Quantcast
Channel: История искусств
Viewing all 1649 articles
Browse latest View live

ИСКУССТВО ПЬЯНСТВА

$
0
0
Портреты аристократов и монархов, обнаженная натура, пейзажи и натюрморты – искусствоведы посвятили им объемистые тома ученых трудов. Однако раскрытие темы пьянства в изобразительном искусстве вызывает скорее насмешки. Почему же алкоголь сыграл такую важную роль в истории искусств, выполняя функцию источника вдохновения для художников?

Не успел Адам посадить виноград, как демон Иблис подул своим смертоносным дыханием — и виноград засох. Пригорюнился Адам и сидел, раздумывая, что теперь делать. Подошел к нему Иблис и стал расспрашивать, что его печалит. Адам все рассказал ему.
— Божья тварь, — воскликнул демон, — ты хочешь, чтобы виноград вновь зазеленел? Я о нем позабочусь.
Адам согласился. Иблис подошел к винограднику, свернул голову павлину, выпил его кровь и обрызгал ей все кругом. В тот же миг на винограде зазеленели листочки. Тогда Иблис убил обезьяну и окропил её кровью лозу. Когда на ней показались плоды, он зарезал льва, и гроздья напитались его кровью. Когда они стали поспевать, демон принес в жертву свинью, и кровь её проникла в сладкие ягоды.
Вот почему пьяница, когда первые капли вина начинают течь по жилам, распускает хвост, точно павлин. Когда хмель ударяет в голову, он прыгает и хлопает в ладоши, как обезьяна. Когда опьянение усиливается, он встает и рвется в бой, точно лев. А когда хмель одолевает его вконец, он, хрюкая, плюхается наземь, точно свинья, прежде чем провалиться в глубокий сон.
[Арабская сказка]

Со времен глубокой древности и до наших дней художников влекла тема пьянства. Фрески со сценами пиршеств появляются еще в античности, равно как и сосуды, на которых герои древности и гетеры пригубляют вино. Пракситель, прославленный ваятель из Аттики, трудившийся в IV веке до Рождества Христова, создал знаменитую статую юного бога вина Диониса, сидящего на руках у Гермеса. Римляне тоже находились в рабстве у Бахуса (как они именовали Диониса). Он нередко появляется со своей шумной свитой или без нее на древнеримских скульптурах, стенных росписях, мозаиках.

Античное виноделие. Рельеф, I век н.э., Флоренция

Помощь перебравшему участнику пира. Знаменитый греческий килик, около 500-470 г.г. до н.э.

Апостол подливает вина своему товарищу. Тайная вечеря. Деталь алтаря

Вакх в образе младенца, пьющего вино. Проказник Бахус, 1623 г.

С возрождением языческого мировоззрения в эпоху Ренессанса, питие снова стало для художников важным мотивом их творчества. Прежде чем изваять свою внушающую благоговение Пьету, Микеланджело создал скульптуру похотливого и подвыпившего Бахуса. Тициан на картине "Бахус и Ариадна"из Национальной галереи в Лондоне изобразил бога пьянства, который спрыгивает, чудесным образом сохраняя при этом равновесие, с колесницы, запряженной двумя гепардами. Спустя почти сто лет Рубенс написал своего пресловутого Силена. Лысый, обремененный изрядным пузом наставник и собутыльник Диониса едва не валится с ног от пьянства.
Спустя почти сто лет Рубенс написал своего пресловутого Силена. Лысый, обремененный изрядным пузом наставник и собутыльник Диониса едва не валится с ног от пьянства.
Не уступают богам и смертные: вовсю гремят пирушки в картинах Йорданса «Бобовый король». Герои Франса Хальса – весельчаки и жизнелюбы, словно и пришедшие в этот мир лишь ради того, чтобы испытать все его чувственные наслаждения, с неподдельной радостью то вкушают, то намереваются вкусить вино. Щеки краснеют, глаза радостно блестят. Хальс словно бы уподобляет опьянение вдохновению, радости, которую может принести музыка – недаром одинаково веселы и юноша, пьющий вино, и беззаботно смеющийся юноша с флейтой. Опьянение становится метафорой чистой радости, экстатического наслаждения жизнью, завещанного потомкам богом вина.

Тициан, Бахус и Ариадна, 1520-1522г.

Рубенс, Вакх, 1638г.

Рубенс, Пьяный Силен, 1618г.

Якоб Йорданс, Бобовый король, 1638г.

Франс Хальс, Лютнист с бокалом вина

Ян Стен, Гуляки, 1660г.

Диего Веласкес, Вакх, 1629г.

Век рассудка и просвещения, XVIII век, оставляет в стороне тему пьяного разгула. И после столетней паузы – в XIX она возвращается в живопись преображенной. Сходит радостный румянец с лиц героев, потухает взгляд, возведенный теперь уже ни к небесам, ни к собутыльникам, а направленный прямо на дно стакана. В печальном оцепенении сидят за столом жители парижского дна. В бокалах их не искрится рубиновым или янтарным цветом вино. Абсент – вот истинный напиток XIX века, его дурманящими парами пропитано не одно плотно. Что же, ради мифа абсента – напитка гениев и эскцентриков, дам полусвета и парижских фланеров, потрудилось немало европейских умов – от Шарля Бодлера и Эдгара Дега до Оскара Уайльда и Пабло Пикассо. Последний включил бокалы абсента не только в знаменитые изображения любительниц призрачно-зеленого напитка, но и в портрет близкого друга. Да и пикассовские арлекины не обходят абсент стороной. Не уступая коллеге, усаживается с бокалом за стол и нарядившийся в костюм малайца Эрнст Людвиг Кирхнер, свою картину он красноречиво называет «Пьяница». Бокал на столе становится для художника знаком высокого изгнанничества и одновременно высшей избранности творческой личности, символом уединения. Недаром, к концу XIX-XX века из картин начисто выветриваются собутыльники, герой остается один на один со своим отражением в заполненном туманами стекле.

Эдуард Мане, Абсент, 1901г.

Виктор Олива, Пьющий абсент, 1901г.

Поль Сезанн, Пьяница, 1891г.

Жан-Франсуа Рафаэлли, Пьющие абсент

Жан Даниэль Или, Любитель абсента, 1902г.

Эдгар Дега, Абсент, 1876г.

Винсент Ван Гог, Абсент, 1887г.

Анри Тулуз-Лотрек, Портрет месье Буало, 1889г.

Пабло Пикассо, Любительница абсента, 1922г.

Эрнст Людвиг Кирхнер, Пьяница, 1915г.

Современные художники испытывают склонность к пьянству (точнее, к его отражению в творчестве) и на сегодняшний день. У британских художников-авангардистов Гилберта и Джорджа "Боллс: Вечер накануне похмельного утра – Пьющая скульптура" (1972). Работа состоит из 114 черно-белых фотографий, каждая в отдельной рамке, на которых изображены различные стадии возлияний в одном из баров восточного Лондона (бар Balls Brothers).
Фрагментарный калейдоскопический набор снимков, многие из которых отличаются наличием визуальных эффектов, искажающих реальность, воспроизводит причудливый процесс помутнения сознания и зрения под воздействием алкоголя.
Совсем недавно современный художник (и музыкант) Кристиан Марклей представил видеоинсталляцию на 11 экранах под названием Pub Crawl – поход из пивной в пивную с приемом напитков внутрь. В этой работе художник изобразил собственную прогулку по улицам Восточного Лондона ранним утром.
По ходу дела автор извлекает из попадающейся ему на пути посуды подобие "музыки", постукивая по полупустым стаканам с остатками пива и банкам из-под лагера – свидетелям излишеств минувшего вечера.

Кто в лодке?

$
0
0
Оригинал взят у ronner_knipв Кто в лодке?
Картина «Торговцы пушниной на реке Миссури» кисти американского художника Джорджа Калеба Бингема (1811−1879) может ввести  в заблуждение относительно изображенных персонажей.  Многие полагают в лодке сидит крупная черная кошка .... и ошибаются.





...маленький медвежонок.

Выбор BP Portrait Award-2016: между соцреализмом и фотографией

$
0
0
Оригинал взят у lawgreenв Выбор BP Portrait Award-2016: между соцреализмом и фотографией




Мучительный выбор жюри ежегодного конкурса портрета, организуемого лондонской Национальной портретной галереей, как и следовало ожидать завершился оглашением самых достойных работ: из трёх призовых мест два отдали англичанам, одно китайцу, чьи произведения наиболее поразили воображение жюри своей оригинальностью и мастерством.

Главный приз ежегодного конкурса портретов BP Portrait Award получила художница Кристи Бучанан со своим полотном с символичным и вместе с тем загадочным названием «Девушка в свободном платье». Награда составила около $45 тыс. Судьями конкурса выступили художник Дженни Сэвилл и писатель Холлингхёрст. В работе-победительнице их впечатлило «умелое исполнение портрета, а также его тонкие и загадочные качества».

Бучанан уже участвовала в этом конкурсе в 2013 и 2014 годах, представляя на рассмотрение жюри картины с той же натурщицей. На рассмотрение жюри было подано более 2,5 тыс. работ из 80 стран мира. Многие произведения были представлены в цифровом формате.




Ван Бо. Молчание

Второе место в конкурсе занял китайский художник Ван Бо с картиной «Молчание». Денежный эквивалент второй премии составил $15 тыс.



Б. Салливан. Хьюго

Третье место получил художник Бенджамин Салливан со своей работой «Хьюго» ($12 тыс.)


См. также: В Великобритании назвали лучшие портреты года

Хозяева и гости галереи "Голубая гостиная"

$
0
0


Гостей Голубой гостиной Союза художников радушно встречают хозяева - супружеская чета Лысаков: Николай Лысак и Елана Валериевна Лысак (в действительности Бухтина). Супружеская чета на паях зарегистрировала ПИГ "ГОЛУБАЯ ГОСТИНАЯ" с уставным капиталом 10 тыс. рублей и для своей деятельности получила в субаренду от Союза помешение Голубой гостиной (отсюда и название галереи), расположенной на втором этаже здания Союза на Большой Морской, д.38. Фактически Союз художников в любой момент может расторгнуть договор субаренды с ПИГ "ГОЛУБАЯ ГОСТИНАЯ" Лысаков и в тот же день передать помещения для продолжения деятельности другому арендатору. Ни художники, ни гости галереи этих перемен даже не заметят. В этом особенность данной галереи, основной "капитал" которой - помещения и их расположение, а также естественные связи с художественным сообществом. Фактическим собственником помещений, переданных Союзом художников под деятельность галереи "Голубая гостиная" является город, который предоставил Союзу здание бывшего Императорского Общества поощрения художеств в долгосрочную безвозмездную аренду.





На открытие выставки произведений Владимира Малевского (1925-1981) в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: Е. Лысак (Бухтина), художник К. К. Иванов, художник В. В. Прошкин, председатель секции живописи А. Н. Базанов, 2014 год.



Открытие выставки произведений художника Д. Беляева (1921-2007) и презентация книги. Слева - Н. С. Лысак, справа - Е. В. Бухтина, 2012 год,



На открытии выставки произведений скульптора В. Трояновского в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: В. Трояновский, К. Иванов, Председатель Санкт-Петербургского союза художников А. С. Чаркин, 2013 год




На открытии выставки произведений Юрия Медведева в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: художник О. Яхнин, Е. Лысак (Бухтина), Ю. Медведев, 2013 год.




Презентация книги народного художника России А. П. Левитина и Н. Тригалёвой "Портрет художника на фоне эпохи" в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: художник К. Иванов, искусствовед Р. Бахтияров, председатель секции живописи А. Базанов, Е. Лысак (Бухтина), народный художник СССР А. Левитин, профессор В. Песиков, Н. Тригалёва, председатель секции искусствоведов Ю. Мудров, художник А. Блиок, художник В. Петров-Маслаков, 2014 год.



Открытие выставки произведений художника Н. Н. Галахова в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: художник К. Иванов, художник Н. Галахов. художник В. Петров-Маслаков. Е. Лысак (Бухтина), 2013 год.




На открытии выставки произведений Г. Егошина и В. Рахиной в Голубой гостиной Союза художников, 2014 год.




На открытии выставки произведений художников "Группы 11" в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: искусствовед В. Мочалов, художник Ю. Павлов, 2013 год.




На открытии выставки произведений Т. Лысак-Полищук в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: Председатель Союза художников А. Чаркин, Е. Лысак (Бухтина), Т. Лысак-Полищук, 2013 год.




На выставке "Старая Ладога в живописи" в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: художник Д. Бучкин, Н. Сазонова, Т. Бучкина, художники М. В. Дегтярёва-Оленева и А. В. Дегтярёв, 2014 год.



На открытии выставки произведений художника В. И. Рейхета (1922-2000) в Голубой гостиной Союза художников. Слева направо: художники А. Блиок, П. Рейхет, К. Иванов, искусствовед Ю. Мудров, 2012 год.



Н. Благодатов на открытии выставки произведений М. Дегтярёвой-Оленевой и А. Дегтярёва в Голубой гостиной, 2014 год.




И. Кушнир на открытии выставки З. П. Аршакуни (1932-2012) в Голубой гостиной Союза художников, 2013 год.




Председатель Санкт-Петербургского Союза художников, народный художник России скульптор А. С. Чаркин, 2015 год.



Директор галереи "Голубая гостиная" Е. Лысак (Бухтина), 2014 год.




В Голубой гостиной Сюза художников



Источник: Галерея "Голубая гостиная"
См. также: Имущество галереи «Голубая гостиная» арестуют за долги


СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

$
0
0
Многие искусствоведы сходятся во мнении, что "современное искусство"начинается с конца 1960-х годов и продолжается по сей день. Однако, искусствовед Эми Демпси предполагает, что понятие "современное искусство"следует относить к концу 1860-х, к началу периода импрессионизма, то есть к моменту, когда художники впервые отошли от общепринятых в то время канонов и попробовали изменить своим искусством окружающий мир. Иные же искусствоведы считают, что "современное искусство"родилось в момент создания Казимиром Малевичем "Черного квадрата" - "иконы"авангарда, положившей начало новой эры в искусстве. Все эти мнения спорны и относительны.
Для начала попытаемся лаконично определить, что такое «искусство». Единственное научное определение искусства было предложено Аристотелем. Кратко его можно сформулировать так: искусство – это зеркало жизни. Каким же образом искусство отражает жизнь?
Искусство представляет собой своеобразную модель познания своего отношения к миру. Результатом искусства является художественное произведение, которое - лишь след от искусства, но не само искусство. То есть произведение искусства (картина, статуя, музыкальная пьеса, спектакль и т.д.) - это не искусство, а исполнительское мастерство, профессионализм, изобретательность, - все эти вещи тоже не являются искусством или его признаками, они все относятся к области ремесла, владения техникой создания определенной формы. Очевидно и то, что искусство не тождественно «красоте». Оно не обязано быть сложным в исполнении, не привязано к тем или иным технологиям и не должно с необходимостью радовать наше эстетическое чувство. Его функция в другом — в выражении отношения художника к миру, в котором он живет, и в побуждении зрителя к формированию (или осознанию) собственного отношения к этому миру.
Если функция выполнятся, то, нравится нам это или нет, современное искусство является именно искусством. И мы, почему то забываем о том, что искусство каждой эпохи когда-то считалось современным. Например, импрессионисты в своё время подвергались жестокой критике и гонениям, как и современные художники сегодня. Требует понимания, что искусство не может существовать вне контекста времени, то есть, по сути, оно представляет собой зеркало современного ему мира. Нас смущает, что сегодня художники в своём творчестве используют компьютерные технологии, видео и фотографию, но не смущает то, что мы уже не мыслим своего существования без них. Начало ХХ века с его технологическим рывком поставило перед художниками сложнейшую задачу успевать за временем, отвечать его запросам. Именно поэтому один из основоположников конструктивизма Александр Родченко утверждал, что живопись не способна передать индустриальную поэзию современности, и новую реальность нужно провозглашать новаторскими средствами.

Джексон Поллок

Разумеется, многие заметные работы XX и начала XXI века подчеркнуто антиэстетичны. Разумеется, многие работы оскорбительны. Конечно, многие из них вполне могут быть выполнены пятилетним ребенком. Основной вопрос в дискуссии о современном искусстве другой— почему антиэстетическое и оскорбительное прочно вошло в современное искусство?
Ведь большинство произведений искусства стремилось к двум основным ценностям — эстетизму и самобытности.
Конечно же, в разные эпохи можно встретить произведения, которые нельзя назвать эстетическими в традиционном понимании этого слова. Хорошим примером может послужить скульптура знаменитого Парка монстров в итальянском Бомарцо, созданная в XVI веке (одним из самых трагичных в итальянской истории). Однако даже не укладывающиеся в рамки традиционных эстетических представлений работы выполнялись традиционными изобразительными средствами.
Разрыв с традицией произошел на рубеже XIX-XX веков, когда первые модернисты начали свои интеллектуальные эксперименты, развивавшиеся в двух направлениях: соответствия формы содержанию и редукционизма. Одним из первых стал Эдвард Мунк, который в своем «Крике» (1893) смог обеспечить единства формы и содержания в передаче эмоции. Дальше по этому пути пошли Пикассо, Брак, Дали и другие. Еще более интересная тенденция модернизма — редукционизм. В знаменитых работах XX века наибольшее значение имеет не то, что там есть, а то, чего нет. Искусство XX века — это искусство отсутствия. Модернисты с энтузиазмом принялись удалять из своих работ познание действительности. Например, Дали в своих работах заменяет то, что мы называем реальностью, странными психологическими состояниями. Что еще можно удалить? Традиционная западноевропейская живопись стремится к созданию иллюзии трехмерности. Трехмерность живописи — безусловная иллюзия, поэтому в поисках художественной истины модернисты стремятся к двухмерности. Абсолютно двухмерны работы Барнета Ньюмана и Марка Ротко. Чтобы добиться гармонии формы и содержания в деле ликвидации трехмерности, некоторые художники не только работают в соответствующей технике, но и в качестве объектов живописи выбирают двухмерные предметы.
Непременный элемент традиционной живописи — композиция. Значит, нужно посмотреть, что будет, если избавиться от композиции. Мастером такой живописи является знаменитый Джексон Поллок. Еще одно признак традиционной живописи — цветовые сочетания и контрасты. Мастерами удаления цвета и контраста стали К.Малевич («Белое на белом», 1918) и Эд Рейнхардт («Абстракция», 1960). Работа Малевича — белый квадрат на снежно белом фоне, Рейнхардта — зеленовато-серый крест на сером фоне. Традиционно художественный объект выступал как выдающийся, уникальный или в чем-либо особенный. Модернисты заменяли необычное банальным (писсуар М. Дюшана, банка с супом Campbell Э. Уорхола) или тиражировали уникальное, превращая его в заурядное (уорхоловские портреты Мэрилин Монро). Когда все присущие живописи признаки были удалены, осталось удалить саму живопись. Это было сделано концептуалистами, которые заменили живопись концептом. Примером могут служить работы Джозефа Кошута, который черпал содержание своих работ в мире текстов и размещал его на различном фоне. Таким образом, за несколько десятилетий модернизм прошел путь от художественного творчества к «философскому». Впрочем, из концептуального упражнения М.Дюшана с писсуаром можно извлечь и более глубинный слой: основным мотивом творческих усилий модернизма было не создание произведений искусства, а поиск ответа на вопрос, что такое искусство. Мы удалили признак «А» — остается ли искусство? Удалили признак «Б» — все еще искусство? Работы модернистов — не объекты поклонения, а вехи на творческом пути. Именно это имел в виду М.Дюшан, когда написал: «Я бросил им вызов, швырнув в лицо держатель для бутылок и писсуар, а теперь они восхищаются их эстетическими достоинствами». Писсуар не искусство — это часть интеллектуального упражнения, которое проделал Дюшан с целью выяснить, почему это не искусство. К сожалению, упражнение это было многими понято неправильно. Модернизм проделал большую работу, чтобы ответить на самим же собой поставленные вопросы, однако к окончательным выводам так и не пришел. Конец модернизма оставляет странное впечатление: будто он хочет сказать, но все-таки прямо не говорит, что в мире нет ничего такого, о чем стоило бы говорить. В каком направлении искусство могло двинуться после эпохи модернизма? Вряд ли слишком далеко, и совершенно точно не назад, в классику. Поскольку модернизм уничтожил сначала содержание живописи, а потом, фактически, и ее саму, постмодернизму было не с чем работать — поэтому он вернул в искусство содержание, а также стал использовать некоторые новые формы. Впрочем, содержание постмодернизма всегда антиреалистично и иронично. Реальность, природа — не более чем социальные конструкты, которые не могут составить содержания искусства. Если модернизм даже в самых минималистских своих проявлениях был чувствителен к стилевой гармонии, то постмодернизм охотно позволяет себе сочетание несочетаемого. Эклектичность достигает крайности: одни клеймят капитализм, другие создают бриллиантовые черепа и позолоченные статуи топ-модели Кейт Мосс. Расовые, гендерные, политические, антикапиталистические контексты постмодернизма вполне можно понять, даже если произведения принимают уродливые формы. Хорошим примером такого искусства может служить фотография Джейн Александер «Мальчики мясника», посвященное теме расовой дискриминации в ЮАР. Обнаженные белокожие мужчины буднично сидят на скамейке, но лица из скрыты мод масками монстров, а на груди нарисованы шрамы, какие оставляют операции на сердце. Смысл работы вполне очевиден, но если его не знать, то фотография производит очень странное впечатление. На одной выставке постмодернистского искусства в Дании была выставлена инсталляция Марко Эваристи: десять блендеров с живыми золотыми рыбками. Комментарий к инсталляции предлагал желающим включить блендер. Может ли искусство постмодернизма задеть еще более глубокие струны? Пожалуй, вряд ли. Как и модернизм, увлекшийся редукционизмом, сумел «стереть» саму живопись, так и постмодернизм вряд ли сможет шокировать больше, чем ему это уже удалось. Для него практически не осталось «материала», с которым он сможет работать в будущем. Поэтому не исключено, что в недалекой перспективе нас ожидает крутой вираж в искусстве.

Джозеф Кошут

Энди Уорхол

Марсель Дюшан

Марко Эваристи

Неизвестный художник. «Портрет девочки в Павлопосадском платке».

$
0
0



К моему большому сожалению, записи об этом художнике мне найти не удалось. Возможно, что художник был из простой семьи или крепостным. Девочка на картине мне понравилась сразу, от неё исходит свет, благодаря тёмному фону (я думаю, написано лессировками и марсом). Благодаря витиеватому платку, лицо выделяется и приковывает внимание. А ещё, картина написана с душой, художнику удалось передать доброту, милые черты девочки.

Музей Афрасиаба

$
0
0
Важнейший музей Самарканда - музей Афрасиаба, находится он непосредственно в центре городища Афрасиаб - древнего Самарканда. Здесь собраны артефакты найденные при раскопках города, в том числе известные фрески из дворца Вархумана (650/655 - 690 гг). Музей хоть и небольшой, но очень важный - все, кто интересуется историей Согда и древнего Самарканда не должны его пропускать. Про само городище Афрасиаб я делалспециальный пост.

Согдийский оссуарий и деформированные черепа. Из каких конкретно погребений были взяты эти черепа неизвестно, деформацию черепов практиковали многие племена кочевников, например, сарматы, гунны - все они в разное время контролировали Самарканд.


Музей был построен армянским архитектором Багдасаром Арзуманяном в 1970 году, он же возвел здание музея Эребунив Ереване, поэтому оба музея внешне похожи друг на друга.


Главный экспонат здесь - фрески из Зала Послов в Афрасиабе. Дворец с фресками был обнаружен случайно в 1965 году во время прокладывания дороги через городище. Сейчас на этой дороге и стоит музей Афрасиаба. Дорогу, как полагается, клали, прорубая путь через остатки древних построек, из-за чего многие сооружения были серьезно повреждены. В том числе погибли многие росписи дворцов, что осталось из фресок можно наблюдать сейчас в музее. К сожалению, фрески тяжело разглядывать, они не только сильно пострадали, но еще мешает плохое освещение в музее.

Фрески Зала Послов датируются 7 в. , так как кроме изображений на стенах присутствовали некоторые пояснительные надписи, в частности упоминается реальный правитель Самарканда 7 века - Вархуман из рода Унаш. В 655 г. он направлял посольство в китайскую империю Тан в поисках поддержки против арабской угрозы.

Роспись южной стены, она сохранилась лучше всего. Здесь изображена процессия, возможно прибытие царя и царевны в какой-то загородный храм.  Лучше всего сохранились два персонажа на верблюде и вереница возможно жертвенных птиц. Иногда эту сцену трактуют как прибытие царской невесты.




Нет общего мнения даже по поводу птиц, это или гуси, или страусы. К слову, водоплавающие птицы, те же гуси считались священными в зороастрийском Иране.




Прорисовка процессии. Спереди возможно везут принцессу/царевну/невесту, а замыкает шествие конная фигура самого Вархумана, самая большая из всех.


Реконструкция южной стены зала. Интересно присутствие в процессии персонажей с повязками на лицах, это какие-то зороастрийские служители, они не должны были своим дыханием осквернять священный огонь (или еще что-то священное). Надо признать, что до сих пор нет четкого мнения, какая религия была основной в Согдиане до арабского нашествия. Возможно это был микс из зороастризма, манихейства, христианства и буддизма.


Роспись западной стены - прием послов. Она сохранилась плохо, хотя вроде бы западню стену специально реставрировали корейцы (их послы присутствуют на фресках) Мне не удалось нормально снять западные фрески, в сети я видел изображения много лучше, возможно существует несколько вариантов фресок из Афрасиаба, какие из них подлинные трудно сказать.


Согдийские чиновники встречают послов. По стилю эти изображения чиновников близки византийским фрескам, христианские святые и апостолы тоже выписывались такими вереницами. И по своим одеяниям они похожи на византийских аристократов, длинные кафтаны, расшитые медальонами с сенмурвами и прочими диковинными созданиями, стали популярны от Китая до Европы. На Руси аристократия изображалась в таком виде вплоть до начала 18 века.






Этнические типы Средней Азии в 7 веке были разнообразными. На фресках можно увидеть как иранских европеоидов, так и тюркских монголоидов. Сама династия Вархумана скорее была тюркской, так как Согдиана в 6 веке вошла в состав Тюркского каганата, и местная иранская элита постепенно замещалась тюркской.


На северной стене изображены женщины, похожие на китаянок, плавающие на лодках. Скорее всего, местные тюркские аристократки копировали одеяния и манеру поведения женщин танского Китая.


Прорисовка северной фрески.




Прорисовка северной стены. Этих охотников, похожих на скифов, я снять не смог, очень уж они плохо сохранились.


Реконструкция южной процессии




Реконструкция Зала Послов в Афрасиабе. Именно так выглядели все дворцы Средней Азии (и Ирана, Вавилонии) - глинобитные стены, покрытые росписями, и деревянные столбы, удерживающие деревянную плоскую крышу.


В Афрасиабе сохранились фрески более поздних уже исламских периодов, например, росписи из дворца Караханидов 10 века из Цитадели.
Здесь мы видим утку - священную птицу зороастрийцев.




Бегущие собаки. Собака в зороастризме главное священное животное.


Видимо, это такса.


Резьба по гипсу - главный элемент оформления стен в караханидских и сельджукских мечетях до массового применения изразцов в 14 веке.




Глиняный алтарь из Афрасиаба.


После фресок главные экспонаты музея - керамические погребальные оссуарии. Как правило, они датируются временем не ранее 5 века н.э.


Что интересно, на оссуариях очень часто можно увидеть кресты, ими украшено больше половины этих терракотовых ящиков. Что говорит о серьезном распространении христианства в Средней Азии в 5-7 вв.




Кресты похожие на грузинские или мальтийские.


Прежде чем попасть в оссуарий мертвые тела обрабатывались в дахмах, где плоть разлагалась и поглощалась животными, как правило собаками (именно поэтому собака в зороастризме священна) и птицами.








Надо признать, что в Согде крест - это важнейший символ, изображаемый не только на оссуариях, а буквально на всех предметах, например, на керамической посуде. Безусловно, связь согдийских крестов с христианством не всегда оправданна, скорее речь идет о некотором среднеазиатском синкретизме.






Самарканд в ранее средневековье стал главным центром керамического производства в Средней Азии.


План Самарканда и округи. Само городище Афрасиаб или шахристан древнего Самарканда изображен на плане в центре, это небольшой объект, похожий на сердце и закрашенный красным цветом. Внутри этого сердца видны несколько черных линий, это многочисленные крепостные стены Афрасиаба, о коих я писал ранее.Также на плане видна черная жирная линия внешней стены самаркандского оазиса - дивари киямат, ее длина около 40 км.


Очень приблизительная реконструкция акведука Самарканда, он подводил воду в город с юга в районе Кешских ворот. По свидетельству историков канал акведука был выложен свинцом.


Трубы водопровода или канализации из Афрасиаба.


Керамическая труба водопровода из Афрасиаба.


Во времена существования арабского Халифата специалистов по орошению и строительству искусственных водных артерий набирали именно в Средней Азии, их инженерный уровень считался самым высоким, так как в самом Междуречье это мастерство к средним векам было уже утеряно.





Кирпичи и прочие строительные элементы, использовавшиеся в 10-12 вв в Самарканде.


Глиняный михраб из Афрасиаба, 10 в.


Терракотовая мышеловка из Афрасиаба, 9-12 вв.




Посты об Узбекистане и Самарканде:
Самарканд - столица Согда
Государственный музей истории культуры Узбекистана в Самарканде
Про Узбекистан - секрет стали

Импрессионизм и модернизм на торгах Сотбис

$
0
0
Оригинал взят у galik_123в Импрессионизм и модернизм на торгах Сотбис
Новость из мира искусства


Пьер Огюст Ренуар (1841-1919). Женщина с букетом (Андре), 1917. Холст, масло

Ведущие аукционные дома мира Christie's и Sotheby's резко сократили продажи предметов искусства. Аукционы, прошедшие 21 и 22 июня, показали слабые результаты, продав суммарно предметов на $189 млн., что на 52% меньше, чем в прошлом году, сообщает The Wall Street Journal. Так, аукционному дому Sotheby's удалось найти покупателей только для 89% выставленных предметов.

На торгах Sotheby’s были представлены выдающиеся работы мэтров импрессионизма и современного искусства XX века. Картина Ренуара, показанная на заставке, была продана на аукционе за $1,9 млн. Моделью для женщины с букетом стала Андре Гесслинг - будущая жена сына художника, кинорежиссёра Жана Ренуара. Впоследствии Андре была любимой натурщицей Ренуара, она изображена на многих его картинах.

Картина Писарро из частной коллекции продана за $783, 8 тыс.


Камиль Писарро (1830-1903). Улица в деревне Овер, 1880. Холст, пастель

Ещё один Ренуар! "Сад в Сорренто" был написан художником в 1881 году в Италии во время путешествия по стране. Картина впервые с 1979 года была представлена на торгах и продана за $2 млн.


Пьер Огюст Ренуар. Сад в Сорренто, 1881. Холст, масло

"Натюрморт с яблоками" Поль Гоген написал в 1890 году в бретонской рыбацкой деревушке. В те годы Бретань привлекала парижских художников своими нетронутыми цивилизацией пейзажами и укладом жизни. Этот период был у Гогена временем поиска собственного стиля, однако в ней заметно влияние Поля Сезанна, чьи работы он высоко ценил. Картина стала топ-лотом №3 продаж - почти $5 млн.

Топ 3

Поль Гоген (1848-1903). Натюрморт с яблоками, 1890. Холст, масло

Альфред Сисей переехал к берегам Луэна в 1880 году и и всю оставшуюся жизнь писал пейзажи окрестностей. Написанная характерными короткими мазками картина "Берега Луэна" выставлялась впервые за 39 лет и продана за $1,4 млн.


Альфред Сислей (1839-1899). Берега Луэна,1892. Холст, масло

Одна из самых знаменитых работ аукциона - литография картины "Крик" Эдварда Мунка. Мунк планировал издать брошюру графических работ в сопровождении стихотворений в прозе, но эта идея не была реализована, а литографическая форма уничтожена. Поэтому литографии Крика - редкое событие на аукционе. К этому образу художник возвращался неоднократно и в дальнейшем.- в 1890 он написал две цветные копии, а в 1895 - ещё одну, и последнюю - в 1910. Первую копии он продал норвежскому промышленнику Олафу Скоу - своему другу, художнику и меценату. В начале XX века Скоу приобрёл и литографию, которую наследники выставили на продажу. Продана за $2,6 млн.


Эдвард Мунк (1863-1944). Крик, 1895

Картина «Сидящая женщина» испанского художника Пабло Пикассо ушла с молотка за $63,4 млн. В итоге это творение стало самым дорогим в стиле кубизма из когда-либо выставлявшихся на торги. Пикассо написал «Сидящую женщину» в своем родном поселке Орта-дель-Эбро. На картине изображена модель и любовница художника Фернанда Оливье.
Это один из немногих портретов в стиле кубизма из частной коллекции, большинство работ этой серии хранятся в ведущих музеях мира: лондонской Тейт Модерн, парижском Центре Жоржа Помпиду, Санкт-Петербургском Эрмитаже, Музее современного искусства в Нью-Йорке. Произведения кубистов такого уровня в последние десятилетия на аукционах не появлялись, хотя картины Пикассо, написанные в другие периоды, регулярно продаются с молотка.

Топ 1

Пабло Пикассо (1881-1973). Сидящая женщина, 1909. Холст, масло

Топ-лотом №2 нынешних торгов Sotheby’s стала картина Амедео Модильяни "Жанна Эбютер".  Рекорд "Лежащей обнаженной", в 2015 году проданной за $170 млн., побит не был, но полотно ушло за $56,4 млн. Портрет Жанны Эбютерн - музы Амедео Модильяни, выставили впервые за 30 лет. От большинства портретов кисти Модильяни этот отличается тщательно прописанными глазами. Модильяни написал 20 портретов Жанны Эбютерн и ни разу не изобразил её обнажённой. Они встретились в феврале 1917 года, ей было 17 лет, ему 33 гда. Она училась в художественной школе при академии Коларосси. Роман их закончился трагически: Модильяни умер в больнице для бедных от туберкулёзного менингита, а Жанна будучи на 9-м месяце беременности, выбросилась из окна 6-го этажа. Их старшую дочь усыновила сестра Модильяни. Портрет был написан в 1919 году и считается одной из самых совершеных работ художника. Он хранился в частной коллекции с 1986 года.

Топ 2

Амедео Модильяни (1884 - 1920). Девушка с красной косынкой, 1919. Холст, масло

Франсис Пикабиа (1879-1953) - французский художник-авангардист, график и писатель-публицист получил известность как эксцентричный художник, не подчиняющийся никаким политическим или стилистическим догмам. Он оказал большое влияние на современное искусство, в частности, на дадаизм и сюрреализм. В течение всей своей жизни Пикабиа много раз менял свой творческий стиль, а также личные и эстетические пристрастия. В этом отношении Франсис Пикабия превосходит даже своего более знаменитого современника и приятеля, Пабло Пикассо. Работа Пикабиа продана за $1,1 млн.


Франсис Пикабиа (1879-1953). Шутка, 1914. Бумага, акварель, карандаш

Вторая картина "Влюблённая пара" Франсиса Пикабиа не продана! Она входит в серию "чудовищ", которых художник писал в середине 1920-х после разрыва с сюрреалистами. В этот период Пикабиа создал несколько стилизованных изображений пар, перенося на картину подсознательные образы и продолжая исследовать изобретённый сюрреалистами принцип автоматизма.


Франсис Пикабиа. Влюблённая пара, 1924. Смешанная техника

"Ночной шум" немецкого художника Георга Шолца продан за $660,3 тыс.


Георг Шолц (1890–1945). Ночной шум, 1919

В первой десятке сюрреалистическая картина Рене Магрита "Прекрасная еретичка" (продана за $1 млн.) и абстрактная "Настенная роспись" Фернана Леже (продана за $2,1 млн.).


Рене Магритт. Прекрасная еретичка, 1960-е



Фернан Леже (1881-1955). Настенная роспись,1926-36. Холст, масло

Среди более поздних работ, выставленных на аукционе "Чайки в шторм", Макса Бекмана, написанная в 1942 году в Амстердаме, где художник спасался от преследований нацистского режима, объявившего его представителем дегенеративного искусства. Продана за $1,2 млн.


Макс Бекманн (1884-1950). Чайки в шторм, 1942

Марк Шагал продан за $872 тыс.


Марк Шагал (1887-1985). Две головы в окне, 1955-1956

Скульптура "Ева" для композиции "Врата ада" у входа в парижский музей декоративного искусства покупателя не нашла. К этой работе Роден приступил закончив "Адама". Эти фигуры должны были обрамлять портал с двух сторон.


Огюст Роден (1840 - 1917). Ева, 1881



Набор открыток. Мир детства 18 - 19 веков.

$
0
0



Т.А. Нефф. 1805 - 1876. "Портрет неизвестной молодой дамы в голубом платье с ребёнком на руках". Холст, масло. 45-37 см.


Набор открыток. Из собрания музея В. А. Тропинина и московских художников его времени. Мир детства 18 - 19 веков.

П.М. Шамшин. 1811 - 1895. "Портрет Николая Павловича Кривцова в детстве". 1842. Холст, масло, 73-59 см.                                          

П.М. Шамшин. 1811 - 1895. "Портрет Ольги Павловны Кривцовой в детстве". 1842. Холст, масло, 74-60 см.                





В. А. Тропинин. 1780 - 1857. "Портрет Михаила Андреевича Оболенского ребёнком". Около 1812. Масло. 14 - 12 см.





В. А. Тропинин. 1780 - 1857. "Девочка с собакой". 1820 - 1830. Холст, масло. 73 - 55 см.


В. И. Гау. 1816 - 1895. "Портрет герцога Николая Максимилиановича Лейхтенбергского ребёнком". 1844. Бумага, акварель. 27, 6 - 21, 8 см.



В. И. Гау. 1816 - 1895. Групповой портрет детей в пейзаже. 1840 - 1850. Бумага, акварель, белила, карандаш. 32 - 27 см.



И. П. Богданов. 1855 - 1932. "Крестьянские дети в пейзаже с поездом". 1882. Холст, масло. 33 - 25 см.




П. Ф. Соколов. 1791 - 1848. "Три детские головки". 1820. Бумага, акварель. 11,2 - 14,5 см.




прижизненные портреты петра первого.

$
0
0
Оригинал взят у ele_n_aв прижизненные портреты петра первого.

жан - марк натье. портрет петра первого. 1717 г.



сообразив, что давно я не занималась одной из своих любимых тем - портретами, решила рассмотреть с помощью википедии окружение петра первого.
но - для начала возник вопрос - а как, собственно, выглядел сам петр?

вопрос казалось бы глупый, при том грандиозном обилии его изображений, которое существует.

петра изображали последние 300 лет едва ли не больше всех остальных деятелей российской истории вместе взятых.
существуют его прижизненные восковые слепки, на которых царь - как живой...
посмертная маска...

проблема в том, что мало кто на них смотрит.
да и выражения в них уже не уловить - только пропорции черт.

а в том количестве изображений, которые имеются, истинный облик царя несколько размыт.

с одной стороны - он легко узнаваем.
высокий рост,
темные полудлинные волосы,
круглое лицо,
совиные глаза и усы щеточкой.

на старообрядческих иконах, к примеру, петра любили изображать в образе злодеев - так и невозможно ошибиться - кто именно нарисован.

а с другой стороны - существует огромное количество искажений, скажем так, в угоду текущему моменту или особенностям восприятия и мастерства художников.

петр в послесмертной истории своих портретов каким только не представал - и вдохновенным романтическим героем, и спортсменом с широкими плечами, и застенчивой серостью, и уродом, моральным и физическим, и натуральным чудовищем, и вообще непонятно кем, кого только по глазам да усам опознать можно...

а вот каким он при жизни представал - перед теми, кто его реального видел, а не фантазии свои зарисовывал - это интересно посмотреть.

петр был человеком не тщеславным.
подхалимов не любил, себя в зеркало прекрасно видел, в величии своем не сомневался, в лести не нуждался.
это дает надежду на то, что прижизненные портреты, со скидкой на способности художника к рисованию, должны быть довольно объективны.

первый российский император был личностью сложной.
очень умный, деятельный, поразительно энергичный и волевой, но - при этом нервноприпадочный, большими тонкостями обращения с ближними себя не утруждающий, ведущий крайне нездоровый образ жизни.

надо помнить, что он также от рождения был наделен грандиозной властью и баснословным богатством. и несмотря на некоторые шероховатости его пути к единоличному правлению, благодаря которым нервы царя и расстроились, это был человек, с колыбели привыкший, что его любые приказы выполняются всеми и всегда.

все эти его особенности отражались в манере себя держать, чертах лица и взгляде.
как у любого из нас.

в разные времена художники, изображая царя, акцентировали внимание поочередно на тех или иных его свойствах.
а вот что видели современники?
те, которым он лично смотрел в глаза?

предлагаю насладиться впечатлением...





музыкальным сопровождением взят один из самых старинных российских маршей. который в народе так и назывался последующие после создания триста лет - петровский марш.
официальное его название - марш лейб - гвардии преображенского полка.
полк был создан петром в годы его юности и стал основой всех его преобразований и побед.
музыка написана в те же времена. и в полной мере отражает их дух и славу.

марш имел и слова.
2 варианта, написанных в начале 19 века.
их можно найти в интернете.
очень характерны первые строки:

1 вариант -
...пойдем, братцы, за границу, бить Отечества врагов...

2 вариант -
...славны были наши деды, помнит их и швед и лях...

(это было небольшое лирическое отступление вдоль темы)

Эрте в Эрмитаже

$
0
0
Оригинал взят у verapapkovaв Эрте в Эрмитаже
Не то чтобы эта выставка меня разочаровала... разочарование предполагает некие неоправдавшиеся ожидания, а их у меня и не было изначально.



Но определенное чувство неловкости осталось. Не от самой экспозиции, а от излишне, на мой взгляд, экзальтированного ее информационного сопровождения - великий художник... гений... возвращение на родину... Я не люблю спекулятивной экзальтации, это дурной тон, на мой взгляд, не говоря уж о том, что это просто мешает воспринимать явление как таковое.



Явление же, безусловно, значительное и стоящее внимания. Романа Тыртова, известного под псевдонимом Эрте, я назвала бы скорей не художником, а дизайнером.



Работал он в области моды, сначала для известных модных домов своего времени, первым из которых был дом Пуаре; в области театрального костюма и сценографии; в области декоративно-прикладной и в той, которую мы сейчас называем глянцем.



Представление Эрте, как русского художника в изгнании, тоже достаточно спекулятивно. Уехал он из России в 1912 году, это был отнюдь не вынужденный, а совершенно добровольный отъезд.



Никакой политической подоплеки его отъезд не имел, бегством ни от каких революционных событий не был, по той простой причине, что и до самих событий-то было еще очень далеко.



Тыртову, родившемуся в 1892, на момент отъезда было всего 20 лет. Всю свою огромную - 98 лет - и благополучную жизнь он был очень востребован и очень много работал и в Европе, и в Америке. Отрадный пример счастливой биографии космополита русского происхождения.



Его обложки для Harper’s Bazar, Vogue и других модных журналов; эскизы костюмов и сценографии для бродвейских ревю и театральных постановок; интерьерные скульптуры и ювелирные украшения могут служить учебником ар-деко.



Декоративность, декоративность и еще раз декоративность, такова суть одного из господствовавших в межвоенный период стилей, которая отражена и в его названии. А тип этой декоративности вы будете безошибочно опознавать после знакомства с работами Эрте. Ну, хорошо, добавьте к ним еще Крайслер-билдинг, тогда уж точно не ошибетесь.



Фотографировать не разрешают, так что скудный иллюстративный ряд - контрабандный товар, не обессудьте.


Игральные карты - Российская история карт - Пушкин и его "Пиковая дама"

$
0
0
bb9951_12fe2a3daafb4e25a246f56a5f923e97.jpg

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) - Однажды в Версале -
иллюстрация к повести Александра Сергеевича Пушкина "Пиковая дама"


"В тот же самый вечер бабушка явилась в Версали, au jeu de la Reine (на карточную игру у королевы). Герцог Орлеанский метал; бабушка слегка извинилась, что не привезла своего долга, в оправдание сплела маленькую историю и стала против него понтировать. Она выбрала три карты, поставила их одну за другою: все три выиграли ей соника, и бабушка отыгралась совершенно."

Александр Сергеевич Пушкин - "Пиковая дама"


Примечание. Соника - устаревшее наречие. В азартных карточных играх - выиграть или проиграть с первой ставки, с первого раза.


Смотреть далее

Вячеслав Зайцев в Эрмитаже

$
0
0
Оригинал взят у verapapkovaв Вячеслав Зайцев в Эрмитаже
Персональная ретроспектива в Эрмитаже! Невозможно даже представить большего признания. Для любого художника это уже не просто взлет, не просто пик карьеры, а какая-то заоблачная вершина, на которой уже не тают снега и не хватает кислорода.



Тем более, если речь идет о художнике прикладном, художнике костюма, а дело происходит в нашей стране, где исторически так уж сложилось... или, точнее, не сложилось. Нет у нас никакого почтения к теме костюма, одежды, как, впрочем, и вообще к теме вещного в человеческой жизни.



Наш ХХ век прошел, скорее, под противоположным знаком - интерес и любовь к вещному была объявлена мещанством, обозвана ругательным словом вещизм, и, в лучшем случае, это не поощрялось, а то и прямо порицалось и преследовалось.



Такое положение дел напрямую связано и с вечным дефицитом, вечной скудостью нашего вещного мира. Я принадлежу к первому поколению, которое приобретение пары обуви стало называть не словом достать, а словом купить.



В этом контексте невозможно переоценить заслугу человека, который выстроил свою жизнь практически перпендикулярно этим абсолютно господствовавшим тенденциям и обстоятельствам.



Тот, кто хоть раз, хоть в малом попробовал плыть против течения и не сдался, довел свой замысел до результата, может оценить упорство и мужество, необходимые, чтобы всю жизнь, последовательно и практически в одиночку переламывать общепринятое.



Огромная ретроспектива, десятки коллекций, сотни луков - что может быть лучшим свидетельством победы?.. Я скажу вам, что. Нет в нашей стране человека, даже самого далекого от моды, даже совсем модой не интересующегося, которому бы имя Зайцева совсем ничего не говорило.



И дело здесь вовсе не в его личной знаменитости и популярности - дело именно в том, с чем его всем известное имя ассоциируется.



Он вернул костюму, одежде достойный и заслуживающий уважения статус. Он перевел одежду из категории явлений официально презираемых, а неофициально существующих в маргинальном поле запретных удовольствий, в категорию тех человеческих потребностей, право на удовлетворение которых не подлежит сомнению.



Он сделал это! И одним этим фактом навсегда обеспечил себе место в истории отечественной культуры.



Но... Вы ждали этого, правда же? Конечно. Мы, люди, очень сложно устроены. Люди творческие, те, которые что-то создают - еще более сложно, чем те, которые только потребляют. Жизнь вообще - сложная.



Под сложностью я в данном случае понимаю не трудность! А комплексность, многосоставность, неоднородность. Все эти сложности, наслаиваясь и переплетаясь, всегда обеспечивают многослойность и многогранность любому заслуживающему внимания явлению.



Во всяком большом творческом пути всегда есть своя внутренняя противоречивость, своя если не трагедия, то драма, так уж устроено все в нашем сложном мире.



Если вам приходилось видеть вблизи, а тем более держать в руках вещи уникального, авторского производства, будь то кутюр или этника, вы наверняка поймете, о чем я сейчас скажу. В них есть некая магия. Вот непосредственно в материале, в крое, в строчке, в стежке...



Ее невозможно объяснить словами, но невозможно и не почувствовать. Собственно, именно в этой магии весь смысл, в ней и заключается то, что отличает вещи этого класса от вещей серийно-поточных.

_IMG_7751.jpg

Издалека об этой магии можно только догадываться, она начинает действовать при самом близком контакте. Например, в случае театрального, сценического костюма работает обратная магия.



На расстоянии это кажется волшебным, а вблизи, при непосредственном рассматривании в костюмерной или в безжалостный театральный бинокль, оказывается откровенной имитацией.



Разумеется, работы Зайцева - ни в коем случае не театральный костюм. Но при близком рассмотрении выясняется, что в них многовато театральности, имитационности, бутафории.



При ближайшем, нос к носу рассмотрении их магия ослабевает, а не усиливается.



Их строчка не завораживает. Их зонтичная тафта вблизи оказывается именно зонтичной тафтой, бесчеловечной и беспощадной.



То, что издали обещает открытие и интригу, вблизи не сдерживает этого обещания.



Почему так происходит? Уверена, что, в соответствии со сложностью и многослойностью рассматриваемого явления, на это не может быть единого ответа.



Так что мой ответ - всего лишь мой, сформулировавшийся у меня со всей возможной субъективностью и пристрастностью, которые необходимо обозначить в явной форме.



Стать первым - это огромное достижение, огромное усилие, прорыв, победа и заслуга. Оставаться первым среди себя, быть единственным, существовать вне среды - это драма.



Среда необходима любому художнику как воздух. Не только как источник конкуренции, хотя и творческая конкуренция есть не последний импульс к развитию. Как система координат, необходимая для понимания, где верх, где низ, куда направлена ось времени, где тут все остальные, где я, и куда все это движется.



Как экосистема, в которой всякая пташка, травинка и зверюшка существует не сама по себе, а во взаимозависимости с остальными. Как организм, в конце концов, необходимый, чтобы внутри него могло биться сердце. Что это за сердце, если оно не внутри живого организма - анатомический препарат в банке с формалином?..

_IMG_7792.jpg

Но именно так все сложилось и именно так не сложилось. Мы не выбираем, как известно, ни времени, ни места, ни обстоятельств, в которых нам придется жить свою жизнь и делать свое дело. Наш выбор ограничивается решением, делать ли это свое дело, если обстоятельства достаются для этого неблагоприятные, или махнуть рукой, не донкихотствовать, не сражаться с ветряными мельницами.



Большинство из нас делают нормальный выбор нормальных людей, и это, безусловно, нормально.



Но у некоторых хватает духа, таланта, мужества, упертости и безумия быть Дон Кихотами. В меру сил своих. Не больше - но и не меньше.



От всей души и с большим уважением поздравляю Вячеслава Михайловича с этой вехой и от всей души желаю ему здоровья.



Снимаю шляпу.


Кидекша - крепость Юрия Долгорукого

$
0
0
В 5 км к востоку от Суздаля притаился древний городок Кидекша. Сейчас это село, а когда-то в 12 веке здесь располагалась резиденция князя Юрия Долгорукого. Русские князья любили жить вне городов, справедливо опасаясь бунтов городского населения. Для этого строились укрепленные города-резиденции, самые известные - Вышгород рядом с Киевом, Боголюбово рядом с Владимиром и Кидекша рядом с Суздалем. Эти замки позволяли контролировать ближайшие города, так как возводились на речных торговых путях, например, замок Андрея Боголюбского - Боголюбово, стоял в устье реки Нерли, впадавшей в Клязьму, тем самым запирая столичный город Владимир. Кидекшу основали в устье реки Каменки, впадавшей в Нерль, тем самым запирая боярский Суздаль, который располагался на Каменке.




Само финно-угорское слово Кидекша соответствует славянскому Каменка, по смыслу это одно и тоже - каменистая река. Крепость Юрия Долгорукого была основана примерно в 1150-х годах, в это время в резиденции возвели белокаменный собор Бориса и Глеба - один из первых во Владимиро-Суздальской Руси. Можно предположить, что Кидекша была весьма крупным городом, как и другие подобные княжеские резиденции, т.е. это было не просто княжеское подворье, пусть и укрепленное. Длина оборонительных валов Кидекши составляла примерно 1 км, в это же время такие размеры имела, например, Москва, тоже основанная Юрием Долгоруким.

Лучше всего крепостной характер княжеской резиденции заметен со стороны Нерли, строения Кидекшы стоят на высоком речном берегу, который видимо еще специально укреплялся земляными валами.


К сожалению, древнерусская фортификация Кидекши почти не сохранилась. Уже в 18 веке о характере города было мало что известно, например, летописец Суздаля Анания Федоров, живший в это время, излагал очень путанный рассказ о Кидекше:

>>>>>На месте, где ныне в селе Кидекше церковь, близь тоя церкви был двор Великих Князей Суждальских, загородной, и благоверный Князь Великий Георгий Всеволодович восхоте ту на береге Нерли устроити церковь каменную соборную, и град с крепостию пренести на оное место, но по некоему явлению возбранен бысть, остави то свое начинание, и устрои церковь прекрасну, и пречудну каменную соборную на том месте, где была прежде внутри кремля города, а на том месте, где хоте крепость городовую устроить и соборную церковь на берегу Нерли, устроив из камения, оставшаго от строения соборныя во граде Суждале церкви, церков святых мучеников Бориса и Глеба, и монастырь согради на обитание иноком, и прозва то место Кидекша, то есть покинутое, или негодное; (до зде от повести словесной)

Здесь Анания Федоров перепутал князя Юрия Владимировича Долгорукого с Юрием Всеволодовичем, зато интересно его утверждение, о том, что русские князья хотели перенести город Суздаль в Кидекшу, но по какой-то причине этого не случилось.

Река Нерль.



Об основании града Кидекши есть упоминание в Супрасльской летописи: «А Кыдешьшскую церков постави Борис Михалькович сын брата Андреева и Всеволожя и сыпа город Кидекшу той же Городец на Волзе» Здесь летописец тоже перепутал князей, так как речь могла идти только о Борисе Юрьевиче - сыне Долгорукого, который и был похоронен в церкви Бориса и Глеба в Кидекше. Зато есть упоминание о возведении здесь крепости - " сыпа город Кидекшу", город на Руси это прежде всего укрепление и укрепление земляное, поэтому города именно "сыпали" - насыпали земляные валы.




Ныне весь комплекс Кидекши - это перестроенный храм Бориса и Глеба 12 века, зимняя церковь Св.Стефана 1780 г. и колокольня с оградой 18 века. Колокольня уже стала "пизанской", так как ощутимо накренилась вбок.


О судьбе Кидекши в позднейшее время известно мало, город сильно пострадал после монгольского нашествия и видимо так и не возродился вновь, в этом месте был основан монастырь.
Церковь Кидекши давно утратила свою главу, изначально храм был похож на церковь Покрова на Нерли или Дмитровский собор во Владимире. В 16-17 вв. своды храма рухнули, и при реконструкции большую древнерусскую главу заменили маленькой нынешней главкой.



Но даже в перестроенном виде церковь несет в себе черты романского стиля архитектуры, скорее всего Юрий Долгорукий приглашал для строительства зодчих из западной Руси из Галицко-Волынского княжества, где были сильны связи с Европой.


На рубеже XIX-XX вв. к церкви был пристроен притвор, расписанный в 1913 г. к празднованию 300-летия Дома Романовых.


Храм сейчас хорошо отреставрировали, внутри можно увидеть архитектурные детали и фрески 12 века, также вскрытые полы в алтарной части, где обнаружилось много элементов старого сооружения.


В центре храма был обнаружен омфал или "пуп земли", важная часть византийских церквей, омфал присутствует, например, в Св. Софии в Константинополе, но для Руси омфалий Кидекши 12 в. уникален.






Борисоглебская церковь строилась как усыпальница семьи Юрия Долгорукого, хотя сам князь умер и был погребен в Киеве.
В южном аркосолии храма Бориса и Глеба был похоронен князь Борис Туровский (сын Юрия Долгорукого), умерший в 1159 г. Фреска Деисус поздняя 18-19 вв. Перед княжеской гробницей лежит надгробная плита могилы 17 века, на ней надпись - «лета 7114 (1606) августа 18 дня преставися раб Божий князь и старец Исайя Петров на память святых мученик Флора и Лавра».


В 17 веке суздальский воевода Тимофей Савелов вскрыл княжеский саркофаг и увидел, что на скелете превосходно сохранились остатки драгоценной одежды: «поверх лежит неведомо какая одежда шитая золотом... на ней же вышит золотом орел пластаной одноглавной, а от того орла пошло на двое шито золотом же и серебром узорами...
Надо сказать, что гробница невелика размерами, князь Борис имел рост, видимо, не больше 150-160 см, что для средних веков почти норма.


На противоположной стене аркосолий с гробницей жены князя Бориса - княгини Марии. На фреске 12 века изображены святые жены среди Райского Сада, справа стоит мученица Мария – покровительница княгини. Также где-то тут, у северной стены, должна быть могила дочери князя Бориса Ефросинии, внучки Юрия Долгорукого.




Фрески 12 века на стенах церкви.


Так как церковь Борисоглебская это изображение всадников часто трактуют именно как Бориса и Глеба, хотя кто это неизвестно.


Вскрытый пол центральной апсиды, на стенах видны остатки фресок 12 века


Престол придельного храма, XIII век.


Фрагмент белокаменной колонны и кирпичное мощение полов.


На переднем плане основание древнего белокаменного престола, XII век.


Граффити на столбе - голова Адама с проросшим крестом.




В 1780 г. рядом с Борисоглебской церковью была выстроена небольшая каменная церковь святого первомученика Стефана с высокой двускатной крышей. Оба храма принадлежали Борисоглебскому монастырю, основанному на месте старой княжеской резиденции.




Святые ворота Борисоглебского монастыря.






Спуск к реке Нерль из цитадели Кидекши. С большой долей вероятности этот спуск к речной пристани или мосту существовал уже в 12 веке, здесь должна была стоять воротная башня. Нынешняя дорога сохранила каменное мощение видимо 19 века, что говорит о ее важности, здесь вплоть до второй половины 20 века был спуск к деревянному мосту через Нерль, по которому проходил путь из Суздаля в Городец. Этой дороге более 800 лет.


Общий вид городища Кидекши. Исходя из довольно крупных размеров этого средневекового города, можно предположить, что он мог иметь отдельную цитадель с княжеской резиденцией и укрепленный посад вокруг. В свое время А.Д. Варганов нашел к северо-западу от резиденции остатки оборонительных валов.


Слева, видно место, где стояли ворота, через которые цитадель сообщалась с пристанью.


Этот холм напротив, скорее всего, тоже входил в состав города. К сожалению, системных археологических раскопок в Кидекше не проводилось, исследовали только территорию церкви Бориса и Глеба, а вся местная топография это терра инкогнита. Старую дорогу сдвинули южнее, теперь она идет по современному мосту.


Я сколько не искал, так и не нашел остатки валов с напольной стороны, обнаруженные Варгановым в первой половине 20 века. Что сами валы, что их следы полностью исчезли. И это, надо сказать, странно, так как со стороны поля укрепления города должны быть серьезными, например, валы во Владимиревидели все, за 800 лет они не исчезли, хотя в большом городе, коим является Владимир, возможностей для их уничтожения много больше, чем в маленьком селении Кидекша. Здесь даже сейчас всего несколько десятков домов, решительно непонятно, как малочисленное население деревни или насельники монастыря смогли срыть, распахать без остатка линию валов, предположительно в 1 км длинной, а главное - зачем?





Есть предположения, что посад Кидекши мог доходить на юге до самого устья Каменки, его видно тут вдалеке, т.е. весь низкий берег, что справа, мог быть заселен. Дальше, за устьем Каменки, на более высоком месте располагается село Новоселка Нерльская, археологически доказано, что это поселение является ровесником Кидекши.


Кстати, из Новоселки Нерльской контролировать устье реки Каменки много проще, чем из Кидекши, так как банально ближе, две реки омывают высокое плато этой деревни с двух сторон. Это природная крепость, почти наверняка в средние века там существовала какая-то фортификация.


В Кидекше сохранилось несколько старых изб, самая красивая стоит у дороги на самом видном месте.


Но существенную часть застройки села занимают сейчас отнюдь не старые избы. Судя по домам, здесь живет много зажиточных людей, возможно, это чьи то дачи, так как для местных жителей Кидекши или Суздаля высокооплачиваемой работы здесь никакой нет, а на провинциальную зарплату такие хоромы не построишь.




Все бы ничего, но жилые дома, на мой взгляд, стоят слишком близко к историческому комплексу Кидекши и откровенно портят весь вид.


За деревней располагается кладбище, меня привлекла сюда небольшая часовня, видимая издалека. Надо сказать, что кладбище здесь тоже солидное, это лишний раз подтверждает, что в Кидекше сейчас живут люди весьма обеспеченные.








Мои посты о Владимиро-Суздальской земле:
Сумрачный Суздаль
Ветхий город Владимира
"Новый город" старого Владимира
Владимир - вторая столица Руси
Боголюбово - замок князя Андрея

В Музее русского импрессионизма

$
0
0
Оригинал взят у galik_123в В Музее русского импрессионизма. Эпизод 7


Всё-таки никогда фотография не сможет соперничать с живописью в передаче настроения и впечатления художника от увиденного.

Ещё раз убедилась в этом на выставке в Музее русского импрессионизма. Среди картин много удивительных открытий как неизвестных имён, так и неожиданных полотен хорошо известных художников. Удивил Александр Герасимов, которого в основном все помнят, как портретиста государственных деятелей Советского Союза. Художник представлен на выставке как настоящий мастер импрессионистической живописи.


Александр Герасимов (1881-1963). Летний день, 50-е годы

Рядом не очень известное имя - Валентина Михайловна Диффинэ-Кристи, представитель московской школы живописи, занималась в мастерских Л.В. Туржанского и К.Ф. Юона, затем почти без экзаменов была принята в МГАХИ им. В.И. Сурикова на курс Сергея Герасимова. Наибольшее влияние на ее становление оказал супруг, талантливый художник Евгений Диффинэ, которому прочили большое будущее, но он ушел из жизни в 28 лет. Виктор Иванов, учившийся в одни годы с четой Диффинэ, говорил об их творчестве: "Это был определенный этап в нашем искусстве, импрессионизм, дошедший почти до крайности, так что форма почти сходит на нет, и предмет уходит".


Валентина Диффинэ-Кристи (1918-2010). Церковка в Абрамцево, 1953

И ещё много прекрасных летних, и не только, пейзажей.




На этой стене подборка картин художников одного времени: здесь и ученик Левитана и Серова - Петр Петровичев и ученик Поленова - Сергей Виноградов. А в числе преподавателей художника Туржанского были Серов и Коровин.


Леонид Туржанский (1876-1945). Дача. Вечер, начало 1910-х.
Сергей Виноградов (1869-1938). Дорожка в парк, 1912.
Пётр Петровичев (1874-1947). Парк в усадьбе Л.Н. Толстого в Хамовниках.


В экспозиции представлена ещё одна оригинальная работа Туржанского - зимний пейзаж.


Леонард Туржанский (1875-1945). Москва. Самотека, 1910-е годы

Очень понравились пейзажи Николая Дубовского. Художник не копирует ландшафт и строения, он старается предать свои ощущения в многообразии линий и красок. Особую роль в его картинах играет свет.


Николай Дубовской (1859-1918). На Лаго Маджоре, 1895



Николай Дубовской. Деревня в горах, 1911

И, конечно, признанный русский импрессионист - Константин Коровин.


Константин Коровин (1861-1939). Гурзуф, 1921

Среди всех этих летних пейзажей - два трогательных детских портрета мастера портретной и пейзажной живописи конца позапрошлого столетия Николая Кузнецова. На одном полотне изображена любимая дочь художника - знаменитая оперная певица Мария Кузнецова-Бенуа.




В Музее русского импрессионизма представлено много имен, известных, может быть, только специалистам-искусствоведам. Ещё одно неизвестное мне имя - представитель южнорусской художественной школы, пейзажист Тит Яковлевич Дворников, передвижник.


Тит Дворников, 1862-1922. На море, 1912



Справа - Иван Коваленко, Платановая аллея, 1964

Вячеслав Андреевич Фёдоров - мастер туманов. Об этом художнике стоит рассказать подробнее: мальчик из бедной семьи ткачей унаследовал семейный талант. Дед художника был бродячим иконописцем. Детство Вячеслав Федоров провел в Иваново-Вознесенске, учился в художественном училище, ориентированном на потребности ткацкой промышленности региона. Но среди учителей Фёдорова были ученики знаменитого Серова. Во время Великой Отечественной получил тяжелейшие ранения ног, но сумел добраться до Самарканда, куда была эвакуирована Всесоюзная Академия художеств. Во время учёбы в Самарканде он познакомился с ведущими мастерами различных школ и направлений. Позже перебрался в Ленинград, где продолжил обучение у Бориса Иогансона - ученика Константина Коровина. После обучения вернулся в родной город и стал преподавателем Ивановского Художественного училища. Его картины находятся во многих отечественных музеях и в галереях и собраниях за рубежом.


Вячеслав Фёдоров. Майское утро. (Туман), 1970-е



Вячеслав Фёдоров (1918-1985). Весна, 1972

Один из основателей владимирской школы пейзажной живописи - оригинальный художник Ким Бритов. Его работы хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, национальных и частных коллекциях многих стран. Явление владимирской школы пейзажной живописи сродни явлению французского импрессионизма. В том и другом случае - разрыв с классической живописью. Но есть и существенная разница: молодые французские бунтари вышли со своим протестом пусть небольшой, но уже сложившейся группой, тогда как владимирскую школу зачинали одиночки. Ким Бритов был в числе первых возмутителей.


Ким Бритов (1925-2010). Зима

И ещё два зимних пейзажа. Неожиданная работа Петра Кончаловского - вид на каток Динамо.


Пётр Кончаловский (1876-1956). Стадион Динамо. Каток, 1948

И пронизанный солнцем пейзаж Игоря Грабаря.

Игорь Грабарь (1871-1960). Русский пейзаж


Про котиков Леонардо да Винчи и его поддельную "Мадонну с кошкой"

$
0
0

Royal Collection

Лист целиком на сайте музея крупно

 

Надпись художника на рисунке гласит:
"Эти виды животных, из которых лев - король, из-за того, насколько гибок его хребет".












Его "Мадонна с кошкой"
не сохранилась
или не была написана.

Существуют многочисленные наброски.




(Всего сохранилось, как написано на сайте Британского музея, 6 набросков Мадонны с младенцем и с кошкой: в Британском музее - 3, в Уффици - 1, в Musée Bonnat, Bayonne - 1, в частной коллекции, Нью-Йорк - 1. Почему-то они не упоминают рисунок из Королевской коллекции)

________

Впрочем, в 1930-х прогремела сенсация - цветной рисунок для "Мадонны с кошкой" Леонардо найден!


Carlo Noya Collection, Savona

______
далее арт-детектив (текст с сокращениями отсюда):

В 1939 году случилось событие, ставшее сенсацией в мире искусства. Еще бы! - в тот год была найдена неизвестная дотоле живописная работа Леонардо да Винчи, получившая впоследствии название "Мадонна с кошкой".




Фрагменты листа из Королевской коллекции

Она представляла собой не картину, а лишь прообраз ее - рисунок пером по предварительному наброску металлическим штифтом.

Заметим попутно, что находка не явилась следствием каких-то целенаправленных поисков, а была сделана совершенно случайно, при ремонте особняка Сфорца в Милане.

Ознакомившись с находкой, эксперты единодушно признали ее подлинной работой Леонардо да Винчи. И действительно, сюжетом, манерой исполнения, отдельными живописными деталями она весьма близка подобным работам художника. Да и само место, где была найдена "Мадонна с кошкой", лишь подкрепляет уверенность в причастности великого мастера к созданию указанного сюжета.




Уффици

Более того, в бумагах художника нашлось косвенное подтверждение тому. В одном из дневников Леонардо да Винчи удалось разобрать внешне ничем не примечательную фразу:"...бря 1478 г. начал писать две мадонны". Какие, - документально не установлено до сих пор. Однако, как свидетельствуют специалисты: "имеется много оснований предполагать, что одна из них - известная по нескольким рисункам "Мадонна с кошкой", а другая - "Мадонна с цветком", т. е. эрмитажная "Мадонна Бенуа". Была ли закончена первая, нам тоже неизвестно. "Мадонна Бенуа" если и не вполне закончена, то, во всяком случае, в главном доведена до конца".

Уцелел рисунок пером по наброску серебряным штифтом, удивительно схожий сюжетом с "Мадонной Бенуа". Ныне он хранится в Лувре.

Итак, первые принадлежащие эпохе Возрождения наброски кошачьего портрета сделаны рукой Леонардо до Винчи. Как видим, это не было изображение просто кошки. Можно лишь удивляться смелости Леонардо, задумавшего и даже исполнившего поразительный для того времени рисунок Мадонны, где она представлена не только с традиционным младенцем, но еще и с кошкой, которую тот держит на руках! Держит, впрочем, несколько неловко.


Британский музей

(...) Флоренция, надо думать, более других городов отличалась приязнью к домашней кошке: ведь именно там триста лет спустя при храме св. Лаврентия был учрежден один из первых приютов для бездомных кошек. И все же сюжет "Мадонны с кошкой" по тем временам был не только смелым - сюжет был дерзким. На XV век приходится расцвет "мрачного и живописного, набожного и жестокого, фанатически-прямолинейного и оригинально-разнообразного возраста европейского человечества",- как писал образно о Средневековье один из ученых.


Уффици

Начиная с XV века розыски и преследования католической церковью колдунов, чародеев и ведьм приняли массовый характер. Папа Иннокентий VIII издал в 1484 году особую буллу, которой предписывал беспощадно истреблять ведьм и чародеев и в которой предал анафеме кошек.



Британский музей

Кошка же считалась пособницей "сатанинского племени", порождением нечистой силы. Это признавалось настолько очевидным, что в католической Европе возник обряд сжигания кошек живьем во время религиозных праздников. И страдали не отдельные животные. С кошками расправлялись на Великий Пост в Ольденбурге, Вестфалии, Бельгии, Швейцарии, Богемии, на масленицу - в Вогезах, на пасху - в Эльзасе, в Иванов день - в Меце. Отмечаемый во Франции праздник Святого Жана, день "радостных костров", на протяжении веков был роковым для бедных кошек в Париже. В 1471 году здесь впервые сожгли две дюжины кошек в присутствии короля Людовика XI. Дух этих гонений выразительно передан в молитве монаха из рассказа Ярослава Гашека "Камень жизни". Монах Леонардус в тиши алхимической лаборатории тщетно пытается найти состав жизненного эликсира. "И укажи мне, Господи, - благочестиво шепчет монах, - не грех ли будет опустить ныне в эликсир сей пепел от сожженного еретика, который держал у себя черного кота, ходившего на двух ногах и сожженного нами вместе с его одержимым бесовской силой хозяином в честь и славу Твою в день храмового праздника у ворот штальгаузенских".


Приписывается Леонардо да Винчи. Библиотека Амброзиана

Только дерзающая молодость могла позволить себе столь вызывающее сочетание божественного и сатанинского, каким оборачивалась для современников Леонардо его "Мадонна с кошкой". Вместе с тем молодому художнику приходилось считаться с мнением церкви - ведь он выполнял большие работы для монастырей и даже для Ватиканской библиотеки, а жизнь была трудной. Да и развитие политических событий во Флоренции в 1478 году достигло такого накала, что папа отлучил от церкви весь город и в союзе с королем Неаполитанским объявил войну правителю Лоренцо Медичи. Кошка явно была неуместным персонажем в живописных работах того времени.

Вот такой представлялась до недавнего времени история с удивительной миланской находкой.



Британский музей

Как вдруг случается событие, вновь ставшее сенсацией в мире искусства. Несколько лет назад (в 1990) в Турине в возрасте 91 года умер художник Чезаре Тубино. В оставленном им завещании он покаялся, что в свое время намеренно ввел всех в заблуждение.


Байонн

Тубино признался, что "Мадонну с кошкой" нарисовал он, использовав при этом специальную технологию. Рисунок, в частности, наносился на старые листы а затем дополнительно подвергался искусственному старению путем охлаждения до 30 градусов мороза и последующего подогрева до 40 градусов тепла. Это, как утверждал в завещании Тубино, и придало его творению "абсолютную достоверность".

Вот тут, однако, возникают вопросы. А что, если движимый жаждой обрести хоть бы посмертное подобие, скажем, геростратовой славы, Тубино просто приписал себе авторство загадочно объявившегося творения Леонардо до Винчи?


Частная коллекция, Нью-Йорк

(...) Но, предположим, достигший уже известности Леонардо да Винчи дерзнул все же сделать подобный рисунок. Тогда отчего же это творение кажется выполненным дилетантом? Ведь фигура выражающей недовольство кошки не является здесь органичной частью группы персонажей, не "монтируется" с ними. Она как бы нарочито, неуклюже, искусственно "прилажена" к традиционным фигурам Богоматери и младенца. Вряд ли Леонардо с его глубоким познанием в анатомии, законах механики движения, композиции мог позволить себе такую небрежность.



Далее, если положить рядом оба рисунка (относимых экспертами к одному и тому же времени создания) - "Мадонну с кошкой" и другой, сюжетом близкий к "Мадонне Бенуа", то изображенные на том и на другом младенцы покажутся выходцами из разных эпох. (...) Есть, правда, в рисунке из Милана еще один штрих, лишний раз подчеркивающий эту разницу. Композиция и отдельные детали его (даже такая мелочь, как просвет окна) кажутся перешедшими сюда из "Мадонны Бенуа". Будто ученик старательно копировал мастера, опасаясь излишних уклонений в деталях. Отсюда и повторы.

_______
А вот тут "Ньюсвик" за 1990 год дает другую информацию


Мол, картина (не рисунок) была показана на вытавке в Милане в 1939 году, но потом снова исчезла. Пока ее не нашли висящей в спальне Чезаре Тубино - туринского художника, умершего 3 октября. В завещании он пишет, что написал ее сам и отдал на выставку "как протест против суровой цензуры, которую практиковал фашистский режим того времени. Подделка Тубино была такой убедительной - кракелюры, слои копоти, даже следы прошлых плохих реставраций, что Министерство культуры объявило ее подлинной".

Вот еще итальянские статьи об этом (тыц). Reppublica в том же 1990 году пишет, что та выставка была знаменитой юбилейной, к 300-летию, в Палаццо Сфорца, что художнику было 91 год, а размер ее 43х58
_______

Мое мнение: вообще удивительно, что эту работу считали подлинным - уж очень он "свистит" по стилю. Примитивная.

И, кстати, что его признавали подлинным все эксперты - вранье, он упоминается в очень малом количестве источников.


Уффици

ТАКЖЕ В БЛОГЕ:

До и после (позирование без котиков и с котиками). Художники 20 века

Как неизвестный украл "Мадонну Литта"

Как неизвестный испоганил "Мадонну Бенуа"

Коломенский кремль

$
0
0
В подмосковной Коломне сохранились остатки грандиозного кремля, построенного в 1525-1531 гг. Этот памятник оборонительного зодчества свидетельствует о важности южных рубежей Московского царства, ведь именно с юга на Русь совершали набеги татары. Когда-то Коломна была главной крепостью, оборонявшей Москву с этого направления.



Град Коломна был основан в середине 12 века рязанскими князьями, впервые она упоминается в 1177 (6685) году в Лаврентьевской летописи как пограничный пост Рязанского княжества. В 1238 году у стен Коломны произошла битва русских князей с татаро-монголами, это было сражение предопределившее дальнейшую историю Руси. Битва проходила непосредственно у стен Коломенского кремля, несмотря на разгром русских сил, татарам был нанесен существенный урон, погиб даже один из чингизидов - царевич Кулькан.

На данный момент, остатки домонголького кремля Коломны не найдены, видимо это было очень незначительное деревянное укрепление. Последующее возведение мощной фортификации в 16 веке скрыло следы старой крепости. Плоский рельеф местности Коломны требовал очень серьезных укреплений, поэтому в начала 16 века во времена царствования Василия III здесь возвели одну из мощнейших крепостей на Руси. Строили Коломенский кремль, как и московский, итальянские архитекторы, в связи с этим кремли в Москве и Коломне схожи. По своим размерам Коломенский кремль уступает Московскому лишь незначительно.



Кремль в Коломне похож на многие крепости северной Италии, например, на замок Скалигеров – Кастельвеккьио. Подобные итальянские крепости стали прототипами для всех русских кремлей - Москвы, Коломны, Нижнего Новгорода, Тулы, Ивангорода и т.д. В северной Италии в 15 в. любили сочетать белый камень с кирпичом при строительстве замков и делали зубцы в виде ласточкиных хвостов, сейчас такие зубцы можно увидеть в Московском кремле, в Коломенском их зачем-то заложили кирпичом, придав прямоугольную форму. Зачем непонятно, тем более почти все зубцы в кремле являются новоделами, как и почти все сохранившиеся стены.



Стены Коломенского кремля выделяются приличной высотой - более 20 метров. Такая фортификация для начала 16 века была уже архаичной, так как артиллерия без особого труда проламывала подобные высокие и относительно тонкие стены. Но для России эти крепости были еще актуальны, так как основные противники Московского царства это татары, особенно на южном направлении, а татары, как известно, артиллерию применяли очень редко.

Павел Алеппский в своем «Путешествии антиохийского патриарха Макария в половине XVII века» так описывал Коломенский кремль:

>>>>Что касается описания этого города, то он представляется в таком виде. Он величиной с город Эмессу, но стены его, выстроенные из больших камней и крепкого, чудесного красного кирпича, страшной высоты. Его башни походят на башни Антиохии - или даже лучше и красивее их по постройке — удивительно крепки и непоколебимы. Каждая башня имеет особый вид: одни — круглые, другие — восьмиугольные, иные — четырехугольные, и все высоки, величественны и господствуют над окрестностями; они в четыре яруса, со многими бойницами и амбразурами. Вокруг каждого яруса имеется снаружи проход, в виде балкона, с зубцами и бойницами, направленными вниз, подобно тем, которые находятся внутри и снаружи крепости Аль-Хусн у нас.



Важнейшей башней Коломенского кремля были Пятницкие ворота, названные в честь церкви Параскевы Пятницы, которая когда-то стояла рядом на посаде. Это главные и к настоящему времени единственные сохранившиеся ворота города. С нее мы начнем осмотр крепости.


Ворота двухъярусные с выдвинутой вперед стрельней, они похожи на Спасскую башню Московского Кремля. Когда-то перед башней пролегал крепостной ров, через который видимо можно было перейти по подъемному мосту. Рва давно уже нет и пространство возле башни облеплено небольшими строениями, некоторым из которых уже 200 лет.

Павел Алеппский писал о воротах Коломны следующее: «Крепость имеет четверо больших ворот; внутри каждых ворот четыре двери и между ними железные решети, которые поднимаются и спускаются посредством подъемной машины. У каждых ворот много пушек, а на башне их висит колокол, в который, в случае тревоги, немедленно ударяют для оповещения жителей. Теперь в него звонят всякий раз как случится пожар.»



Проход через башню состоит из подковообразных арок. Когда-то ворота внутри перекрывались подъемными решетками.


Пятницкие ворота вид из кремля.


Про оформление ворот у Павла Алеппского:
"Над каждыми воротами есть большая икона, написанная на стене в (заделанном) окне, над которым большой навес вокруг иконы для защиты от дождя и снега. Перед иконами большие стеклянные фонари, в коих зажигают свечи. Над главными воротами снаружи изображение Господа Христа в рост, а над внутренними воротами образ Владычицы."


Изначально воротная башня имела наверху галереи с зубцами в виде ласточкиных хвостов, но потом их надстроили, и промежутки между зубцами превратились в бойницы. В Писцовой книге 1578-1579 гг. сообщается, что в башне у Пятницких ворот хранилось: 16 медных пищалей и 74 железных, 5500 железных ядер, 17 пудов ядер свинчатых, 31 пуд ядер затинных (пищальных), «зелья» (пороху) 7 бочек. В общем, целый арсенал, лично мне Пятницкие ворота своими многочисленными бойницами напоминают китайскую башню Дунбяньмэньв Пекине.



Прясло стены исчезло, но по следам на башне можно сделать определенные выводы о том, как были устроенны стены кремля. Видна каменная забутовка, основной массив стены состоял именно из нее, плюс, как минимум существовали два прохода на стену - один крупный наверху и еще один ниже - к бойницам среднего уровня. Вероятно, мог быть еще один проход, он находился в самом низу и вел к бойницам подошвенного боя.


Всего в Кремле существовало 17 башен, 16 стояли в линии стен и одна - Тайницкая, была выдвинута к Москве реке, она разрушилась и исчезла самой первой. Кроме Пятницких ворот в 16 веке возвели еще две воротные башни - Ивановскую, она была похожа на Пятницкую, и башню Косых ворот, они выводили к реке. Ивановские и Косые ворота не сохранились, также как и весь северный участок стены. Сейчас в Коломенском кремле присутствуют только 7 башен и два участка с восстановленными стенами. Можно подумать, что это мало, но следует учесть, что многое российские кремли исчезли почти полностью, как например, в Серпухове.

Рядом с Пятницкими воротами находится Погорелая башня, она вся огорожена какими-то заборами и подойти к ней у меня не получилось. Свое название башня получила из-за частых пожаров. На ее стене видна огромная трещина, это отваливается задняя часть башни, пристроенная в 1885 г. архитектором А.М.Павлиновым, он использовал менее качественный кирпич (и более темный, поэтому его привнесения хорошо заметны), и видимо несколько переборщил с реконструкцией.


Верхняя галерея Погорелой башни.


Вид на соборную площадь Коломенского кремля.


Следующая башня - Спасская. Она так названа из-за находившегося напротив неё Спасо-Преображенского монастыря, упраздненного в 19 веке, в 20 в. его строения были уничтожены.
Все эти башни в сущности типовые. Высота каждой из них — 24 метра, длина — 12, ширина — 8, толщина стен башен наверху (1,85 м) меньше, чем внизу (2,9 м). Один из этажей — подземный, боевые окна, которого выходили в ров (сейчас он скрыт грунтом). Завершались башни шестым ярусом — галереей. Её зубцы, как и зубцы стен, напоминают форму ласточкина хвоста (высота зубцов — 2,5 м, ширина — 1,44 м, глубина — 1 м).

Слева от Спасской башни виден некий земляной вал, это не что иное, как остатки прясла стены, только разрушенного и ушедшего под землю. Тут надо сказать, что абсолютно все башни и участки стен кремля сильно углубились в грунт, я бы предположил, что на 2-3 метра, минимум, и это не считая фундамента. Т.е. в древности стены и башни кремля были зрительно выше, чем сейчас.


Белокаменная забутовка стены, как видим, никаких ходов в ней нет. Зато хорошо понятна строительная технология - основной массив стены, это плохо обработанный камень, а снаружи, кирпичная облицовка.


На фото 1900-1910 гг. прясло стены между башнями еще присутствует, хоть и сильно разрушено. В советское время эти стены разобрали, скорее сие произошло в эпические времена тов.Сталина, когда памятники русской архитектуры изводили на щебенку.


Следующая башня здесь Семеновская (или Симеоновская) Справа, вместо прясла стены по валу идет забор, надо сказать, что Коломна невероятно "заборный" город, местная администрация просто двинута на ограждениях.


Семёновская (Симеоновская) башня названа так по церкви Симеона Столпника, находившейся раньше рядом на Житной площади и разрушенной в 1934 году.
У коломенских башен, стоящих с напольной стороны, есть интересная особенность, которая редко где повторяется в русских кремлях. Они все очень вытянуты в сторону фронта, т.е. в плане это прямоугольники, где узкая боковая сторона сильно выдвинута вперед. Например, в Московском кремле таких башен нет.


Эти башни больше предназначены для стрельбы вдоль стен, а не по фронту. И вообще они выглядят очень архаично, здесь нет, например, бойниц навесного боя. Эти башни были бы хороши для итальянских средневековых замков доогнестрельной эпохи.



Около местного автовокзала сохранилась еще одна башня - Ямская. Своё название башня получила от одноимённой слободы, в которой селились коломенские ямщики. В общем, здесь соблюдается невероятная историческая преемственность - столетиями у башни существовал ямской и конюшенные дворы, и теперь здесь по сути тоже самое - автовокзал "Старая Коломна". Плохо только, что с этого автовокзала далеко не уедешь, он местный, автобусы ходят только по близлежащим деревням. Межгородской автовокзал в Коломне находится рядом с железнодорожной станцией Голутвин.



У Ямской башни сохранился внушительный участок стены, вернее его построили таковым к 800-летнему юбилею Коломны в 1977 году.


Вот так выглядел автовокзал в 1969—1970 гг. Как видим, прясло стены отсутствует полностью (его остатки виднеются слева), зато присутствует широкая улица, ведущая непосредственно в Кремль.
Автор снимка Седов Юрий Федорович https://pastvu.com/p/208172


Участок стены здесь раскопали и реставрировали. Вызывает определенное удивление то, на какой глубине залегали белокаменные основания стен, так характерные для итальянской фортификации. Эта канава считается крепостным рвом, но рвы у русских кремлей никогда не приближались так близко к стенам, например, ров в Московском Кремле прорыли на приличном расстоянии от крепостных стен. Если сюда еще пустить воду, она банально начнет их подмывать и всячески способствовать разрушению. Поэтому можно предположить, что ров Коломенского кремля был сухим.

Павел Алеппский описывал рвы Коломны как весьма внушительные инженерные сооружения - "Скаты рва широки, огромны и все выложены камнем." Белый камень тут присутствует, но все равно, выглядит это ров очень подозрительно. Я бы предположил, что эта яма просто соответствует поднявшемуся за столетия грунту.





Арки внутренней стороны крепостной стены.


Мы подходим к предпоследней сохранившейся башне Коломенского кремля, называется она Грановитой. Это приземистая мощная башня с интересной структурой - снаружи она округлая, вернее многогранная, а сзади квадратная. Вплоть до 20 века здесь сохранялись руины прясла стены, но в советское время эту стену, как полагается, разобрали, оставив небольшой обрубок.


Так выглядела стена рядом с Грановитой башней в начале 20 века. Фото из журнала vittasimКак видим, руины были внушительные, поэтому большевики решили, что незачем пропадать такому количеству стройматериалов.


Зато появился вот такой красивый вид на Успенский Брусенский монастырь.


Артиллерийские бойницы Грановитой башни.


И, внизу на фото, самое мощное прясло стен Коломенского кремля, между Грановитой и Коломенской башнями. Выглядит оно циклопически, но определенные вопросы вызывает. Безусловно, весь наблюдаемый облик является новоделом чистой воды, но и новоделы тоже могут быть разными. Несколько озадачивает такой наклон стен, как правило, покатые скаты бастионов появились несколько позже, в России так вообще в 18 веке. В Московском кремле кое-где основания стен, действительно, существенно шире верхней боевой площадки, например, такая покатость наблюдается в районе Александровского сада, но это, скорее, исключение. Кажется, что мало артиллерийских портов в стенах, с другой стороны, в Московском Кремле их сейчас вообще нет. И конечно остается проблема рва, как видим, здесь даже через него мост переброшен. Просто очень сложно представить себе настоящий кремль, когда еще в начале 20 века эти стены пребывали в руинах.



Так Коломенская (или Маринкина) башня и прилегающие к ней стены выглядели в первой половине 20 века. На этом фото вызывает интерес сохранившийся участок стены около башни, уж очень он ровный, ведь, не забываем, новоделы и реконструкции создавали и в 19 веке...




Артиллерийские порты тут с раструбом, увеличивающим сектор обстрела.


И самое интересное место в этом промежутке стен - Михайловские ворота. Эти ворота весьма загадочны, они были созданы в 16 веке, и в 16 веке их же заложили, затем обрели не ранее 20 вв., вот такая история. На сайте Коломенского кремля есть еще вот такое любопытное предложение: "В прясле стены между Коломенской (Маринкиной) и Грановитой башнями располагаются бывшие подъёмные Михайловские ворота, которые перекидывались через ров с водой."

Я как не старался, но ничего внятного об этих воротах не нашел, но объективно они сейчас существуют, и, действительно, к ним идет мост, переброшенный через ров, естественно, не подъемный. Несколько настораживает утверждение, что во рву была вода, если была, то на какой глубине? У меня нет ощущения, что эти стены внизу подвергались длительному воздействию сырости. Может быть ров был очень глубоким, и вода плескалась существенно ниже видимого сейчас уровня?



Белокаменное основание стен.




Последней нам осталась самая известная башня в Коломне - Коломенская, также называемая Маринкиной, в честь Марины Мнишек, которая якобы в ней была заточена. Безусловно, эта история абсолютно легендарна, хотя поляки и Марина Мнишек, действительно, проживали в городе одно время. Коломенская башня прикрывала дорогу между Москвой и Рязанью и служила сторожевой вышкой, поэтому это самая высокая башня в кремле.

Контрфорсы стен тут, понятно, что новые, также как и вся кирпичная облицовка. Интересно, что бойница подошвенного боя в Маринкиной башне расположена так, что может стрелять вдоль стены, непосредственно под мостом, ведущем в Михайловские ворота, в общем, проблема рва Коломенского кремля весьма актуальна. Стоит отметить, что для подъема воды в ров, должна была существовать специальная система инженерных сооружений, ведь рельеф местности здесь, отходя от реки, сильно повышается.




Белокаменные навесные бойницы в Коломенской башне.


Рядом с Маринкиной башней недавно поставили памятник Дмитрию Донскому, как известно, Коломна была местом сбора русских князей, шедших на поле Куликово в 1380 году.
"На Москве кони ржут, звенит слава по всей земли Руской, трубы трубят на Коломне, бубны бьют в Серпухове, стоят стязи у Дону великого на брезе."Задонщина (14-15 вв.)


Монумент создал скульптор Александр Рукавишников, надо сказать, мне редко какие современные памятники нравятся, но этот явно удачный.




Мои посты о русских городах:
Кидекша - крепость Юрия Долгорукого
Сумрачный Суздаль
Ветхий город Владимира
"Новый город" старого Владимира
Владимир - вторая столица Руси
Боголюбово - замок князя Андрея

Музей костюма в Павловском дворце

$
0
0
Оригинал взят у verapapkovaв Музей костюма в Павловском дворце
Я никогда не слышала о существовании такого музея. Просто проезжая через Павловск, увидела из окна машины его вывеску и не могла не зайти.



Музей находится в прекрасном Павловском дворце, который сам по себе, безусловно, стоит посещения.



Дворец же, в свою очередь, находится в совсем уж прекрасном парке.



Здесь так прекрасно, что просто не хочется уходить! Жаль, что у меня в этот раз совсем не было времени задерживаться, потому что вообще-то это была незапланированная остановка на пути из Питера в Москву.



Вот отдельный вход в Музей костюма в правом крыле дворца. Он весь умещается в нескольких небольших зальчиках, и сразу становится понятно, откуда вдруг и что это за такой внезапный музей костюма - на самом деле это просто отдельно вынесенная часть экспозиции Павловского музея, относящаяся к костюму.



Здесь представлены подлинные вещи членов императорской семьи с XVIII по начало XX вв - несколько платьев Екатерины II... что-то из мужского гардероба, кажется, самого Павла I, владельца дворца... В специальных комодах, ящики которых можно выдвигать самостоятельно, довольно много отдельных текстильных артефактов и аксессуаров - образцы кружева, сумочки и т.п.
Основная часть платьев и костюмных комплексов принадлежала императрицам Марии Федоровне и Александре Федоровне.



Возможно, если смотреть на эту небольшую по размерам экспозицию посторонним взглядом, ее можно обойти за полчаса. Мне пришлось уложиться в час, потому что впереди была длинная дорога в Москву. Но, если бы я никуда не спешила, уверена, что провела бы там полдня. Во всяком случае, дольше, чем на огромной ретроспективе Зайцева, состоящей из более чем ста луков.



Потому что в любой из этих подлинных вещей такая бездна красоты и мудрости - не блестящей, не декоративной, а технологической и ремесленной! Зонтичная тафта, машинная строчка и несколько нашитых пайеток и вблизи оказываются ровно тем самым, чем являются, не раскрывают никаких особых тайн и секретов. По той простой причине, что никаких тайн в них и не было изначально. Но эти вещи - совсем другое дело. В них столько мастерства, столько подлинной жизни и глубины, столько практически утраченной сейчас техники, что они просто не отпускают от себя. Начинаешь рассматривать - и не можешь оторваться, настолько сильна их технологическая магия.



К сожалению, фотографировать там не разрешают, так что несколько моих контрабандных снимков не позволяют составить представление об экспозиции. Но если, вы, как и я, до сих пор не знали о существовании такого музея, то знайте - он существует и, безусловно, заслуживает посещения.


Коллекция резной кости в Этнографическом музее

$
0
0
Оригинал взят у verapapkovaв Коллекция резной кости в Этнографическом музее
Она большая, размещается в отдельном зале.



В основном эти вещи сделаны из моржового клыка, бивня и кости мамонта.



Самый большой экспонат поражает своей красотой - это облицованные костью двери юрты.



Вот на этой картинке хорошо видно, как именно в мобильную разборную конструкцию юрты монтируются такие капитальные стационарные двери.



Главным образом, представлены две традиции резьбы по кости - работы мастеров-эвенков, эскимосов, чукчей и других малых северных народов, и мастеров русского севера, Архангельска.



Многие изделия чукотско-эскимосского косторезного промысла датируются XX в и отрабатывают актуальную советскую тематику.



Вот изображение пионерского лагеря на Чукотке 1957 года, например.



А вот эти очаровательные шахматные фигурки в виде животных - 1920-х гг.



В совсем недавних вещах начинают ощущаться некоторые стилистические разброд и шатание.



Но мастерство обработки, владение материалом по-прежнему поразительны.



Что касается более ранних работ, первой трети ХХ века и ранее, это, конечно, высочайшие образцы наивного искусства.



Цельность мировосприятия, лаконичность, пластическая точность и чистота высказывания просто невероятны.



Еще одно качество, общее для всех этих вещей - очень точной найденный баланс между обобщенностью и детализацией.



Работы мастеров русского севера демонстрируют совсем другую, европеизирующую стилистику.



В них широко разрабатывается и религиозная тематика.





Но и в обиходных, чисто декоративных объектах они демонстрируют совершенную виртуозность.



Не каждое кружево может быть таким тонким!





Постоянно ловишь себя на мысли - как же это сделано?



В этом зале темно, подсветка витрин сильно бликует, поэтому получилось сфотографировать не все, что хотелось.



Ну, может быть, это будет стимулом сходить и увидеть все своими глазами - оно того стоит!


Шедевр Ренессанса - Азербайджанский ковер

$
0
0
Оригинал взят у s_tumanskayaв Шедевр Ренессанса - Азербайджанский ковер
Сколько волнующих моментов - затаенный восторг, удивление, неизвестность и такое неизменное желание разгадать тайну знаков, вплетенных в разноцветное полотно. Вглядываясь в диковинные узоры и любуясь красками, мы редко задумываемся о том, что ковер это еще и билет в музей истории искусств...

XIV век. Средневековая Европа изнемогала от тоски. Богатство уже не приносило былого удовлетворения. Огромные, но холодные замки знати душили владельцев сыростью и нагоняли апатию.



Нужно было что-то новое, яркое как вспышка. Тем временем экспрессивные итальянцы экспериментировали с художественными формами и воплощали свои фантазии в предметах обихода. Роскошная мебель, изысканные столовые приборы, утонченные подсвечники, золотые и серебряные безделушки- все это вывозилось в Европу и околдовывало умы разных слоев населения.
Но самым главным предметом экспорта стало изобразительное искусство. Его распространению послужило повальное увлечение религиозными рисунками. Как дворянство, так и представители низших слоев общества считали своим долгом иметь собственный «иконостас». Заказы поступали отовсюду, производство портретов Девы Марии, Иисуса Христа и святых покровителей было поставлено на поток. Пусть и небольшими, но рисунками могли владеть все. Искусство пришло в каждый дом, найти человека которому оно было бы чуждо, стало почти невозможным. Зарождалась новая страница истории, эпоха, навсегда изменившая сознание, культуру и жизнь общества - Ренессанс.



Несколькими столетиями ранее.Итальянские купцы ведут активную торговлю между западной Европой и Востоком. Особое внимание венецианских торговцев привлекают азербайджанские ковры. Скупая их у путешественников, дипломатов и купцов с Востока, итальянцы перепродают ковры европейским монаршим персонам. Изделия с охотничьими сюжетами, геометрическими узорами и великолепными цветочными рисунками стоят баснословных денег. Ковер превращается в символ власти, он становится доступен лишь королям и высшей духовной знати. Вместе с символизмом растет и его сакральная значимость. Привезенный из неведомых, почти сказочных стран, ковер появляется только там, где есть место необъяснимому, Божественному началу. С огромным трепетом к нему относятся не только простые смертные, но и сильные мира сего.
С началом крестовых походов начинается массовый ввоз ковров в Европу. Иран, Турция, Азербайджан, Средняя Азия - более десятка стран, из которых завозились ковры, становятся для европейцев тождественными. В этом потоке азербайджанские ковры утрачивают свое исконное название, теперь их все чаще именуют «восточными», «персидскими» или «турецкими».



XV век.В Европе поглощенной страстным интересом к искусству изучают живопись, античную литературу и художественные традиции других стран. Ковры становятся бесценным источником информации о культуре Востока и еще одним средством выразить себя. Украшая обширные залы своих замков коврами, дворянство удовлетворяет сразу несколько потребностей. Во-первых, на фоне великолепного ковра можно было почувствовать себя царственной персоной, во-вторых, наличие ковров свидетельствовало о достатке и просвещенности хозяев, ну и в-третьих, ковер сохранял тепло и создавал уют, превращая унылые пространства в милый сердцу дом. Стремление представить себя в величественном образе рождает моду на настенную живопись. Заказы на собственные портреты исходят от королей, придворной знати, священников и даже торговцев. Большинство из них желает быть нарисованными на фоне ковра, остающегося символом власти и причастности к сокровенному. Все, у кого есть деньги, становятся героями славных сцен. Европу захлестывает невиданная доселе волна тщеславия.



Время художников.Искусство Ренессанса удивляло и восхваляло. Оно превозносило как героев, так и их творцов. Из простых ремесленников художники превращались в персон удостоенных дружбы высшей аристократии. Кроме богатства и славы Ренессанс принес художникам свободу, возможность воплощать в работах оригинальные идеи. Религиозная тематика, как и прежде, была основной, но теперь она отражала знаки и философию нового времени.
Коллекции знати бесконечно пополнялись зарубежными образцами художественной мысли, тут же подхватываемой местными мастерами. Школы живописи дополняли и обогащали друг друга, тенденции плавно перетекали в поиск новых художественных форм. Так в итальянскую школу живописи прочно вошел символизм, характерный для работ тогдашних нидерландских мастеров. Один из главных символов эпохи возвеличивания человека занял почетное место на полотнах европейских художников ХV-ХVI вв. Это был азербайджанский ковер.



Ван Эйк.«Мадонна каноника ван дер Пале», 1436. Музей Гронинге, Брюгге.
Трон в зале сложной архитектурной конструкции. На нем сидит Мадонна с младенцем. По правую руку от них св. Донат в синем облачении, окаймленным золотом. По левую - св. Георгий, изящный юноша в тяжелых доспехах. Между Мадонной и св. Георгием коленопреклоненный каноник Иорис ван дер Пале. Лицо каноника, написанное художником с физиономической точностью, без прикрас, не оставляет сомнений- именно он является не только заказчиком картины, но и ее главным героем. И снова идея сопричастности к великому, и снова главный инструмент- ковер. У подножья трона Марии прекрасный образец ковровой композиции «Зейвя» Губинской школы, который умело использовал для передачи натуралистичности обстановки великий нидерландский художник Ян ван Эйк.



Ганс Мемлинг.Его часто сравнивают с ван Эйком, жившим на сорок лет раньше. Действительно, два гения своей страны и эпохи обращались к возвышенному используя одни и те же приемы. На портретах обоих мастеров одна и та же тема и манера письма. И все же они разные. Мемлинг создает трогательные, незапятнанные пороками лица. Символы в его картинах призваны подчеркнуть красоту и гармонию образов. Под ногами Мадонны, как и у ван Эйка, привычно лежит азербайджанский ковер, но даже здесь художник руководствуется свойственной только ему передачей восприятия. Мемлинг находит подходящий рисунок и тон в коврах ширванской и карабахской школы. Они запечатлены в работах «Дева Мария с младенцем и ангелом» из коллекции Национальной галереи в Лондоне и «Портрете молодого человека», хранящемся в Королевском музее изящных искусств в Брюсселе. Азербайджанские ковры встречаются и на многих других полотнах художника.



Антонелло да Мессина.«Святой Себастьян», 1475. Картинная галерея, Дрезден.
Юноша, чье прекрасное тело пронзают стрелы и режут веревки, удивительно спокоен.
Привычный образ изможденного мученика, каким выступал на картинах итальянских художников XV века святой Себастьян, сменил полный жизни герой Антонелло. Неаполитанский мастер изобразил его на фоне тихого и уютного городка, залитого солнечным светом. В этом беспечном, охваченном полудремой мире, горожане заняты привычными делами. Ковры, которые вывесили проветрить на балюстраде мечтательные девицы, как нельзя лучше подчеркивают атмосферу беззаботности. Художник не случайно воссоздал узоры азербайджанских ковров в своей картине. Они – яркая деталь почти идеального города, где есть место всему, кроме милосердия к умирающему святому...



Карло Кривелли."Благовещение", 1486. Национальная галерея, Лондон.
Насыщенные цвета, построение перспективы, огромное количество деталей, которые можно рассматривать до бесконечности, и конечно же глубокий символизм вот уже несколько столетий вызывают неподдельный восторг у зрителя. В картине Кривелли отображены сразу два события- явление Марии благой вести и получение Асколи-Пичена административной автономии от папского престола, о чем повествуют надпись «Libertas Ecclesiastica» (Свобода церкви) и святой Эмидий показывающий модель покровительственного города архангелу Гавриилу. На мосту, где горожане читают радостное послание от римского папы и над комнатой сошествия Святого Духа, ярким пятном выделяются ковры Гянджа-Газахской школы. Воссозданные художником с удивительной точностью, ковры подчеркивают сакральный смысл картины. Две сюжетные линии, два ковра, изображенных именно там, где разворачиваются основные события.



Ганс Гольбейн.«Послы», 1533. Национальная галерея, Лондон.
Картина великого немецкого художника «Послы» безумно популярна, а все из-за искаженного предмета, размещенного на переднем плане полотна. Если посмотреть на него сбоку, то окажется, что это череп, изображенный в особой форме перспективы- анаморфозе, впервые описанной Леонардо да Винчи. Кроме того, череп не один, второй можно увидеть, если смотреть на первый через лупу. Казалось бы, зачем размещать этот странный предмет у ног Жана де Дентевиля, французского посла при дворе Генриха VIII, и его друга Жоржа де Сельва, епископа Лавуа? В этой картине-головоломке каждая из вещей является интереснейшим источником информации о жизни и увлечениях ее героев, но все вместе они лишь средство передачи идеи неизбежности смерти. Псалом "Спаси, Господи, души наши", лютня, струны которой поют о пустой трате времени, глобус символизирующий греховный бренный мир – все это под своеобразным алтарем знаний, украшенным азербайджанским ковром. Сегодня имя Гольбейна ассоциируется не только с династией талантливых художников, но и с типом ковров, изображенных в работах мастера.



Итальянский художник Доменико ди Бартоло в 1442 году во время росписи сиенского госпиталя Санта Мария делла Скала создал фреску «Пестование и женитьба сирот», на которой изображен ковер Газахской группы. Один из таких ковров известен под названием "Битва Феникса с драконом". Он был соткан в XV веке и хранится в Музее искусств, в Берлине. Пинтуриккьо «Сцена из жизни Энея Сильвио Пикколомини», Доменико Мороне «Рождение святого Фомы»,- существует еще целый ряд работ европейских художников, в которых азербайджанский ковер предстает в своем великолепии, отражая принципы и философию эпохи Возрождения.



Надо сказать, что все вышеперечисленные ковры, сегодня, как и раньше, ткутся в Азербайджане. Их создают простые люди, далекие от знаний по истории искусств, но именно они являются хранителями генетической памяти поколений, которую не сотрешь. Это особенно важно в наши дни, когда ковер стал еще и инструментом политической войны. Сегодня некоторыми источниками умышленно искажается история азербайджанского ковра, фальсифицируются факты, присваиваются достижения. Но все мы знаем, что правду скрыть невозможно- рано или поздно все тайное становится явным. Проверенный веками, навечно вписанный в историю мирового искусства, азербайджанский ковер на пороге эры своего Ренессанса…

Viewing all 1649 articles
Browse latest View live