.» (http://art-assorty.ru/7859-ekspressionizm-v-zhivopisi.html).
Как всегда, желающие могут посмотреть музыкальный видеоклип, в котором около 120 репродукций художников, упомянутых выше. Музыкальное сопровождение: А.Шенберг, Струнный квартет №4 Comodo, время просмотра – 8 минут.


Ссылки: 1. http://expressionists.ru/
2. https://artchive.ru/artists
3. https://www.kunst-zeiten.de/Expressionismus-Allgemein
4. http://www.kunstkurs-online.de/kunst-blog-msa/kunst-kunstler/maler-und-gemaelde-des-expressionismus/
5. https://www.wikiart.org/ru

    


Ну, с русскими гусарами разобрались, а что же иностранцы? О подвигах и героизме венгерских, польских, прусских и французских гусаров речь уже шла в предыдущих сюжетах, а вот об англичанах не было сказано ни слова. Но и у англичан гусары были в фаворе, достаточно посмотреть на портрет принца Альберта (1819-1861) - мужа королевы Виктории (1819-1991), кисти Джона Патриджа (1790-1872) и на фотографию остроумного потомка герцогов Мальборо - сэра Уинстона Леонарда Спенсер-Черчилля (1874-1965).

Всем нам известный Уинстон Черчилль после окончания Королевского военного училища был зачислен в 4-й Её Королевского Величества гусарский полк. Вероятно, именно потому, что он несколько лет служил в гусарах, а, возможно, ещё и потому, что во время учёбы в подготовительной школе был многократно сечён розгами, он и стал государственным и политическим деятелем, премьер-министром Великобритании в 1940-1945 и 1951-1955 годах; полковником, журналистом, писателем, почётным членом Британской академии (1952) и лауреатом Нобелевской премии по литературе (1953).

Полагаю, родителям недорослей стоит над этим призадуматься.)))


Читать дальше

Я тут хотел написать пост про 3D в дизайне и наткнулся на такую замечательную штуку, как картины в 3D. В настоящем 3D. Не знаю как для вас, но для меня это открытие недели. Моделлеры, используют оригиналы картин в качестве референсов и создают просто невероятные сцены. Некоторые из них даже анимированы!  

И да, сразу скажу, что лучше смотреть с ПК, так как смартфон, скорее всего, будет долго всё это загружать, да и смотреть приятнее в большом разрешении. Итак, вот небольшая подборка картин, которые мне большего всего понравились.

1.«Доминирующая дуга»—Василий Васильевич Кандинский

Продолжение по ссылке... 

Тициан - Похищение Европы

Тициан Вечеллио (Tiziano Vecellio), (1488/1490, городок Пьеве-ди-Кадоре, Венеция - 1576, Венеция), - итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения.




Европа Купидону и компании:

С цепи сорвалась глупая скотина ещё и вы стреляете, придурки!


Миф о Европе так же, как и другие древнегреческие мифы, нашёл своё отражение в изобразительном искусстве. Любопытная вещь: в наших источниках картины и скульптуры, навеянные этим сюжетом, называют исключительно "Похищение Европы", а вот европейские источники называют их ещё "Изнасилование Европы" (Il Ratto di Europa - итальянская версия, The rape of Europe - английская версия).

Вот перевод первого абзаца статьи английской версии Википедии, посвящённой картине Тициана:

"Изнасилование Европы" - это картина итальянского художника Тициана, написанная в 1560-1562. Она находится в музее Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне, штат Массачусетс."

Ну, что ж, европейцам, конечно, видней.)))



Читать дальше

Сколь долго просила мою тетю (театральный художник в Ашхабаде) сфотографироваться и прислать свое фото в туркменском костюме. И наконец-то!
Я еще в детстве поразилась сходству головных уборов туркменских женщин с клобуком православных священников и убором египетской Нефертити.

…Величаво восседают туркмены на одногорбых (как в Египте) верблюдах на фоне каракумской пустыни. Нехватает только пирамид со сфинксом.
Мальчикам с рождения туго завязывали платком голову и до середины 50-х годов прошлого века этот обычай сохранялся – так ловко сидела круглая тюбетейка на вытянутом затылке! И никаких инопланетян 😉
Кстати, Ежи Ковалерович снимал в туркменской пустыне фильм “Фараон”. Мeстные жители вписались в массовку как нельзя лучше!

Дальше – больше…
Сходство меховых шапок думских бояр на Руси, гвардейцев Великобритании, священнослужителей Израиля… Но больше поразили цвета флага и военного обмундрования в Турции (белый/голубой) – “И вы, мундиры голубые...”

Ну как ни круто и ни верти, опять Константинополь как центр мирозданья, откуда и разбежались пО свету народы куда глаза глядят. Но сохранили память в сказаниях и одежде.
А что на это скажет наше всё в истории костюма, мэтр А. А. Васильев?! Ждем!

Оригинал взят у virginianв Роттердам, Музей Бойманса - ван Бёнингена

Музей был основан в 1847-м году на основе частной коллекции Франса Якоба Отто Бойманса, завещанной городу Роттердаму. В 1958-м году собрание пополнилось картинами предпринимателя Даниэля Георга ван Бёнингена и музей стал называться Музеем Бойманса - ван Бёнингена. Музей очень интересный, хотя его собрание и более скромное по сравнению с музеями в Амстердаме и Гааге. На переднем плане знаменитый шуруп шведского скульптора Класа Олденбурга.





Официальный вход в музей находится во внутреннем дворике, где нас приветствует этот замечательный товарищ:






Говорят, что театр начинается с вешалки, но то же самое можно сказать и о музеях, особенно если этот музей находится в Роттердаме.

В Роттердаме вешалка особенная, пальто и куртки поднимаются вверх и висят на крутящейся карусели. Для того, чтобы пальто спустилось вниз, нужно вставить специальный ключик. Выглядит все очень здорово.





Экспозиция музея организована в стиле "машины времени", из зала с работами старых мастеров попадаешь в зал с работами новых или совсем новых, но начинается она с лестницы. Здесь явно развешаны трофеи путешественника во времени, кого тут только нет, Ян ван Эйк соседствует с Василием Кандинским, тут же рядом Пикассо и Малые Голландцы, надеюсь живут они тут дружно, все-таки товарищи по цеху.




Около картины Пикассо очень надолго встал почитатель его творчества, так что привожу картинку с сайта музея

Пикассо, Художник







Ян ван Эйк, Три Марии у гроба, 1425 - 1435




Первоначально "Три Марии"приписывали Хуберту ван Эйку, старшему брату ван Эйка, но недавно эксперты музея все-таки атрибутировали ее как картину младшего брата. Правда, особого доверия экспертам музея нет, именно музей Бойманса печально прославился покупкой за баснословную цену четырех поддельных картин Вермеера.

История "подделок века"подробно описана в дружественном журнале.


Эрколе де Роберти, Святой Антоний Аббат, 1472







Бартелеми д’Эйк, Пророк Исайя





Музей Бойманса - ван Бёнингена это голландский музей и, как и большинство голландских музеев, славится не только картинами знаменитых мастеров, но и ... плохим освещением. Экономия на источниках света приводит к сильным искажением цветовой гаммы, если человеческий глаз еще может частично адаптироваться, включив "встроенный фотошоп", то снимки сделанные даже самой крутой камерой выглядят ужасно. На вопрос "Кто виноват"ответ у нас есть, остается выяснить "Что делать".

Нам нужна "Помощь зала"!

Просим одну их посетительниц музея подержать рядом с картиной брошюру с планом музея и делаем снмиок






Загружаем снимок в редактор и берем образчик белого цвета из брошюры






Щелкаем мышкой и получаем цветовую гамму близкую к оригиналу.






И вот что у нас получилось:

Паоло Веронезе, Портрет мальчика, 1558






Что бы это могло значить? Да это же червоточина, через которую мы попадаем в мир современного искусства!






На почетном месте висит картина Ротко






Современное искусство конечно вещь в себе, но эти картины мне определенно понравились, особенно та, что с ведерком







Jiri Georg Dokoupil, Der Philosoph I + II, 1981






René Daniëls, Pass in revue, 1982

Голландский художник работающий в стиле "визуальной поэзии". Конкретно эта картина является реминисценцией "Метаморфоз Овидия".






Переходим в следующий зал и видим очень необычные картины.

David Salle, Слепые дети, 1980

По этическим соображением детей никто не заставлял позировать, картины сделаны по фотографиям.
















Kees Timmer, Леопарды, 1949 - 1950





Машина времени по прежнему работает, вместе со школьной экскурсией снова переносимся в прошлое







Очень странная картина Рембрандта с не менее странным названием, Единение страны, 1717

Название взято из описи картин, находящихся в доме Рембранда, составленной после смерти художника







Ян Адам Круземан, Портрет дамы, 1829

Свет, свет, свет...



Ян Адам Круземан был популярным портретистом, он выполнил много портретов голландской королевской семьи. Ему в частности принадлежит посмертный портрет Александра I, сделанный специально для великой княжны Анны Павловны, жены голландского кронпринца Виллема II и сестры императора Александра I.





Франческо ди Франциа, Портрет Пьетро Ченни, 1488






Ян Вермеер, Христос в Эммаусе, 1937






Но постойте, почему 1937? Оказывается это не Вермеер, картина принадлежит Ван Мегерену, автору многих других подделок, на которые купились весьма маститые искусствоведы того времени.







Снова перебираемся поближе к началу века

Георг Хендрик Брейтнер, Серьга, 1923






Альфред Сислей, Водяная мельница в Moret sur Loing, 1883

83





Одная из ранних парижских работ Пикассо, Женщина на террасе в кафе, 1901

Если верить экспертам музея, на картине изображена бывшая ночная бабочка, вспоминающая о своем бурном прошлом.






Феликс Валлотон, Портрет Амбруаза Воллара, 1902







Уголок сюрреалистов

Joop Moesman, Полдень, 1932







Поль Дельво, Фазы Луны III, 1942






Рене Магрит, Красная модель III, 1932






Сальвадор Дали, как без него, Две головы заполненные облаками







Anne Marie Blaupot ten cate, Автопортрет, 1930







Еще один уголок, на этот раз экспрессионистов

Оскар Кокошка, Мандрил, 1926







Алексей фон Явленский, Ню (набросок), 1910







Франц Марк, Овца (Das Schaf)






Проходим через последние залы


Дик Кет, Автопотрет, 1932








Джино Северини, Полишинель с гитарой, 1923








Карел Виллинк, Представитель "магического релизма", Схоласты, 1932









Рик Ваутерс, художник с трагической судьбой, Женщина в красном, 1910






Покидаем музей...






...и на обратном пути проходим мимо этих странных предметов






Пора собираться в путь, нас ждет Гаага и "Девушка с жемчужной серёжкой".




Послесловие

Уже после опубликования этого поста удалось выяснить, почему машина времени проигнорировала такой шедевр, как знаменитая "Вавилонская Башня"Питера Брейгеля Старшего.

.

Ларчик просто открывался, 90 лучших картин старых мастеров отправились на выставку в Японию!




Среди картин отправленных в Японии оказалась и картина Босха




Сейчас в музее проходит специальная выставка картин, вернувшихся из Японии.

Ну что же, японцам повезло, а нам не очень, придется приехать еще раз!

На Акрополе
Мы не знаем достоверно имени архитектора, построившего Эрехтейон, - храм на афинском Акрополе, который своей смелой асимметричностью и идеальной связью со сложным рельефом предвосхищает зодчество Нового времени. Мы не знаем имени скульптора, изваявшего фигуры шести кариатид, девушек-колонн, которые поддерживают перекрытия южного портика храма. Не знаем и назначение этого портика: ведь портик – это оформленный колоннадой вход в здание, а в портике кариатид парадного входа как такового нет, только небольшое отверстие сбоку и малозаметный проем в стене храма.
Однако нам точно известно время постройки храма. Строительство началось в 421 году до н. э., когда после десяти лет Пелопонесской войны Афины заключили недолговечный мир со Спартой, и закончилось в 406 году до н.э., когда губительная для Афин война близилась к концу. Эрехтейон стал последним значительным храмом Древней Греции.


Вид на портик кариатид с юго-востока

Мы знаем, почему храм, посвящённый богам Афине, Посейдону и афинскому царю Эрехтею, был возведен именно здесь – на неровной северо-западной оконечности Акрополя, почти над обрывом. На этом месте, по преданию, поспорили за обладание Аттикой Афина и Посейдон. Рядом с храмом росло оливковое дерево, дар Афины, а в самом храме бил ключ солёной воды, дар Посейдона. В Эрехтейоне хранилась величайшая реликвия афинян - деревянная статуя Афины, упавшая с неба, а в пещере под храмом обитала священная змея богини.


Вид на портик кариатид с запада. Священная олива Афины

Мотив кариатид встречался в греческой архитектуре и прежде. До наших дней сохранились предшественницы кариатид Эрехтейона, которые украшали фасады двух сокровищниц 6 века до н.э. на Священной дороге в Дельфах.


Кариатида из сокровищницы сифносцев в Дельфах. Ок. 525 г. до н.э.
 Дельфы, музей

Почему девушки-колонны зовутся кариатидами? Ведь женские статуи Древней Греции называют "коры" (в переводе "девы"). Слово "кариатида" ввел в обиход Витрувий, римский архитектор и ученый 1 века н.э. Он связывает название "кариатида" с историей о женщинах из греческой области Кария. Карийцы заключили союз с врагами греков персами, были разгромлены греками, и в знак памяти о позоре Карии появились кариатиды - колонны в виде карийских женщин, несущих тяжесть архитектурных перекрытий.


Вид на портик кариатид с запада

Эта легенда, которую экскурсоводы с удовольствием рассказывают туристам, вызывает, несмотря на авторитет Витрувия, сомнение у историков, но название уже прочно укоренилось. Наиболее правдоподобной представляется иная версия: девушки – жрицы богини Афины. Это подтверждает находка, сделанная в Италии в 1952 году. На раскопках виллы императора Адриана в Тиволи обнаружили хорошо сохранившиеся, с уцелевшими руками, копии кариатид Эрехтейона. Выяснилось, что одной рукой девушки слегка придерживали край одежды, в другой был сосуд для жертвенных возлияний.


Вид на портик кариатид с запада

Высота кариатид – 2, 3 метра, высота цоколя, на котором они стоят, – 2,6 метра. Но по контрасту с высокой протяженной стеной храма фигуры девушек кажутся почти соразмерными человеческому росту.
Шестеро девушек стоят, слегка согнув одну ногу в колене. Три правые и три левые фигуры зеркально отражают друг друга: фигуры справа переносят вес на левую ногу, фигуры слева - на правую. Очевидно, положение не сохранившихся рук статуй тоже было зеркальным. Складки тонких одежд лежат у каждой кариатиды немного по-другому. У девушек красивые сложные прически, спускающаяся вдоль спины тяжелая волна волос укрепляет шею, которая иначе казалась бы слишком хрупкой.


Вид на портик кариатид с юго-запада

Словно драгоценность на белом атласе, выделяется портик кариатид на фоне гладкого мрамора южного фасада Эрехтейона. Стройные, величавые, сильные, и в то же время женственные, девушки держатся свободно и прямо, не склоняя головы под своей ношей, словно не ощущая ее тяжести. Кажется, что кариатиды вот-вот сделают шаг и двинуться в торжественной процессии к стоящему напротив Парфенону.


Вид на портик кариатид с юга

Процессия – ключевое слово для всего ансамбля Акрополя. Самой важной и красочной частью Панафинейских игр - празднества в античных Афинах, проводившегося в честь покровительницы города богини Афины, было торжественное шествие горожан на Акрополь. Во главе процессии двигалась специальная повозка — так называемый панафинейский корабль — с натянутым вместо паруса великолепным пеплосом, новым одеянием для статуи Афины, пребывающей в Эрехтейоне. (Есть версия, что кариатиды – девушки-жрицы из благородных семей, выткавшие пеплос). Проходя вдоль стен Парфенона, участники панафинейского шествия видели рельеф с изображением такой же процессии. Среди фигур на рельефе - гордые девы в ниспадающих одеждах, словно двойники кариатид Эрехтейона.


Панафинейская процессия. Водоносы. Фрагмент фриза  Парфенона. 443-438 гг. до н.э.
Афины, Новый музей Акрополя

С ансамблем Акрополя кариатид роднит не только их скульптурная, но и архитектурная сущность. Откуда бы мы ни смотрели на портик кариатид, мы обязательно увидим несколько колонн западного, восточного или северного фасада храма. Перекличка колонн и колоннообразных фигур – одно из очарований Эрехтейона. В своем единообразии и компактности, тела в струящихся одеждах с вертикальными складками уподобляются античным колоннам с углублениями-каннелюрами. Не будем, впрочем, забывать, что, скорее всего, кариатиды, как и другие скульптуры и рельефы Акрополя, были ярко окрашены. Сходство девушек с колоннами, возможно, меньше проявлялось, чем сейчас.


ВИд на портик кариатид с юго-востока

Самый прекрасный вид на портик кариатид открывается, если близко подойти к крайним с запада статуям. Не видно туристов, шелестит листьями олива Афины, фигуры кариатид вырисовываются на фоне неба, под холмом расстилается белый город и на миг кажется, что это те самые античные Афины и что за две с лишним тысячи лет почти ничего не изменилось…



В музеях
Увы! Город уже не тот, новое дерево посажено на месте древней оливы Афины в 1920-е годы, и самое главное – кариатиды тоже не те. В течение веков Эрехтейон, как и весь ансамбль Акрополя, пережил много бедствий. В 5 веке н.э. византийцы превратили храм в церковь, разбили статуи на восточном фасаде, а пространство между кариатидами заложили камнем. В начале 11 века Византию потеснили рыцари-крестоносцы. Афины стали центром герцогства афинского, и перестроенный Эрехтейон вошел в состав герцогского дворца. Позднее Афины снова отошли к Византии, павшей под натиском турок, которые хозяйничали на Акрополе с 1458 года. В Эрехтейоне расположился гарем коменданта крепости. Новые завоеватели не стали уничтожать статуи, но, согласно запрету Корана на изображение людей, стесали им лица (к счастью, не очень старательно). Эрехтейон, хотя ему был нанесен большой ущерб, чудом уцелел в 1687 году, когда Афины осаждали венецианцы и в Парфенон, превращенный турками в пороховой склад, попал снаряд.


Подлинники кариатид в  Новом музее Акрополя

Опасность несли кариатидам не только захватчики, но и коллекционеры. В 1802 году британский посланник в Константинополе лорд Элджин, знаток и собиратель произведений античности, получил от турецкого султана разрешение «вывезти из страны любой кусок камня с надписями или изображениями» и отправил несравненной ценности собрание выломанных на Акрополе скульптур в Британию. Среди этих сокровищ была кариатида Эрехтейона (вторая с запада). Коллекционер вывез бы все шесть, но при попытке выломать следующую кариатиду (заднюю с востока), возникли трудности. Любитель античности приказал распилить статую, а когда это не удалось, просто бросил остатки разрушенной кариатиды. Увезенная лордом Элджином кариатида до сих пор находится в Британском музее вместе с другими мраморами Акрополя, несмотря на все попытки Греции вернуть сокровища.



Свои действия лорд Элджин мотивировал тем, что он спасает шедевры античности, которым в Греции грозит разрушение. И его доводы можно было отчасти обосновать: Эрехтейон снова пострадал в 1820-е годы, во время греко-турецкой освободительной войны, когда, среди прочих разрушений, упала вторая с востока кариатида.



После получения Грецией независимости в 1833 году началась реставрация архитектурного комплекса Акрополя, которая длится по сей день. Британский музей сначала прислал слепок с кариатиды, увезенной лордом Элджином, а потом более качественную копию из искусственного камня.
В 20 веке главным врагом кариатид и других скульптур Акрополя стала агрессивная окружающая среда. Во время очередной реставрации Эрехтейона в начале 1980-х годов все кариатиды были заменены копиями и перенесены в музей Акрополя, который открылся на холме в 1865 году, неоднократно расширялся, но все равно не мог вместить находки археологов и оставшиеся в Греции оригиналы скульптур.



В конце 2008 года газеты писали об удивительном событии в мире искусства: кариатиды Эрехтейона покидают Акрополь! Статуи с великими предосторожностями перенесли в открытый, наконец, у подножия холма Новый музей Акрополя, грандиозный, суперсовременный и рассчитанный на то, чтобы принять когда-нибудь обратно все вывезенные в Англию произведения.



Такова двойная жизнь кариатид. На Акрополе, открытые солнцу и ветру, стоят шесть искусных копий. В идеальной музейной атмосфере, в лучах искусственного света посетителей встречают пять подлинников. Кариатиды расположены в том же порядке, что и на холме. Вместо одной – пропуск, одна – почти разрушена. А в далёкой Англии в зале Британского музея стоит их одинокая сестра. Встретятся ли они? Возможно, газеты когда-нибудь напишут об этой сенсации: кариатида Эрехтейона возвращается домой в Грецию…



В веках
Кариатиды в мировом искусстве – тема для обширных и увлекательных исследований. Археологи нашли статуи кариатид, охраняющих гробницы эпохи эллинизма (конец 4 в. до н. э. – конец 1 в. до н.э.), на территории Греции, современной Болгарии и Ливии. Древние римляне помещали фигуры кариатид по углам саркофагов.



Кариатида и атлант. Жилой дом в Сан Себастьяне, Испания.  Конец  19 века.

В Средние века интерес к античности угас, и кариатиды на время сошли со сцены, но начиная с эпохи Возрождения они неизменно вдохновляют архитекторов и оформителей интерьеров. Каждый человек, кто хоть немного путешествовал, наверняка вспомнит увиденных им кариатид: возможно, это были павильоны Лувра или луврский зал кариатид, дворец Сан-Суси в Потсдаме, галерея австрийского парламента в Вене, галерея магазина Sinkel в Утрехте, Бельведер в Петергофе, где почти повторен портик Эрехтейона, дом в Денежном переулке в Москве, дача "Милос" в Феодосии …


Кариатида и атлант. Жилой дом в Карловых Варах, Чехия. Последняя треть 19 века.

В каждом европейском городе, где есть старая застройка, вы найдете десятки домов с кариатидами. В основном это будут пышные здания второй половины 19 века, когда архитекторам дозволялось смешивать разные стили. Кариатиды украшают фонари и городские фонтаны, в исторических интерьерах мы наверняка увидим камины, канделябры, мебель с кариатидами.


Кариатида и атлант. Жилой дом в Карловых Варах, Чехия. Последняя треть  19 века.

В последние десятилетия архитекторы нечасто используют мотив кариатид, но каждая такая работа значительна и полна смысла. Три бронзовые кариатиды поддерживают карниз здания Верховного суда в Варшаве (конец 20 века). Фигуры многократно отражаются в воде и в зеркальных стенах здания, словно тени бессмертных кариатид Эрехтейона выступают из глубины веков.

Опубликовано в журнале "Партнер" (Дортмунд), № 8, 2018 год

Попалась тут мне в сети вот такая забавная репродукция знаменитой мозаики из Равенны, на которой изображены император Юстиниан и его приближенные (явно скан с чего-то западно-европейского, печатного (не рукописного), относящегося ко второй половине XVII - началу XVIII века):



При всей узнаваемости сюжета подобное исполнение на первый взгляд больше смахивает, скорее, на дружеский шарж. Кто и когда сделал этот рисунок?


Найти книгу, в которой он предположительно размещен, удалось не сразу. Похоже, что в Интернете это изображение появилось впервые в анонсах научной конференции, посвященной Прокопию Кесарийскому и проходившей в Майнце в 2014 году. И вот что нам показывает всплывающая при наведении на картинку библиографическая ссылка: "De Byzantinae historiae scriptoribus. Editio secunda. Ad Luparaem fideliter expressa sub felicissimis Philippi V. Hispaniarum ac Indiarum Regis Cahtolici auspiciis (Venetiis. Ex Typographia Bartholomaei Javarini M.DCC.XXIX): Illustration to the commentary on chapter 14 and 15 of the Historia Arcana.". К венецианской же публикации "Византийской истории" Прокопия Кесарийского от того же 1729 года отсылает и любимый мною "Arzamas". Примем эту информацию за основу и пойдем искать книжку.

В Google Books есть немало файлов с копиями интересующего нас издания с разным количеством страниц, но ни в одном из них таких иллюстраций нет. Думается, тот, кто первым загрузил картинку в сеть, пользовался каким-то еще неоцифрованным экземпляром, поэтому совершенно отбрасывать вариант 1729 года не станем - он просто пока не подтвержден, - и поищем еще.

Долгим перебором различных комбинаций данных в поисковых запросах удалось найти напечатанный в 1680 году первый том "Истории Византии с коментариями" одного из основоположников научной византинистики Шарля Дюканжа (полные выходные данные: Du Cange, C.D. Historia Byzantina duplici commentario illustrata: Prior familias ac stemmata imperatorum Constantinopolitanorum, cum eorumdem Augustorum nomismatibus, & aliquot iconibus, praeterea familias Dalmaticas & Turcicas compectitur: alter descriptionem urbis Constantinopolitanae, qualis extitit sub imperatoribus christianis / Du Cange, Charles Dufresne ; Auctore Carolo Du Fresne domino Du Cange, regi a consiliis, & Franciae apud Ambianos quaestore. - Lutetiae Parisorum [Paris]: apud Ludovicum Billaine, Bibliopolam Parisiensem, 1680; один из экземпляров в Google Books). Какая удача: на 97-й странице книги обнаружилась на только интересующая нас перерисовка, но и репродукция с парной "женской" мозаики!



Рядом для удобства сравнения приведем оригиналы:





Как разительно отличаются репродукции от оригинала! На "мужском" рисунке все фигуры переоблачились из свох роскошных тяжелых одеяний в какие-то мягкие по фактуре обноски (особенно умиляют "заячьи ушки" застежек на правых плечах неизвестного патриция, Велизария и Нарсеса), а император, лишившись некоторых частей протокольного костюма, игриво выставил коленку в разрез плаща. Кардинально изменились прически и появились удивительные шапочки с опушкой одесную Юстиниана и разнообразие плешей ошую его. И самое главное, изменились выражения лиц, они стали гораздо более приветливыми, а Нарсес и Велизарий так даже слегка улыбаются! Правда, епископ Максимиан выглядит грустным и опустил глаза, но это и понятно, ведь ему пришлось претерпеть полное изменение формы головы.

Феодоре и ее свите тоже не повезло. Грозные телохранители стали какими-то то ли евнухами, то ли монахами, дочь Велизария утратила молодость, а сама императрица лишилась почти всех украшений (и это вдобавок к общему оскуднению костюма).

В чем же причина такой метаморфозы? Всего лишь в том, что у художника, срисовывавшего мозаики, не было под рукой современного фотоаппарата с приличным зумом и хорошего графического редактора наподобие Photoshop'а. На расстоянии не были видны подробности высоко расположенных портретных групп, да и поверхность стен наверняка была подзакопченой, что тоже не способствовало хорошей видимости, вот мастер и додумывал детали, интуитивно заполняя силуэты чем-то подходящим. Именно поэтому Евангелие в драгоценном окладе, которое держит священнослужитель, обратилось в коробку, а прекрасные золотые чаши в руках императора и императрицы - в миски. Такая вот ошибка копирования файла. Ну, или потери в изображении при ручном кустарном ресамплинге.

P.S. Кстати, "мужские" рисунки 1680 и 1729(?) годов несильно, но различаются между собой. Самая ранняя иллюстрация грубее по исполнению, но зато несколько ближе к оригиналу (например, в случае изображении фибулы, которой заколот плащ на правом плече Юстиниана). К достоинствам же позднейшей версии отнесем более тонкую работу гравера и больший психологизм.

P.P.S. Было бы интересно узнать, восходят ли эти два изображения к общему протографу - копии с натуры (и, следовательно, создавались независимо друг от друга), или же иллюстратор издания XVIII века имел перед глазами издание XVII века. Но такое исследование, увы, дистанционно, вне архивов и библиотек, не проведешь.

Дворец Ахиллеон на острове Корфу

Не так давно я рассказывала о счастливой жизни на греческом острове Корфу юного Джеральда Даррелла, впоследствии знаменитого натуралиста и писателя, и его родственников. Но еще раньше райский остров Корфу пленил легендарную Сисси – императрицу Австрии Елизавету Баварскую (1837 —1898). Сисси, героиня культовых кинофильмов, сериалов и книг, красоту которой сохранили для нас бесчисленные портреты, была не только прелестной женщиной с трагической судьбой, но и интеллектуалкой. Она преклонялась перед культурой Древней Греции, знала греческий язык, глубоко интересовалась античной мифологией и историей. Прекрасным памятником привязанности императрицы Елизаветы к этой стране стал Ахиллеон – ее дворец на острове Корфу.



Вид на остров  с террасы  парка


Парк Ахиллеона

Сисси всю жизнь преследовали несчастья, она чувствовала себя при австрийском дворе неуютно, поэтому много путешествовала и искала уединения. Когда в 1889 году на императрицу обрушилось самое большое горе в ее жизни – самоубийство единственного сына Рудольфа, Елизавета надеялась найти тихий приют  на своем любимом Корфу.


Ахиллеон


Ахиллеон

На высоком берегу, чуть южнее столицы острова Керкиры, стояла вилла известного греческого философа и дипломата Петроса Врайласа Армениса, где в то время жила его вдова. Это место облюбовала Сисси и между хозяйкой виллы и императрицей состоялась обмен подарками – Елизавете была подарена вилла, а семья Армениса получила в подарок великолепную бриллиантовую брошь.


Ахиллеон


Ахиллеон, фрагмент

В 1890 году  на месте виллы был построен  Ахиллеон. Его обычно называют дворцом – ведь он строился для императрицы, но по сути это нечто противоположное дворцу: место забвения и покоя, сугубо личное пространство уставшей от придворной жизни женщины, которая желала остаться наедине с собой и природой.
Вы не увидите в Ахиллеоне показной роскоши, его не стоит сравнивать с блестящими императорскими резиденциями.
Здесь все отражает безупречный тонкий вкус хозяйки, ее стремление к созерцанию. Огромный парк, для разбивки которого были скуплены прилегающие к вилле участки, спускается к берегу, с его террас открываются виды на зеленый остров, море, синеющие вдалеке горы.



Парк Ахиллеона




В центре статуя "Умирающий Ахилл"

Сквозной темой своего жилища Сисси избрала гомеровское сказание об Ахилле, герое Троянской войны. «Я хочу дворец с колоннами, колоннады и висячие сады, защищенные от любопытных взглядов, - дворец, достойный Ахилла, который презирал всех смертных и не боялся даже богов», - писала она. В парке, среди многих прекрасных статуй известного немецкого скульптора Эрнста Гюстава Хертера, выделяется скульптура «Умирающий Ахилл» (1884). Сраженный стрелой Париса герой воздевает глаза к небу, словно обращаясь к богам.


Статуя "Умирающий Ахилл"

Белоснежный дворец парит над островом, как корабль под парусами. Он построен в эклектичном, так называемом помпейском стиле. Итальянский архитектор Рафаэль Каритто, уроженец Неаполя, вдохновлялся архитектурой и фресками вилл, найденных при раскопках в Помпеях и Геркулануме.






В обрамленном колоннадой дворе и открытых галереях белые статуи муз и богов, бюсты греческих философов контрастируют с окрашенными в интенсивные цвета – синий и бордовый - колоннами.


Двор Ахиллеона


Бассейн во дворе Ахиллеона



Статуи муз во дворе Ахиллеона


Статуи муз во дворе Ахиллеона



Бюсты философов в галереях Ахиллеона



На парадной лестнице доминирует огромная, 4 на 10 метров, картина Франца Маца «Триумф Ахилла»: Ахилл мчится мимо ворот Трои на колеснице, к которой привязано тело убитого им троянского героя Гектора.




Картина "Триумф Ахилла" на парадной лестнице


Оформление парадной лестницы Ахиллеона




Картины, статуи, потолочные росписи, в том числе прекрасный плафон "Времена года", и на фоне этого гармоничного декора – легкая, нарочито простая мебель.


Плафон "Времена года"







Часовня императрицы. В апсиде роспись "Суд над Иисусом"


Камин, оформленный инкрустациями из слоновой кости

Когда дворец был полностью  готов, мятущаяся императрица несколько утратила к нему интерес, хотя иногда проводила здесь время. 10 сентября 1898 года Сисси была убита в Женеве итальянским анархистом. Ахиллеон перешел по наследству к ее дочери Гизеле, у которой в 1907 году дворец купил кайзер Вильгельм II. Он-то и установил в парке, на самом видном месте, латунную статую Ахиллеса в доспехах. Этот воинственный образ не очень сочетается с меланхоличными скульптурами парка. К тому же кайзер приказал написать на постаменте "Великому греку от великого немца"! К счастью, надпись после Второй мировой войны убрали, оставив только одно слово на греческом языке: "Ахиллес".



Статуя Ахиллеса, установленная кайзером Вильгельмом

Дворец перешел в собственность Греции только после Первой мировой войны и пережил многое: в нем располагался госпиталь, сиротский приют, казино, военный штаб, он был местом дипломатических встреч, пока, наконец, не стал музеем. У входа посетителей встречает мраморная статуя императрицы Елизаветы. Она все-таки присутствует здесь – в райском уголке, который не дал ей успокоения.


Мраморная статуя императрицы перед входом в Ахиллеон

В Коломенском краеведческом музее в мае 2018 года проходила выставка «Цветочная симфония», предоставленная Государственным музеем-заповедником «Зарайский кремль». Экспонировались предметы декоративно-прикладного и изобразительного искусства XIX – XX вв., украшенные цветочным и растительным орнаментом. Большая часть предметов, представленных на выставке, экспонировалось впервые.






Вазы парные XIX в Китай фарфор. подглазурная и надглазурная роспись


Ваза XVIII в Китай металл перегородчатая эмаль


Курильница XVIII в Китай металл перегородчатая эмаль




Ваза кон XIX - нач XX вв Япония, металл, литье, выколодка
Скульптура XIXв Япония, бронза мрамор, литье


Кувшин XIX в Япония фарфор. подглазурная и надглазурная роспись


Тарелки XIX в Китай фарфор. подглазурная и надглазурная роспись


Тарелки XIX в Китай фарфор. подглазурная и надглазурная роспись


Тарелки конец XIX в Япония металл горячая перегородчатая эмаль (круазоне)


Тарелки конец XIX в Япония металл горячая перегородчатая эмаль (круазоне)


Тарелки конец XIX в Япония металл горячая перегородчатая эмаль (круазоне)


Блюдо декоративное XIX в Япония фарфор. подглазурная и надглазурная роспись


Настольное украшение XIX в Китай камень, резьба, точение, шлифование






Веер XIX в Франция, Бумага, перламутр, роспись, резьба

Среди экспонатов выставки «Цветочная симфония» - уникальная книга – флорилегиум. Флорилегиумы – это альбомы, созданные совместно живописцами и учеными, целые атласы цветочных образцов. Мастера прикладного искусства использовали флорилегиумы для создания своих шедевров. Сохранившиеся до наших дней такие альбомы содержат от нескольких десятков до двух сотен рисунков растений …


Извлеченные из гербария любителя. Том первый. Париж. 1836 г.


Чайная пара первая четверть XIX в Саксония Мейсен Фарфор, подглазурная роспись


Письменный прибор середина XIX в Россия Черниговская губ, с. Волокитино, завод А.М. Миклашевского, фаянс, подглазурная роспись


Письменный прибор середина XIX в Россия Черниговская губ, с. Волокитино, завод А.М. Миклашевского, фаянс, подглазурная роспись



Канделябр односвечный середина XIX в бронза, литье, чеканка.

Венеция, Гранд-канал - плывём от Сан-Марко на вапоретто к вокзалу. По сторонам, успевай только головой вертеть, прекрасные дворцы, один лучше другого, но в этот раз внимание привлёк небольшой дом с красивой мозаикой из венецианского стекла и надписью  SALVIATI. Дом выглядел бы совсем обычно, если бы не главный фасад, украшенный великолепной мозаичной картиной, и арки первого этажа, оформленные мозаичными изображениями мужчины и женщины.

Этот дворец был возведён в 1903-1906 годах архитектором Джакомо Дель Оливо. Здание предназначалось для мастерской и магазина мастера стеклянной мозаики Антонио Сальвиати (1816-1890). Мозаика и надпись на фасаде, выходящем на Гранд-канал, были своеобразной рекламой работ Сальвиати. Имя Сальвиати было мне знакомо - вспомнилось, что в России тоже есть мозаики Сальвиати.




Антонио Сальвиати родился в 1816 году в Виченце. Получив юридическое образование в Падуанском и Венском университетах, он вначале был адвокатом. Увидев в Риме старинные мозаики, Сальвмати задумал возродить это искусство, процветавшее когда-то в Венеции, но к тому времени совершенно забытое. В 1859 году Сальвиати организовал новое производство венецианского стекла на острове Мурано, где с незапамятных времен уже выдувалось стекло.
Его поддержали Лоренцо Ради и Генри Пондио - местные самородки, сумевшие за короткий период воскресить сложную технику стеклянного производства, восстановить утраченные навыки и умения, и разработать новый способ изготовления, поставив на поток производство изделий из стекла, чтобы они стали доступны многим, а не только самым богатым и знатным венецианцам.




И примерно в 1860 году на острове Мурано  начинает работать мастерская А. Сальвиати, открывшего непрямой метод мозаичного набора, при котором композиции составляются в зеркальном отображении по предварительному живописному эскизу на картоне и заливаются закрепляющим раствором в мастерской, а затем переносятся на стену.




Предприятие удалось вполне, и фабрика Сальвиати вскоре сделалась известна во всей Европе отличным качеством и доступной ценой  художественной стеклянной посуды, подражавшей изделиям, которыми славилась Венеция в XVI и XVII веках.


edu.hermitage.ru/catalogs

Муранское стекло быстро завоевало сердца европейских ценителей изящных декоративных изделий. Первая коллекция шедевров Сальвиати была представлена на международных выставках, получив практически на каждой первые места. После такого успеха Сальвиати принял решение об открытии дочерних предприятий компании в Нью-Йорке, Лондоне, Париже, Санкт-Петербурге и во Франкфурте.




Важнейшие из мозаичных произведений фабрики Сальвиати можно видеть в венецианском соборе святого Марка, в Виндзорском замке, в здании английского парламента, Соут-Кенсингтонском музее, соборе святого Павла, Вестминстерском аббатстве, несколько мозаичных картин - в парижском Новом оперном театре, мозаичные украшения вилл, памятников и соборов в Берлине.  После Сальвиати мозаика начала свое победное шествие по миру.


The Salviati mosaic reredos, depicting the Last Supper after da Vinci, at St. Bridget with St. Thomas parish church, Wavertree, Liverpool 15

В России выдающиеся мозаики Сальвиати есть в соборе Александра Невского в Ялте и Покровском храме в Нижней Ореанде. Покровский храм был построен в имении великого князя Константина Николаевича в Ореанде в память императора Александра II. Сальвиати получил личное приглашение от Константина Николаевича приехать к нему в Ореанду для украшения Покровской церкви, и весной 1886 года знаменитый итальянец впервые приехал в Россию. Мозаики прибыли из Италии весной 1887 года и были установлены присланными из Венеции мастерами.




Поэтому и считается, что у истоков возрождения мозаичного мастерства в России стоял великий итальянский художник Антонио Сальвиати и брат русского императора Александра II великий князь Константин Николаевич.




А вскоре император Александр III, обеспокоенный серьезным повреждением живописи в дворцовой церкви его южнобережного имения "Ливадия", дал указание также обратиться к Сальвиати. Этот шедевр мозаичного искусства также сохранился до наших дней.
В 1901 году при украшении вновь построенного в Ялте Александро-Невского собора ученики Антонио Сальвиати расположили на наружной стороне храма, в гранитной раме-киоте мозаичное панно с образом святого князя Александра Невского.


Фото
Так мозаики Антонио Сальвиати (crimea-eparhia.ru/index.php/eparchy-2013) стали ещё одной точкой соприкосновения российской и итальянской культурных традиций.

В выставочном зале "Новый Манеж" музей, которого нет, отмечает 100-летний юбилей. Выставка "Музей и театр. 100 лет вместе (1918-2018)" - настоящий подарок для театралов, поклонников Большого театра и всех интересующихся историей театра и искусства. Это первая масштабная выставка коллекций Музея Государственного академического Большого театра, у которого нет своего здания. Многие экспонаты представлены впервые.

Но сначала - несколько слов о здании, в котором расположен Новый Манеж. К началу 1880 годов перед управлением Москвы встала необходимость введения в строй электростанции, которая освещала бы центр города - Красную площадь и Большой Каменный мост. Городская дума совместно с "Обществом электрического освещения 1886 года" заказала строительство здания архитектору Владимиру Шеру, который принял решение разместить электростанцию на территории бывшего женского Георгиевского монастыря XV века, разрушенного при пожаре 1812 года. В XVIII веке у стен главного собора были захоронены Троекуровы, Стрешневы, генерал-фельдмаршал Александр Бутурлин, учитель Петра I - дьяк Никита Зотов и другие.




Владимир Шер спроектировал краснокирпичное здание электростанции в стиле эклектики - фасад имеет трёхчастную симметрично-осевую композицию, которая подчёркнута порталами ворот и угловыми ризалитами. Электростанция открылась в 1888 году, её первоначальное оборудование состояло из четырёх паровых машин и шести котлов, а предельная мощность составила 2000 лошадиных сил. Станция обслуживала 800 абонентов, а также обеспечивала уличное освещение центра города.




В 1896 году во время празднования восшествия на престол Николая II, мощности Георгиевской электростанции не хватило для поддержания праздничной иллюминации. По этой причине городские власти были вынуждены поставлять электричество из частной электростанции Веры Фирсановой - владелицы Сандуновских бань. Инцидент показал необходимость постройки более мощной городской электростанции, которую было решено разместить на Раушской набережной. После введения её в эксплуатацию в 1897 году, Георгиевскую электростанцию закрыли за ненадобностью. В 1908 году здание было впервые использовано в качестве выставочного пространства для размещения II Всероссийского электротехнического съезда, на котором Попов представил проект первого радио.




В 1924 году Моссовет решил закупить 200 новых автомобилей-такси престижной марки Рено и Фиат. Здание на углу Георгиевского переулка и Большой Дмитровки оказалось самым подходящим для первого столичного таксопарка. В это же время здание получило название "Малый Манеж". В последующие годы в нём также размещалась станция технического обслуживания правительственных автомобилей.




Сейчас общая площадь отреставрированных залов составила 1200 м², а Новый Манеж стал одним из крупнейших выставочных залов Европы. Вот в этом здании и проходит выставка "Музей и театр. 100 лет вместе". История музея Большого театра началась в 1918 году с организации коллекции, основанной на архивах Императорского театра. Сегодня в музейных фондах насчитывается более 100000 единиц хранения.




О выставке могу сказать только несколько слов, так как фотографировать категорически нельзя и за этим очень строго следят. Выставка сформирована по хронологическому принципу с показом документальных фильмов, слад-шоу, по всей выставке звучит музыка. Большая часть экспозиции рассказывает о том, как сценические предметы становятся музейными раритетами: макеты декораций, предметы бутафории, театральная обувь, головные уборы, гримировальные принадлежности известных исполнителей.
В исторической части можно увидеть 120 костюмов артистов оперы и балета, самый старинный из которых XVIII века, портрет Федора Шаляпина в заглавной партии в опере "Демон", выполненный Александром Головиным. Этот раритет был недавно отреставрирован. Дебют Шаляпина в этой партии состоялся как раз на сцене Большого.


Александр Головин. Портрет Федора Шаляпина в партии Демона
в одноименной опере А. Рубинштейна, 1906

Среди других реликвий - гримировальный столик Шаляпина, ларец с бутафорскими украшениями Марии Максаковой, веера, принадлежавшие Марии Тальони и Анне Павловой.


Ларец Марии Максаковой.

В Новом манеже представлены очень впечатляющие эскизы костюмов и декораций к опере "Снегурочка" Н. Римского-Корсакова, выполненные Борисом Григорьевым. Постановка не была осуществлена, но эскизов осталось очень много.


Борис Григорьев. Эскиз декорации к опере "Снегурочка" (неосуществленная постановка), 1920

К юбилею Музей подготовил уникальное издание: первую подробную публикацию о его коллекции. Четырнадцать разделов, посвященных четырнадцати фондам и наиболее интересным экспонатам, представляют богатую коллекцию Музея.


Григорий Пожидаев. Эскизы костюмов к балету "Маска красной смерти" (неосуществленная постановка)

Выставка будет работать в Новом Манеже до 10 марта 2019 года и открыта для посещения со вторника по воскресенье с 12.00 до 21.00.
Источники информации: Новый Манеж , Выставка к 100-летию Музея Большого театра , На светлой стороне: как развивалась энергетика Москвы

Па́мятник Низами́ Гянджеви́ — выдающемуся поэту, классику персидской поэзии, уроженцу Гянджи, находится в Санкт-Петербурге, в сквере, расположенном между домами 25 и 27а по Каменноостровскому проспекту.



Абу Мухаммед Ильяс ибн Юсуф
перс. نظامی گنجوی‎, курд. Nîzamî Gencewî, نیزامی گه‌نجه‌وی
классик персидской поэзии, один из крупнейших поэтов средневекового Востока, крупнейший поэт-романтик в персидской эпической литературе, привнесший в персидскую эпическую поэзию разговорную речь и реалистический стиль
около 1141 — около 1209



Бронзовая скульптура исполнена в восточном стиле - поэт сидит на скале в традиционном восточном одеянии с книгой в руке
и сам выглядит как скала, его волосы и одежда сливаются с камнем. Статую обрамляет высокая восточная арка. На постамента написано на азербайджанском «Низами Гянджеви» (азерб. Nizami Gəncəvi).





С тыльной стороны скалы изображено дерево и две фигуры героев произведения Низами "Лейли и Меджнун". В поэме воспета трагическая любовь арабских возлюбленных, принадлежавших к двум враждующим племенам- «бедуинские Ромео и Джульетта»: Лейлу выдали замуж за другого, а Кайс (прозванный «меджнуном»- безумным) ушел от своего племени в пустыню и жил одиноко, слагая песни в честь прекрасной Лейлы. Тело Меджнуна от иступленного страдания превратилось в тень и слилось с корой дерева и сам он стал деревом. А Лейла тяжело заболела от разлуки. Когда в конце концов они встречаются, оба погибают.



Образ поэта-философа воплотил азербайджанский скульптор Георуш Бабаев, выпускник Ленинградского высшего художественно-промышленного училища имени Мухиной. Автор проекта постамента - петербуржец заслуженный художник Российской Федерации Ф.К. Романовский. Высота композиции 5,0 м, высота постамента 1,50 м. Постамент изготовлен на петербургском предприятием "Комбинат-скульптура".



Монумент был отлит в Баку и преподнесен азербайджанским народом в дар Санкт-Петербургу к 300-летию. На гранитном памятном знаке рядом с памятником на русском и азербайджанском языках нанесена поясняющая надпись: «Памятник классику мировой литературы великому азербайджанскому поэту и мыслителю Низами Гянджеви передан в дар городу Санкт-Петербургу от Азербайджанской республики».


.Фотография из интернета.

По распоряжению губернатора Петербурга сквер назван в честь великого поэта и мыслителя Востока Низами Гянджеви. 9 июня 2002 года Президент России Владимир Путин и Президент Азербайджана Гейдар Алиев торжественно открыли памятник Низами Гянджеви.


Фотография из интернета

На церемонии открытия всем собравшимся напомнили, что даже в тяжелые дни блокады в октябре 1941 года Ленинград отмечал 800-летие поэта. Тогда в Институте востоковедения Академии наук СССР академиком Игнатием Крачковским было организовано заседание, посвященное творчеству Низами, а в Государственном Эрмитаже прошла научная конференция. Многие докладчики по настоянию директора музея Иосифа Орбели были откомандированы на эту конференцию с фронта.



Данный сквер открыт к 870-летию со дня рождения поэта. В сквере установлены художественные гранитные скамьи с фрагментами поэм Низами на русском и азербайджанском языках.
Проект благоустройства сквера и реставрации памятника был осуществлен под патронатом представительства Фонда Гейдара Алиева в России при поддержке администрации Санкт-Петербурга.



В сквере установлены художественные гранитные скамьи с фрагментами поэм Низами на русском и азербайджанском языках.


Фотография из интернета


Фотография из интернета


Фотография из интернета

Так это место выглядело раньше.


Фотография из интернета

https://pantv.livejournal.com/947743.html

https://www.rutraveller.ru/place/79548

http://fotopitera.ru/2016/09/10/памятник-и-сквер-низами-гянджеви/

http://worldwalk.info/ru/catalog/405/

http://www.etovidel.net/sights/city/saint-petersburg/id/poet_nizami_giandjevi

В Коломне, в символический для художников-авангардистов день, 1 декабря в 2011г, открылся неформатный культурный объект – АРТКОММУНАЛКА.



Дата открытия музея выбрана не случайно, так как она была приурочена ко дню посещения Никитой Сергеевичем Хрущевым выставки художников-авангардистов в Манеже 1 декабря 1962 года, когда генсек очень негативно назвал приверженцев модернистского искусства. Потому музей показывает гостям не только Коломну 1960-х годов, но и "фигу в кармане" – знаменитую советскую форму подспудной идеологической борьбы. Через довольно-таки мещанский коммунальный быт сквозит диссидентский дух хрущевской "оттепели".



Музей-резиденция находится в самом центре Старого города и на самом революционном перекрестке Коломны – на углу улицы Октябрьской революции и площади Двух Революций. Из окон музея-резиденции открывается вид на старую торговую площадь и памятник жертвам двух революций, маленького серебристого Ленина и храм Иоанна Богослова, колокольня которого является главной вертикалью Старого города. Этот вид соединяется в причудливый триптих – самый ценный экспонат музея-резиденции.





Музей показывает советскую Коломну 60-х годов, доносит черты коммунального быта и диссидентский дух эпохи хрущевской оттепели,





и в тоже время, «Арткоммуналка» функционирует в формате грантовой резиденции для художников и писателей, создающих здесь и сейчас новое искусство и новую литературу. Арт-резиденция и Литрезиденция работают как открытая лаборатория и мастерская круглый год.





Здесь живут и работают художники и писатели со всего мира.


В жилой комнате-мастерской арт-резидента

Попадают в резиденцию на основе грантов, которые присуждает специальное жюри. Каждый год выдается по пять грантов на изобразительное искусство и по два гранта на литературу. Самовыражение художника не ограничивается ничем: ни материалом, ни способом выражения, ни даже опытом. Любые эксперименты приветствуются. Пока художники живут здесь в творческом поиске, стены коммуналки, начиная с коридора работают интерактивной выставкой из ранее сотворённых произведений.











Апартаменты для творцов начинаются за дверью коммуналки с табличкой «Моисей Куприянов, художник-пейзажист».







Подобных объектов в России больше нет: это первая отечественная грантовая резиденция, то есть художники на конкурсной основе получают не только жилье-мастерскую и выставочный зал, но и, как в хороших аналогах мирового уровня, бюджет на реализацию творческого проекта. При этом , заграничных “артовских поселений” Арткоммуналку отличает уникальное музейное пространство, своего рода - машина времени - Ерофеева кухня. Стоит только пройти через шкаф в стене и из современной технически оборудованной галереи неожиданно попадаешь в 1960е, такие близкие и уже - такие далекие.



В арт-галерее «Арткоммуналки» представлены экспозиции из работ, созданных арт-резидентами – художниками, проживающими в данный момент в музее и эти выставки  длятся ровно столько, сколько времени проведёт художник в резиденции: месяц – так месяц, полгода – так полгода.



Вход в арт-галерею находится в музейной кухне, достаточно открыть дверцу в шкафу.





Вид на вход в кухню через шкаф из выставочного зала.







Кроме того, в “Арткоммуналке” проходят дни открытых дверей, мастер классы, творческие встречи и занятия при непосредственном участии художников-резидентов.



Возле входа в Арткоммуналку - стенд с информацией по действующей в данный момент выставке.



В этом ЖЖ уже появлялись посты о работах резидентов “Арткоммуналки”: резидент Арткоммуналки 2012 года художник Анфим Ханыков - “Ангелы Венечки Ерофеева”https://vittasim.livejournal.com/251048.html



и литрезидент писатель Дмитрий Данилов, реализовавший в 2018 году в Коломне свой новый литературно-художественный проект «Разговоры на стенах: коломенский вербатим» - https://vittasim.livejournal.com/250500.html.



Арт-резиденты в 2012 году: Миша Ле Жень (Саратов, выставка «А, К, Ц, И, И»), Вита Буйвид (Москва, выставка «Past painted»), группа «Мыло» (Санкт-Петербург, выставка «Положение вещей»), арт-группа «Археоптерикс» (Ижевск-Берлин, выставка «Ловля блох в Коломне»), Мирона Раду (Румыния, выставка «24 года в 24 оттенках одиночества»), арт-группа «Синие носы» и Евгений Иванов (Москва-Новосибирск, выставка «Русские чудовища»).



Резиденция Арткоммуналка является подразделением партнёрского проекта Государственного автономного учреждения культуры Московской области «Центр культурных инициатив», Автономного некоммерческого партнёрства «Коломенский посад» при поддержке Министерства культуры Московской области



https://artkommunalka.com
https://www.scubaclass.ru/diving-news/1968/
http://userdocs.ru/kultura/125143/index.html
http://www.rewizor.ru/literature/сulture-faces/venedikt-erofeev-kak-angely-venichku-priveli-v-kolomnu/

Одним из первых проектов, представленных в Арткоммуналке в 2012 году, была экстремальная акция айс-дайвинга «КОНЬКИ» Михаила Леженя ( псевдоним - Миша Ле Жень).



Михаил Лежень родился в 1958 году в городе Хвалынске Саратовской области. Мишина бабушка была художницей, мама - врачом, отец - инженером. Михаил получил архитектурное образование в Санкт-Петербурге (1979 - 1986).В 1986-1989 гг. преподавал архитектурное проектирование, композицию и рисунок в Саратовском политехническом институте (ныне СГТУ им. Гагарина Ю. А.). В 1987-1990 гг. М. Лежень один из лидеров и участник выставок художественного объединения «Желтая гора». Работы представлены в собраниях СГХМ им. А. Н. Радищева, других музеев России, частных коллекциях Франции, Германии, Италии. В 90-х жил и работал в Голландии, Германии, Италии. Автор инсталляций, перфомансов, художественных акций. В 2009 в Италии вышла книга-монография "Миша ле Жень. А,К,Ц,И,И", наиболее полно отражающая работы автора с 1990 года.



По словам Марион Дамиани, известного в Европе арт-критика и куратора, его искусство это "немного иронический и временами курьезный процесс самовыражения в контексте восхитительной личностной поэтической вселенной". В 2003 году Миша Ле Жень открыл собственную студию художественной эвристики, для которой разработал увлекательный и эффективный метод развития творческих способностей у взрослых людей. С 2011 года работает креативным директором единственной в России грантовой арт-резиденции в Коломне.


Мастер-класс  художника-акциониста Миши Ле Женя «Архитектура поэтических действий».

Коломну - город, твердо стоящий на коньках, - фигурным катанием не удивишь. И все же художнику-акционисту Михаилу Леженю это удалось. 22 марта 2011 г он станцевал на коньках подо льдом реки Коломенки. Презентация экстремальной акции айс-дайвинга «КОНЬКИ» Миши Ле Женя,  была приурочена к открытию в Коломне арт-резиденции для актуальных художников.


Миша Ле Жень перед погружением.

 Миша Ле Жень надел поверх гидрокостюма коньки и нырнул в прорубь Коломенки под звуки патефонного танго. Под водой он перевернулся, и танцевал на льду с обратной стороны, пока не кончился воздух.



Погрузившись под воду, Миша Ле Жень попал в перевернутый мир. Словно герой Льюиса Кэрролла – то ли человек стоит на голове, то ли катается на коньках по ледяному куполу реки. Все зависит от угла зрения. У Миши Ле Женя он равен 180 градусам.



"Балет подо льдом" Михаил сравнивает с пребыванием на обратной стороне Луны. Как по-другому описать преломляющийся сквозь кристаллы льда дневной свет? Вместе с ним нырнул оператор, чтобы заснять сие действо на камеру. Конечным арт-продуктом стал ролик с подлёдным балетом. Своё произведение Ле Жень трактует как современную философию радости.



Через несколько дней состоялся кинопоказ – Михаил продемонстрировал жителям Коломны короткометражный фильм о своем погружении.



Презентация инсталляции будто отбросила зрителей на 100 лет назад. Немое кино под звуки патефона, словно заново пережитое очарование синематографом.



 Для этого танца под водой потребовалось не только научиться нырять с аквалангом, но и обмануть законы гравитации. Решение было найдено. В костюм для подводного плавания закачали воздух . Это как рыбий пузырь, который поддерживает то выше, то ниже. Регулируя воздух в костюме, можно было добиться создания чувства гравитации.



По словам Миши Ле Женя, он сквозь лед видит не изнанку жизни, а ее истинное обличие. Мир становится прозрачным. Уходит ложь и все можно называть своими именами. Красивые  пейзажи, радость жизни, просто наслаждаешься зимой. Тема очень вписывается в историю искусства.



На вопрос журналиста Антонины Штраус: “Как вам пришла в голову идея этой акции?” Миша Ле Жень ответил: “Меня попросили сделать что-то на тему льда, коньков, и тут я вспомнил, что у меня уже года два бродила в голове мысль покататься на обратной стороне льда. Сразу решил, что это будет не конькобежный спорт - очень функциональный по своей природе, где ломишься на скорости из точки «А» в точку «Б». И не хоккей - в одиночку не очень-то поиграешь. Танец удовольствия, радости - вот что это должно было быть. Да и тема коньков такая добрая, детская. Лично мне в этой связи приходят на ум картины Брейгеля и других голландцев: зима, азарт, кайф, беззаботность.”



“Естественно, встал вопрос музыкального сопровождения. Согласитесь, танцевать без музыки, «всухомятку», несколько странно. Выбор был большой, начиная от хора мальчиков и заканчивая аккомпанементом мужика с гармошкой, но я остановился на патефоне, почувствовал - это то, что надо. Игла царапает пластинку, как коньки лед, и звук получается в чем-то схожим, внутренне родственным. А потом оказалось, что в Коломне была большая фабрика по производству патефонов. Такое вот случайное совпадение.”


Перед погружением в Коломенку. Звучит танго «Tonight» в исполнении оркестра Вебера

- Как вам удалось не погружаться на дно, а все время чувствовать лед коньками?
- ...Я обратился в московский дайвинг-центр, описал им задачу. «Это ж пятый уровень сложности, - возразили они. - Дело не одного месяца, а уж подледный дайвинг - штука вообще жутко опасная». Но я им скромно сказал: «Я способный». И за неделю фактически круглосуточной подготовки мы вышли на нужный для акции уровень...



Миша Ле Жень: "На первый взгляд, может показаться, что акции - это полная несерьезность и баловство. Но если кто-то сам попробует создать нечто подобное и при этом не выглядеть глупо, то поймет, насколько это непросто. Янковский в роли барона Мюнхгаузена говорил: «Улыбайтесь, господа, улыбайтесь! Самые большие ошибки человек делает с серьезным выражением лица». Это хороший манифест. Но кто, собственно, должен его воплощать? Кто станет источником этой улыбки? Современные художники! Собственно, они как раз этим и занимаются."

В творческом багаже у саратовского художника более 30 инсталляций. Он вылетал из подо льда на воздушном шаре, становился дождем и даже прыгал через горизонт, то есть через горящий зонт.



Миша Ле Жень: ”Материал, с которым работаю, - это действие, экшн, хотя я вышел из живописи. У меня такая, нормально художническая пуповина. Художник изначально не связан никакими конституциями и кондуитами. Нигде не сказано: с утра после чашечки кофе надо браться за кисть и мазать холст. Некоторые сами себе навязывают такой образ мысли просто потому, что так делали Рафаэль и Ван Гог.”


Акция “Дождевик” 2009г

“Но внутренняя логика живописи подсказывает определенный путь. Есть такой закон: чем меньше выразительных средств использует художник, тем большей выразительности добивается. Рано или поздно живописец приходит к черному квадрату или к белому на белом. Потом переключается на коллаж, по привычке держа в одной руке кисть, как Брандт и Пикассо. А это уже выход из плоскости картины, переход к пространству. Следующий шаг - ассамбляжи, инсталляции, а там недалеко и до акций. Логика этого пути привела меня к акционизму еще в 1990-м.”


Акция “Фонтан”

Акции Ле Женя нужно наблюдать во временной перспективе, но не как театральное представление, а как природное явление, происшествие, событие, сюрприз. Фотографии акций саратовского художника Миши Ле Женя, признанного культурным сообществом России и Европы, вызывают у кого-то интуитивный восторг, а у кого-то – удивление и массу вопросов.


Акция “Воронка” 2009г

Акционизм - один из видов визуального искусства, который принято относить к категории "актуальных". Однако корни акционных смысловых действий уходят в древнейшую, ещё довербальную, коммуникативно-выразительную практику. Символические действия-тексты, исполняемые на "языке тела" и (или) "языке дела", составляют содержание большинства обрядов и ритуалов, театральных и танцевальных форм.
Говоря кратко, Лежень неповторим, поскольку повторение его трюков опасно для жизни и здоровья нетренированных исполнителей.




Акция “Валентинка” 2009г. Наиболее опасная - художник, стоя на льдине, вырезает "болгаркой" сердце и вместе с ним целиком уходит под лед.

Помимо акций, Лежень выступает в качестве художника-иллюстратора. Одна из последних работ - оформление 4-х книг по популярной медицине, выпущенных в Мюнхене. Рисунки выполнены в характерной для него юмористической манере
В 2009 году в Италии вышла книга-монография "Миша Лежень, а, к, ц, и, и", описывающая все его работы с 1993 по 2010 годы.



Арткоммуналка. Каталог 2012г.
http://www.rtlb.ru/ru/pq11/actions/actions.html
https://www.scubaclass.ru/diving-news/1968/
https://archi.ru/events/6716/shou-lekciya-hudozhnika-akcionista-mishi-le-zhenya-arhitektura-poeticheskih-deistvii
http://www.autosaratov.ru/news/inside/13841/
http://kolomna-spravka.ru/interview/25

"На открытии художественной выставки художник-абстракционист рассказывает о своих полотнах и дает пояснения, что на них изображено группе любителей искусства. Показывает на картину и говорит: - Вот это мой автопортрет. Напротив моего автопортрета расположился портрет моей жены.

Все молчат и лишь один из посетителей сочувственно вздыхает и робко спрашивает: - Надеюсь, у вас нет детей, а то боюсь представить, как бы они выглядели?)"
В настоящее время, с 11 апреля по 10 июня в корпусе Бенуа Русского музея проходит выставка "Три Петербургские коллекции". Там представлены экспонаты из трех частных собраний Петербурга: семьи Палеевых, семьи Березовских, семьи Наумовых. Выставка позволит увидеть неизвестные широкой публике полотна крупнейших русских художников 19-20 века и другие произведения русского искусства.
На днях в KGalleryпрошла презентация книги "The Paleev Collection"голландского историка Шенга Схейена. Он является специалистом по русской культуре и истории ХХ века, подготовил несколько выставок русского искусства в Нидерландах и Великобритании. Работа над книгой шла почти 10 лет: она о том, как создавалась коллекция семьи Палеевых. В книге, которая сейчас поступила и в "Дом Книги"на Невском, представлены картины из коллекции семьи Палеевых: и те, что есть на выставке в Русском музее, так и те полотна, которые не представлены в экспозиции.
Как рассказывал на встрече Владимир Ильич Палеев: коллекция его семьи начала создаваться в 1953 году, после смерти Сталина. Его отец был лично знаком с художниками Натаном Альтманом, Владимиром Лебедевым. Их дом посещала дочь художницы Зинаиды Серебряковой. Когда Владимиру Ильичу Палееву был задан вопрос о том, что картина Константина Малевича в стиле супрематизма была похищена из его семейной коллекции, то он с негодованием отверг это и сказал, что картины в таком стиле и в стиле абстракционизма в коллекцию никогда не приобретались.
1.Владимир Лебедев. "Портрет В. Палеева" 1957г

2.Владимир Ильич Палеев
Александр Бенуа. "Последние прогулки короля Людовика 14", 1896г

3.Портрет основателя коллекции И. Палеева
Натан Альтман "Портрет И. Палеева", 1960г.

4.Голландский историк Шенг Схейен. Он является ведущим специалистом по русской культуре и истории ХХ века.

5.В книге Шенга Схейена "The Paleev Collection", впервые публикуются фотографии сохранившегося интерьера семьи Палеевых, а также работы из их коллекции.

6.Константин Коровин. "Женский портрет" ( Н. Комаровская)

7.Павел Кузнецов. "Гадание вечер" 1916г

8.Владимир Ильич Палеев
Натан Альтман "Портрет Сильвии Гринберг", 1923г.

9.Борис Кустодиев, "Свидание" 1922г.

10.Константин Коровин. "Цветы и фрукты" 1919г.

11.Владимир Ильич Палеев
Кузьма Петров-Водкин "Портрет жены" 1907г.

Фото сделаны с представленных на презентации иллюстраций из книги Шенга Схейена "The Paleev Collection".
А вам интересен абстракционизм?)
В коллекции его нет...

.. читаю по ссылке из ЖЖ про художников средних веков.
Заметка, извините, идиотская: "да, это Возрождение" - "нет, это не Возрождение"
потому что у первых перспектива выдержана лучше, а вторые геометрическим
строгим требованиям не отвечают.

(а) Нет, это всё 'возрождение', потому что 'возрождение' = период в истории, а не
конкретная техника одного богомаза.

(б) в ряде случаев аффтар повторяя мантры из каких-то ветхих искусство-
ведческих писаний, объявляет фигуры неестественными, задник 'нарисованным
на гобелене'и т.д.

потому что журналистам, перепевающим гуманитарных гениев искусство-
ведчества неведомо КАК РАССМАТРИВАЛИ КАРТИНЫ В ТО ВРЕМЯ.
А их рассматривали одним глазом.

(в) А теперь главное: как правильно смотреть картины, фотографии и фильмы

Мозг создаёт 3-мерность не только из-за смещения левого-правого каналов,
как нам объясняют гуманитарии.
Мозг создаёт 3-мерность также следя за линиями перспективы на картинке
(улица от нас), за заслонениями предметов, за светом и тенями, за относитель-
ными размерами, за резкостью или размытостью элементов на разных планах.

ОДНАКО если левый и правый глаза видят это без смещения, на плоском листе,
то механизм "3-D из стереосмещения'ПЕРЕСИЛИВАЕТ, забивает все остальные
сигналы.

ЕСЛИ ТЕПЕРЬ УБРАТЬ этот сбивающий сигнал, глядя на картинку ОДНИМ ГЛАЗОМ,
то остальные механизмы мозга дадут сильнейшее ощущение 3-мерности (!!)

ПОЭТОМУ в средние века картины завешивались шторками с дырочкой для одного
глаза - в те времена, так их и разглядывали.

Если посмотреть на примеры из (той) статьи одним глазом, уместность и верность
изображения получат множество примеров заклеймённых как 'не-возрождение'.
https://knife.media/rational-renaissance/

Ибо искусствоведы повторяют один за другим одно и то же, способ наслаждаться
'фотореастичной'перспективой того времени утерян, а выдумать его вторично
искусствоведы не способны.


Я сам смотрю даже целые фильмы одним глазом (или длинные сцены из них),
часто - и это стереокино, мне не нужны красно-синие очки или громоздкие
LCD экраны которые в разные глаза проецируют разные изображения (одно
из недавних техннических предложений в битве за стереоскопию)

=======P.S.========
ТЕПЕРЬ сказанное мной выше стало ПРИЗНАНО НАУКОЙ.
В 2013м какой-то там индус из университета Св Андрея опубликовал 'исследование'
и тиснул его в психологическом журнале - и его подхватили CNN., BBC и ряд
науч-поп изданий.
"Seeing in 3-D With Just One Eye: Stereopsis Without Binocular Vision"
Dhanraj Vishwanath and Paul B. Hibbard, University of St. Andrews

Так то, что человечество знает сотни лет (а я понял и постоянно использую
последние лет 20), получило статус 'науки'

Но каждый раз, когда я вешаю эти объяснения в ЖЖ - и призываю самим
попробовать, закрыть ладошкой один глаз нетрудно - мне не верят, и
сильнейший и дешевейший метод наблюдать стерео-кино и стерео-фото
остаётся большинству неизвестным и недоступным.

Вопрос: а как появилась идея, что обязательно надо подавать два канала
со смещением изображения в пространстве?
Бред об обязательности стереопар для эффекта объёма от картинок
установился в мозгах когда 190 лет назад какой-то европеец предложил
стереоскоп. Никто с тех пор в заблуждении о том, что обязательно
поставить в 2 канала разные изображения, не сомневался.

==========P.P.S===========
Подробная инструкция на первый раз

-- прикройте один глаз ладошкой, не прикасайтесь и не давите на закрытый
-- начните прослеживать линии идущие вдаль (улица, рельсы, линии домов
ии т.д.)
-- через 10-20 секунд у вас всплывёт трёхмерная выпуклая картинка.

-- продолжайте тренироваться - я особенно люблю давние фото. Ты переносишься
в точку, где стоял фотограф и становишься его глазом.

-- через некоторое время навык станет автоматическим - я так смотрю фильмы,
или части, красивые сцены. Глаза можно время от времени менять.

-- мешает возникновению стереоэффекта плохой контраст, плоский свет, и т.д.
Отсутствие подсказок мозгу - хотя как правило на фото информации больше
чем надо.