ИСПАНСКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 2.

October 20, 2014, 3:37 am

≫ Next: Московские красавицы. Маскароны на фасадах Москвы

≪ Previous: Вышла первая книга об Абидосе на русском языке.

$

0

0

Оригинал взят у vanatik05в ИСПАНСКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 2.

В этих светозвуках,
В этих звукотенях,
В таинства минуты
Высшем откровении...
Слышу я журчание воды
В этой музыке прекрасной,
С небом солнце говорит
И с землёй испанской...
ХОАКИН ТУРИНА
Мы закончили первую часть на том, что три художника конца 19 - начала 20 веов являются наиболее типичными представителями испанского импрессионизма и остановились на рассказе о третьем, одном из самых характерных импрессионистов того периода - Darío de Regoyos y Valdés (1857 – 1913).



. Он родился в Барселоне в семье известного архитектора, детство провел в Мадриде, был учеником упомянутого в первой части Карлоса де Хаэса в Академии Сан-Фернандо. В 1879 году по совету своего учителя Дарио отправляется в Бельгию, изучать европейское искусство.
Там он поступает в Королевскую школу изящных искусств Брюсселя, участвует в создании нескольких художественных кружков (например, "Десять") организует выставки и концерты, все больше отходит от натурализма, с которого начинал, выступает с антиакадемичискими заявлениями.



В 1883 году вместе с друзьями-художниками он совершает большое турне по Марокко и Испании, восхищаясь ее природой, и вскоре поселяется там, продолжая свои путешествия в Европу. Большое влияние оказывают на него работы Сера, Синьяка и Писсарро, что можно увидеть в его картинах того периода, носящих характерные признаки пуантилизма.



Большая часть его работ написана на пленэре и посвящена природе Испании, изображаемой им в ярких сине-фиолетовых и зеленых тонах, а здания часто окрашены в розовые и желтые цвета рядом с ультрамариновой сверкающей водой.



Художник не был избалован славой при жизни, но после смерти от рака была проведена большая ретроспективная выставка его работ, а сегодня его картины хесть не только в музеях Испании и Европы но и в Музее Фрика и Мадам Тиссен в США.

Hermenegildo Anglada Camarasa (1872-1959) строго говоря, скорее относится к постимпрессионистам, но мне хотелось упомянуть его здесь, так как отдельно об испанских постимпрессионистах я не планирую писать, а его творчество охватывает большой диапазон от импрессионизма до фовизма.



Он родился в Барселоне, учился там в Школе изящных искусств, а в возрасте 22 лет поехал в Париж, чтобы изучать живопись европейсих мастеров, найти свой собственный стиль, и особенное влияние оказали на него Дега и Туклуз-Лотрек, а позже - Пи сассо.



Его картины отличаются более интенсивным цветом, размашистой кистью, в них чувствуется восточный, арабский колорит, а "декоративность"портретов отсылает нас к работам Густава Климта.



Аnglada-Камараса является самым международным испанским художником, активно участвовавшим в обновлении художественного языка в Испании и Европе выставлялся по всему миру, был удостоен золотых медалей на выставках в Германии, Италии, Аргентине.



После эмиграции в Париж во время войны (1939-1947) вернулся в Испанию, жил и работал на Майорке до самой смерти от тяжелой болезни.

Luis Giner Bueno, родился в 1935 году в Валенсии. в семье известных художников, начальное художественное образование получил дома, а затем в Школе искусств и ремесел Валенсии. Два года подряд он выигрывал приз Школы за работы маслом и акварелью, получил грант на поездку для дальнейшей учебы в Париж.




Начиная с 1955 года он регулярно выставляется и получает высокую оценку критики и призы в Валенсии, Барселоне и Мадриде, а позже в Европе и США. Его стиль можно характеризовать термином "Валенсийская школа Люминизма*,



для которой характерны отрывочные, "толстые"мазки Impasto - (итал. impasto, дословно - тесто - густая, сочная накладка красок, нередко употребляемая в живописи масляными красками, в особенности для усиления светового эффекта). Луис Гинер обычно пишет свои работы на пленэре, избражая жизнь, работу и отдых людей у моря, играющих детей, интерьеры дома и тишину сада.



"Я в плену всего, что есть в моих картинах, я пытаюсь отразить в импрессионистком стиле радость наших пляжей, наших праздников и жизни народа в нашей прекрасной Валенсии," - говорит художник.

Joan Beltràn Bofill (1939 - 2009) родился в Барселоне, учился в престижной художественной школе (там же раньше учился и Пикассо), продолжил свое образование в Школе изящных искусств Барселоны. Многие ценители искусства считают, что хотя Бофилл и является современным представителем импрессионизма, его работы отсылают нас памятью во времена Ренуара и Моне.



И все-таки художнику удается создать свой стиль, наполняя свои работы каскадами света и цвета, ритмом и движением, что создает у зрителя впечатление красоты, спокойствия и радости.



Все его работы посвящены Женщине в разных обстоятельствах, позах, настроении - прекрасных и загадочных. Я даже не стала искать названий картин, настолько они понятны.



Его выставки проходили с успехом во многих городах мира, в Испании, Франции, США, Токио.

Vincent Romero Redondo (1956), родился в Мадриле, старший из четырех братьев. Семья много перезжала из-за работы отца, и во всех школах, где Винсент учился, его запомнили всегда с карандашом и блокнотом, постоянно рисующим карикатуры на соучеников и учителей, Он мечтал учиться живописи и поступил в знаменитую Школу искусств Сан-Фернандо, где учились многие будущие художники, и среди них когда-то - Дали. Сначала Винсент попробовал себя в скульптуре, но вскоре перешел к масляной живописи, а затем все чаще использует пастель,



которая, как он говорит, "дает ему возможность для непревзойденной изысканности". Он несколько лет рисовал на улице, считая это самым эффективным способом совершенствовать свою технику. Писал пастельные портреты в береговых деревнях и на островах Тенерифе, Майорка и Ибица. В конце восьмидесятых Ромеро и его жена поселились в Коста-Брава.



В последнее время он опять все чаще возвращается к масляным краскам, взимообогащая оба эти метода. С начала 90-х годов картины Ромеро были показаны в отдельных экспозициях в Испании, Франции и Португалии. В 2001 году он переехал в Мадрид, но много времени проводит в своей студии на Коста-Брава.



Главные (и, пожалуй, единственные) героини его картин прекрасные женщины в разные минуты своей жизни (почему-то всегда с опущенными глазами).

Jose Royo (1961) родился в Валенсии в семье известного врача и ценителя искусств. Уже с девяти лет отец нанимал репетиторов для обучения мальчика рисунку, живописи и скульптуре, а в 14 лет Хосе погступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Карлос. С 18 лет Ройо продолжает художественное обучение в частном порядке и путешествует по Европе, изучая наследие великих мастеров Испании, французских импрессионистов и, особенно Хоакина Сороллы. Он находится под впечатлением работ Сороллы,



у них много общего, не только родина, прекрасная Валенсия с ее великолепной природой, но и классическое образование, любовь к импрессионистам, свету и насыщенному цвету, недаром обоих называют "художниками света Юга".



Созерцая его картины зритель видит прекрасную природу, очаровательных женщин чувствует свет и тепло солнца, морские брызги, слышит шум прибоя. Используя широкие мазки, смелые сочетания цветов, тяжелое "импасто", Ройо передает не только изображение, но и атмосферу, настроение. что полностью соответствует определению современного импрессионизма.



Большая часть работ Ройо выполнена также и в шелкографии, он сам, его издатель и агенты тесно сотрудничают с трафаретным ателье. Производство каждого шелкографического произведения может требовать изготовления до 100 трафаретов и работы 5-6 мастеров в течение 4-6 месяцев.



Коррекция цветов и деталей производится под личным руководством художника проходят его индивидуальную проверку, и каждый принт имеет его подпись, как отдельное самостоятельное произведение.

Carlos Giner (1968), представитель третьего поколения художников в семье, но несмотря на это - самоучка, не получивший серьезного образования, но считающийся сегодня одним из самых ярких представителей современного импрессионизма.



Его солнечные, яркие оптимистичные картины, насыщенные светом, создают радостное настроение, зовут на пляж искупаться в ласковом море , в лес на пикник, на деревенский рынок, покататься на лодке, насладиться запахом цветущего миндаля.



Гинер живет и работает в Пуэрта-де-Алькала (Мадрид), участвует, и пользуется успехом, во многих выставках и на художественных ярмарках по всей Испании.

Как всегда, можете посмотреть слайдшоу с большим количеством репродукций в музыкальном сопровождении "Астурийской легенды"Исаака Альбениса в исполнении классической гитары.



*Люминизм - течение в живописи, возникшее во второй половине 19 века в США, в котором особое внимание уделяется отображению световых эффектов. Достигло рвсцвета в испанской импрессионистической школе и в нидерландском постимпрессионизме.

Ссылки:: http://art-tns.blogspot.com/
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/personajes/
http://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com/spain.html
http://beautyloveandsoul.blogspot.co.il/
http://www.royoart.com/
http://en.wikipedia.org/wiki/Portal:Arts

---

Московские красавицы. Маскароны на фасадах Москвы

October 20, 2014, 3:38 am

≫ Next: Библейские сюжеты: Иосиф Прекрасный

≪ Previous: ИСПАНСКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 2.

$

0

0

Фотографии в альбоме «Московские красавицы (Маскероны)»А.О Запыленовна Яндекс.Фотках
В моем посте фото "московских красавиц" содержат ссылку на мой альбом, в который я перепостила фото (на всякий случай).

Маскарон — в архитектуре выпуклый лепной орнамент в виде маски или человеческого лица с серьезным или карикатурным выражением, нередко выступающий на средине фигурной картуши. Обыкновенно его помещают как украшение, на замковых камнях арок, в средине верхней части облицовки окон и дверей, под антаблементами и балконами, при отверстиях фонтанных труб и т. д. Маскароны были особенно в моде в XVII и ХVIII столетиях, и архитекторы той эпохи обильно декорировали ими фасады дворцов, богатых домов, загородных вилл и других зданий, порой к ущербу для их серьезности и изящества. (Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона. — С.-Пб.: Брокгауз-Ефрон. 1890—1907).

В подборке представлены преимущественно дореволюционные работы.

Старопаниский переулок, дом 5. Архитектор Ф.О. Шехтель (1899 -1990 гг.). В настоящее время в доме находится издательство " Воздушный транспорт".


Девушку можно посмотреть по адресу ул. Воронцово поле дом 6-8, Посольство Индии, 1911-1912 гг. Архитекторы И.Т. Барютин и К.В. Аполлонов.


Воронцово поле дом 6-8. В настоящее время собственность посольства Индии.


Девушка украшает здание книжного магазина "Библио - глобус" на Мясницкой улице, дом 6. Архитектор М. Ф. Бугровский (1897).


Девушка украшает собой дом на улице Проспект мира 19. Архитектор Н.П. Матвеев.


Девушка украшает дом 19 на Пятницкой улице, рядом метро Новокузнецкая. Рядом с ней на доме её " сестра"... Очень интересно, девушки были реальные московские красавицы или просто они - фантазия архитектора?




Старопанский переулок, дом 5. Архитектор - ШехтельФ.О (1899 - 1900 гг). (На девушку недавно нанесли новый слой белил.) В настоящее время дом занимает издательство "Воздушный транспорт".


Космодомиановская улица, дом 4, дробь 22. В настоящее время в доме общественный фонд.


Маскарон находится на Мясницкой улице, дом 8.А архитектор Ф.О. Шехтель, 1898 - 1903 гг.


Пятницкая улица, дом 33. Архитектор Л. Н. Кекушев, 1894 г.В настоящий момент в доме располагается посольство Танзании.


Рюмин переулок. Архитекторы Галецкий и Воейков, 1904 г.


Улица Сергея Радонежского, дом 7. В настоящее время в доме коммерческий банк.


Очень нефотогеничная девушка. Маскарон находится по адресу :Старая площадь, дом 4. В здании в настоящей момент находится Администрация президента Российской Федерации. Поэтому фотографировать эту девушку я никому не рекомендую. Архитектор В. В. Шервуд, 1912 -1915 гг.


Улица Покровка дом 19. Архитектор Дриттенпрейс П.И.


Покровка 19. Архитектор Дриттенпрейс П.И.


Маскарон находится на улице Балчуг, дом 5.


Улица Остоженка, дом 24.


Старопосадский переулок, дом 8, 1878 г. Архитектор К.В. Терской. (Кого только не встретишь на фасадах московских особняков, даже медуза Горгона есть, но и её автор сфоткал... и не окаменел!)


Первый Кадашевский переулок, дом 14, городская усадьба, середина XIX - начало XX века.


Улица Покровка, дом 19. Архитектор П. И. Дриттенпрейс.


Первый Обыденский переулок, дом 9 дробь 12. Дом построен в 1914 году.


Лялин переулок, дом 11, дробь 13. Архитектор К.Л. Розенкамф, 1904 г.


Колпачный переулок, дом 9. Архитектор В.Д. Глазов, 1912 г.


Улица Чаплыгина, дом 1а. Архитектор Г.А. Гельрих, 1911 г.


Улица Чаплыгина, дом 1а. Архитектор Г.А. Гельрих, 1911 г.


Большой Казенный переулок, дом 2. Архитектор А. П. Зарубцкий, 1902 г.


Лялин переулок, дом 8. Архитектор С.Ф. Воскресенский, 1912 г.


Потаповский переулок, дом 5.


Улица Мясницкая, дом 8. Архитектор Ф.О. Шехтель, 1899 г.




Улица Маросейка, дом 17. XVII-XIX век. Первоначальная архитектура этого здания приписывается М.Ф. Казакову, затем здание и фасад было перестроено в 1880-е годы архитектором Г.А. Кайзером. В настоящее время в здании посольство республики Белларусь.




Улица Рождественка, дом 12. Бывший доходный дом, 1895 г. Архитектор И.А. Иванов. В настоящее время в здании Институт востоковедения РАН.


Улица Ильинка, дом 9. Бывшее здание Петербурского международного коммерческого банка, 1910 г. Архитектор А. Э. Эриксон. В настоящее время в здании Министерство Финансов Российской Федерации.


Площадь Воровского, дом 1. Улица Кузнецкий мост, дом 21. 1905-1906 гг. Бывший дом первого Московского страхового общества от огня. Архитекторы Л.Н. Бенуа и А.И. Гунст


Большой Черкасский переулок, дом 9. Бывший торговый дом князя А.Н. Голицина 1901 г. Архитектор А.Ф. Мейснер. В 1911 г. дом был надстроен по проекту архитектора С.М. Гончарова. В настоящее время в здании Центральная Избирательная Комиссия ( Центризберком).


Улица Неглиная, дом 14/1 А. 1895 -1896 гг. Знаменитые Сандуновские бани, построеные актером Сандуновым, здание не меняло своего назначения. Архитекторы Б.В. Фрейденберг, С.М. Калугин и В.И. Чагин в оформлении роскошного фасада здания использованы элементы барокко. Здание также использовалось под роскошные магазины и квартиры. В настоящее время, кроме бань, в здании ряд коммерческих банков. Купающиеся в этих банях, наверное могут заручиться покровительством дочери Посейдона - Горы, очень красивой и музыкальной девушки.


Рахмановский переулок, дом 3. 1907 г. Архитектор А.И. Иванов-Шиц. В здании в настоящее время Министерство здравохранения и социального развития.


Улица Петровка, дом 17. Архитектор Г.А, Гельрих, 1913 г.


Никольская улица, дом 21, 1895 г. Архитектор А.Э. Эриксон. Доходный дом и аптека магистра фармацеи В.К. Феррейна. Москвичи привыкли называть это здание аптекой №1, или аптекой Феррейна. Но в 2007 году, после реконструкции и ремонта здания с 2008 г. в здании появился роскошный ресторан французкой кухни и даже голову змеи, дающий свой яд на лекарства, новые владельцы здания, видимо использовали в одном из блюд своей кухни.


Столешников переулок, дом 7. Бывший доходный дом и винный магазин О.П. Леве, 1903 г. Архитектор А.Е. Эрихсон. В советское время в доме также был винный магазин "Российские вина". В настоящее время там находится ювелирный салон Картье.


Театральная площадь, дом 2/7, 1909 г. Архитектор В.Д. Фрейденберг. В настоящее время в здании располагаются театральные кассы, в том числе кассы Большого театра.


Улица Кузнецкий мост, дом 6. 1902 г. Архитектор И.А. Иванов-Шиц. В настоящее время в здании находится клуб и бар " Гадкий койот".


Девушка с сохранившейся части ограды Московского Императорского Воспитательного дома — памятника архитектуры XVIII—XX веков. Заложен в 1764 по инициативе просветителя И. И. Бецкого как благотворительное закрытое учебно-воспитательное учреждение для сирот, подкидышей и беспризорников. Крупнейшее здание Москвы дореволюционного периода (длина фасада по набережной 379 м). В настоящее время в в этих зданиях военная академия ракетных войск стратегического назначения имени Петра Великого.


Улица Тверская, дом 12. 1902 г. Архитектор К.К. Гиппиус. В настоящее время в доме располагается Ювелирный магазин " Центрювелир".


Улица Кузнецкий мост, дом 3 (левая часть). 1901г. Архитектор М.А. Арсеньев. Бывшее конторское здание. Сейчас в здании расположен офис компании "Аэрофлот".


Козицкий переулок, дом 5. Конец XVIII - начало XIX века. Архитектурная школа Ф.М. Казакова. Сейчас в здании Государственный институт исскуствоведения.


Неглинная улица, дом 2. 1889 г. Архитектор С.С. Эйбушитц. Сейчас в здание министерство гражданской обороны и чрезвычайных ситуациий.


Рахмановский переулок, дом 3. 1907 г. Архитектор А.И. Иванов-Шиц. В здании в настоящее время находится Министерство здравохранения и социального развития. Девушка украшает окно внутреннего дворика этого здания и смотрит на поситителей Министерства сквозь ветки конского каштана.


Рахмановский переулок, дом 3. 1907 г. Архитектор А.И. Иванов-Шиц. В здании в настоящее время находится Министерство здравохранения и социального развития.Этот маскарон уже был в подборке, но на старом снимке у девушки был испорчен носик. Со стороны улицы Неглинной маскерон сохранился без повреждений.


Улица Большая Никитская, дом 4. 1886 -1902 гг. Архитектор К.М. Быковский. В здании зоологические и ботанические факультеты Московского университета имени Ломоносова.


Петровский переулок, к дом 8. 1832 г. Городская усадьба архитектора И.О. Бове, построенная по его проекту. В 1900-1902 гг. переделка фасада новым владельцем, архитектор И.А. Иванов-Шиц. Дом остро нуждается в косметическом ремонте фасада.


Ой, так устала я от гамм,
Счас голос звонкий свой подам,
Когда лишь только гаммы мне играют,
То в ноты никогда не попадают...

Улица Большая Никитская, дом 13. Девушка-муза на здании Московской консерватории имени П. И. Чайковского. Фазад здания перестроен в 1894-1901 гг. Архитектор В.П. Загорский.


Улица Большая Никитская, дом 24\1. 1905-1906 гг. Архитектор В.М. Нилус. Сейчас в здании находится роскошный бутик и магазин одежды.


Романов переулок, дом 3/7. 1895-1898 гг. Архитектор А.Ф. Мейснер. Бывший комплекс доходных домов графа Шереметьева А.Д. С 1920 г. в этих зданиях жила советская государственная и партийная элита (Н.С. Хрущев, Г.М.Маленков, А.Я. Вышинский, М.В. Фрунзе, К. Е. Ворошилов, И.С. Конев, Г.К. Жуков и другие)).


Леонтьевский переулок, дом 20. Бывший доходный дом с лепным декором в стиле «модерн», начало XIX в. В 1900-е годы перестройку и изменение фасада здания осуществил архитектор П. В. Харко. В настоящее время в здании посольство Украины в Российской федерации.


Леоньтьевский переулок, дом 9. 1880-е. Архитектор Д. Н. Чичагов. В 2007 году был проведён капитальный ремонт здания с заменой перекрытий и кровли. В настоящее время здесь размещается Представительство ООН в Москве, UNICEF, UNDP, UNEP, UNAIDS, WHO и ряд других международных организаций. Интересно, а у девушки на фото голубые глаза, толи эффект отражения света от окна в солнечный день, толи они специально подкрашены при реставрации.


Три девицы под окном,
Совещались как-то днем,
Где подружкам денег взять?,
Косметологов нанять,
Чтоб придать им свежий вид,
Время маски не щадит...

Улица Тверская, дом 12. 1902 г. Архитектор К.К. Гиппиус. В настоящее время в доме Ювелирный магазин " Центрювелир", и модные бутики одежды.


Ермолаевский переулок, дом 27. Бывший доходный дом, 1908 г. Архитектор О.Г. Пиотрович. В настоящее время в здании расплагаются офисы и комммерческий банк.


Улица Спиридоновка, дом 21. 1898 г. Архитектор А.Э. Эрихсон.


Улица Малая Никитская, дом 29. 1909 г. Архитектор О.Г. Пиотрович. В настоящее время в здании располагается группа комнаний "Интер сервис инвест".


Улица Поварская, дом 44. 1903-1904 гг. Архитектор Л.Н. Кекушев. В настоящее время в этой бывшей усадьбе Посольство Новой Зеландии в Москве.


Улица Поварская, 13/15, 1956 г. Архитектор Б.П. Лейко. Комплекс зданий Верховного Суда Российской Федерации.


Проспект Мира, дом 3. 1885 г. Архитектор В.П. Загородский.


Бобров переулок, дом 1, Милютинский переулок, дом 22, Сретенский бульвар дом 6. 1899 -1902 гг. Архитектор Н.М. Проскурин. Громадный, занимающий целый квартал, бывший доходный дом страхового общества "Россия". В настоящее время элитный жилой дом).


Бобров переулок, дом 1, Милютинский переулок, дом 22, Сретенский бульвар дом 6. 1899 -1902 гг. Архитектор Н.М. Проскурин. Громадный, занимающий целый квартал, бывший доходный дом страхового общества "Россия".


Бобров переулок, дом 1, Милютинский переулок, дом 22, Сретенский бульвар дом 6. 1899 -1902 гг. Архитектор Н.М. Проскурин. Громадный, занимающий целый квартал, бывший доходный дом страхового общества "Россия".


Милютинский переулок, дом 16. Дома 14 и 16 были ранее владениями фабриканта А. Я. Милютина, где он и построил свое ткацкое производство. С 1829 по 1912 год дом № 16 принадлежал различным владельцам, с 1912 по 1915 год здесь располагался театр-кабаре «Летучая мышь». Архитектор М. А. Арсеньев.


Проспект Мира, дом 3. Архитектор В.П, Загородский, 1893-1895 гг. Кариатида, вызывающая своей красотой наше восхищение - работа будующего народного художника СССР Сергея Коненкова, тогда еще простого и никому не известного студента Строгановского училища, одна из его первых работ. На полученный за нее гонорар Коненков купил для своей семьи швейную машинку "Зингер " (СПАСИБО,Serg63Ant, который "познакомил " меня с этой красавицей и поведал её историю).


Проспект Мира, дом 3, 1893-1895 гг. Архитектор В.Г. Загородский.


Проспект Мира, дом 3, 1893-1895 гг. Архитектор В.Г. Загородский.


Новопесковский переулок, дом 5. 1902 г. Архитектор П.А, Заруцкий.


Большой Афанасьевский переулок, дом 32. Бывший доходный дом, 1905 г. Архитектор Н.Н. Жериков. В 1996 г. была проведена реконструкция здания. Архитектор А.А. Асатов.


Староконюшенный переулок, дом 23. 1889 г. Архитектор К.К. Гиппиус. В настоящее время - посольство Канады.


Улица Арбат, дом 29. Архитектор М.Г. Лазарев.


Пречистинский переулок, дом 8. 1902-1903 гг. Архитектор В.Ф. Волькот. В настоящее время в здании посольство королевства Марокко.


Пречистинский переулок, дом 8. 1902-1903 гг. Архитектор В.Ф. Волькот. В настоящее время в здании посольство королевства Марокко.


Улица Мясницкая, дом 18. Доходный дом купца М.И. Мишина, 1903 г. Архитектор И.Т. Барютин. Недавно была закончена реставрация фасада этого здания и девушки наконец-то стали красавицами -:)))


Улица Мясницкая, дом 18. Доходный дом купца М.И. Мишина, 1903 г. Архитектор И.Т. Барютин.


Мерзляковский переулок, дом 20. 1902 г. Архитектор А.А.. Остроградский.


Улица Малая Дмитровка, дом 27. Городская усадьба И. Г. Григорьева - В. П. Писемской, Архитектор А.Г, Григорьев (?).


Улица Малая Дмитровка, дом 27. Городская усадьба И. Г. Григорьева - В. П. Писемской, Архитектор А.Г, Григорьев (?).


Успенский переулок, дом 10. 1912 г. Архитектор А. Н. Зелингтон.


Улица Малая Дмитровка, дом 6. Бывший купеческий клуб 1907-1908 гг. Архитекторы И.А.Иванов-Шиц и В.Д. Адамович. Сейчас в здании театр "Ленком". Отрадно ,что театр заботиться о своем фасаде, но недавняя реставрация фасада лишила маски их тонких черт.


Улица Малая Дмитровка, дом 6. Бывший купеческий клуб 1907-1908 гг. Архитекторы И.А.Иванов-Шиц и В.Д. Адамович. Сейчас в здании театр "Ленком". Отрадно ,что театр заботиться о своем фасаде, но недавняя реставрация фасада лишила маски их тонких черт.


Улица Малая Дмитровка, дом 6. Бывший купеческий клуб 1907-1908 гг. Архитекторы И.А.Иванов-Шиц и В.Д. Адамович. Сейчас в здании театр "Ленком". Отрадно ,что театр заботиться о своем фасаде, но недавняя реставрация фасада лишила маски их тонких черт.


Пятницкая улица, дом 53. Доходный дом, 1914 -1915 гг. Архитектор Ф.А. Ганешин.


Николоямская улица, дом 26, стр 1. 1995 г. На месте снесенных двухэтажных зданий XIX века (?).


Улица Земляной вал, дом 53.


Улица Пречистинка, дом 28. Доходный дом Московского торгово-строительного акционерного общества, 1904-1906 гг. Архитектор Л.П. Кекушев.


Пятницкая улица, дом 4/2 стр1. Доходный дом храма Усекновения Главы Иоанна Предтечи под Бором. 1895 г., архитектор В. В. Бакарев.


Барыковский переулок, дом 7. 1903 г. Архитектор М. А. Петров Переулок назван в 1922 году по находившейся здесь Барыковской богадельне, основанной в середине XIX века статским советником И. И. Барыковым.


Улица Ильинка, дом 21-23. Бывший комплекс зданий Северного страхового общества 1909-1911гг. Военный инженер И.И. Рерберг, архитекторы М.М. Перетяткович и В.К. Олтаржевский. В настоящее время в зданиях службы призидента Российской Федерации (приемная, управление здравохранения и другие).


Второй Обыденский переулок, дом 15. 1904 г. Архитектор Н.И. Жерихов.


Улица Старая Басманная, дом 12, стр 1. Бывшие доходный дом инженера О.О. Вильнера. Архитектор Н.И. Жерихов, 1902 -1904 гг.


Улица Старая Басманная, дом 12, стр 1. Бывшие доходный дом инженера О.О. Вильнера. Архитектор Н.И. Жерихов, 1902 -1904 гг.


Улица Старая Басманная, дом 12, стр 1. Бывшие доходный дом инженера О.О. Вильнера. Архитектор Н.И. Жерихов, 1902 -1904 гг.


Улица Старая Басманная, дом 15, стр 2. Памятник модерна — доходный дом персидского подданного Аджи-Мамед Усейн Ага Аминезара, 1902 г. Архитектор. В. В. Шауб.


Малый Каретный переулок, дом 4. Собственный дом архитектора Василия Петровича Хоботова.


Улица Старая Басманная, дом 19. 1902 г. Архитектор П.К. Микини.


Гороховский переулок, дом 14. 1901 г. Архитектор Н.Д. Бутусов


Улица Александра Лукьянова, дом 7. В 60-х годах XIX века здесь бывал, а позже и поселился немецкий купец И.К. Прове, занимавшийся торговлей хлопком. Спустя некоторое время Прове становится местным старейшиной, и покупает большие участки (современные дома № 2/22 и 7). Так, в 1890 году, по просьбе Прове, известный мастер эклектики, архитектор А.Э. Эрихсон, возводит на этом месте прекраснейший особняк, который сохранился и до наших дней -.дом №7.


Чистопрудный бульвар, дом 13. 1860 г. (?). Архитектор Вульсон Сигизмунд Карлович (?). В 30-е годы дом перестраивался и надстраивался с сохранением своего фасада.


Улица Никольская, дом 5. Никольские (Иверские) торговые ряды - один из ранних образцов стилистики модерна, примененной для торгового здания. Построены в 1899-1900 гг. Архитектор Л.Н. Кекушев, при участии С.С. Шуцман.


Улица Никольская, дом 5. Никольские (Иверские) торговые ряды - один из ранних образцов стилистики модерна, примененной для торгового здания. Построены в 1899-1900 гг. Архитектор Л. Н. Кекушев, при участии С.С. Шуцман.


Покровский бульвар, дом 14/6. 1913 г. Архитектор И. А. Герман.


Яузкий бульвар, № 2/16 — жилой дом. 1936-1941 гг. Архитектор И.А. Голосов.


Славянская площадь, дом 4. стр1. Комплекс конторских и гостиничных помещений «Деловой двор» в Москве был построен архитектором И. С. Кузнецовым в 1911—1913 гг. в функциональном и неоклассическом стилях. В настоящее время в помещении Федеральное управление Росздравнадзора и Пенсионного фонда.


Славянская площадь, дом 4. стр1. Комплекс конторских и гостиничных помещений «Деловой двор» в Москве был построен архитектором И. С. Кузнецовым в 1911—1913 гг. в функциональном и неоклассическом стилях. В настоящее время в помещении Федеральное управление Росздравнадзора и Пенсионного фонда.

Библейские сюжеты: Иосиф Прекрасный

October 20, 2014, 3:38 am

≫ Next: Морис Вламинк и одна из его великих книг....

≪ Previous: Московские красавицы. Маскароны на фасадах Москвы

$

0

0

Оригинал взят у marinagraв Библейские сюжеты: Иосиф Прекрасный

Бартоломе Эстебан Мурильо. Иосиф и жена Потифара. 1640-45 гг.

"Как много свежести в этом безыскусственном рассказе; только он кажется чересчур коротким, и появляется искушение изложить его подробнее, дорисовав все детали", - так оценил Гёте библейское сказание об Иосифе Прекрасном, любимом сыне патриарха Иакова и Рахили. Впрочем, если учесть лаконичность книги "Бытие", рассказ этот вовсе не так уж и короток: из пятидесяти глав повествование об Иосифе занимает целых 14 (Бытие, главы 37-50). Однако оно так насыщено событиями, так наполнено самыми разнообразными чувствами, сюжет его так мастерски "закручен", что читателю, вслед за Гёте, поневоле хочется ослабить напряжение и расцветить деталями эту историю, которую с равным успехом можно назвать и затейливой восточной сказкой, и первым в мире приключенческим романом.


Якопо Понтормо. Иосифа продают Потифару. 1515.18 гг.

То, о чем говорил Гёте, через сто с лишним лет осуществил другой немецкий писатель, Томас Манн. В роковые для своей страны годы, с 1933 по 1943, он создал монументальный роман "Иосиф и его братья". В то время, когда все достижения цивилизации, казалось, навсегда отступали под напором хаоса, легенда об Иосифе помогла писателю обрести надежду на спасение: в своем романе он рассказал о становлении нравственного начала в человеке, о зарождении морали на заре истории, о том, что в основе мироздания лежит созидательное начало.
Эпопея Томаса Манна стала одной из главных книг 20 столетия, и наш современник невольно воспринимает библейское сказание сквозь призму великого романа, однако попробуем все же отвлечься от него и, перечитав еще раз историю Иосифа, посмотреть на нее глазами художников прошлого. Что более всего занимало и впечатляло их в этой легенде? Находили ли они в ней тот же гуманистический смысл, что и Томас Манн?


Диего Веласкес. Иакову приносят окровавленную одежду Иосифа. 1630 г.

Итак, юный Иосиф, самоуверенный отцовский любимчик, снискал ненависть братьев тем, что рассказывал о своих пророческих снах, из которых следовало, что в будущем судьба высоко вознесет его, и братья придут к нему на поклон. Рассвирепевшие братья бросили Иосифа в пустой колодец, где его ждала верная смерть, но потом сжалились и продали юношу в рабство. Иакову они принесли одежду Иосифа, смоченную в крови козленка, и сказали, что его сына растерзал дикий зверь.


Ян Викторс. Иакову показывают одежду Иосифа. 1651-53 гг.

Оказавшись в Египте, Иосиф завоевал полное доверие своего хозяина, вельможи Потифара, но, к несчастью для себя, юноша стал предметом вожделения его жены. Женщина попыталась соблазнить Иосифа, а когда ей это не удалось, оклеветала его, и Иосиф попал в тюрьму. Однако благодаря своему умению толковать сны, он снова сделался фаворитом, на этот раз самого фараона. Иосиф женился на знатной египтянке, его умелое правление спасло Египет в неурожайные годы от голода, охватившего соседние страны.


Бернардо Строцци. Иосиф рассказывает сны. 1626 г.

Братья Иосифа пришли в Египет закупать зерно и, конечно, не узнали его в могущественном египтянине. Иосиф же, с чисто восточной изобретательностью, подверг братьев мучительным испытаниям, и лишь убедившись в искренности их раскаяния, раскрыл свою тайну. В конце концов все родные Иосифа переселились из Ханаана в Египет, где им была уготована счастливая безбедная жизнь. Престарелый Иаков провел свои последние годы подле вновь обретенного сына, и перед смертью благословил своих детей и внуков.


Петер Корнелиус. Иосиф толкует сны фараона. 1816-17 гг.

Иосиф - один из самых привлекательных персонажей Ветхого Завета. Он поистине отмечен божественной милостью: "красив станом и лицом", необычайно обаятелен и "успешен в делах". Как сновидец и толкователь снов он прозревает будущее, как рачительный хозяин спасает от голода целые народы. Он не чужд милосердия и умеет искренне прощать причиненное ему зло, но главное - Иосиф человек высоконравственный, богобоязненный. Соблазнительнице он, впервые в библейской истории, объясняет, что такое грех: "Нет больше меня в доме сем; и он /господин/ не запретил мне ничего, кроме тебя, потому что ты жена ему; как же сделаю я сие великое зло и согрешу пред Богом?" (Бытие, 39:9)


Саломон де Брей. Иосиф встречается с отцом и братьями в Египте. 1655 г.

Хотя сказание об Иосифе не имеет прямой связи с христианской генеалогией (родословная Иисуса восходит к одному из старших братьев Иосифа Иуде), христианские теологи не оставили без внимания столь поучительную притчу и столь положительный персонаж. Они аллегорически толковали многие эпизоды из жизни Иосифа как прообраз событий земной жизни Иисуса. Моменты, когда Иосиф, невинный целомудренный страдалец, становится жертвой предательства и коварства (его бросают в колодец, продают в рабство, заключают в тюрьму), ассоциировались со Страстями Христовыми - испытаниями, выпавшими Иисусу в его последние дни.


Андреа дель Сарто. Сцены из жизни Иосифа. 1515 г.

Неудивительно поэтому, что когда художники посвящали жизни Иосифа циклы из нескольких картин, основное внимание они уделяли драматическим перипетиям его судьбы, а счастливые события - встреча с братьями, успехи Иосифа при египетском дворе - занимали их гораздо меньше. Таковы циклы картин неизвестного фламандского художника, прозванного мастером жизни Иосифа (1500-е гг.), итальянцев Якопо Понтормо (1515-18 гг.) и Андреа дель Сарто (ок.1515 г.).


Неизвестный фламандский мастер (Мастер жизни Иосифа). Иосиф и жена Потифара. Ок.1500 г.

Тема подавляющего большинства произведений, повествующих об истории Иосифа, - эпизод с женой Потифара. Попытка египтянки соблазнить красавца-раба трактовалась теологами как искушение праведника дьяволом, принявшим облик женщины, - популярный сюжет христианского искусства и литературы. Обычно изображался момент, когда Иосиф выскальзывает из объятий соблазнительницы, в руках у которой остается его одежда - главная улика несправедливого обвинения.

Интересно, что воплощение именно этого сюжета представляло для мастеров Средневековья и раннего Ренессанса немалые профессиональные трудности. Искусство этого времени по преимуществу статично, художники еще не научились "останавливать мгновение", а именно это требовалось для того, чтобы внятно передать суть происходящего: нужно было запечатлеть (как говорят художники, "схватить") резкие, быстрые, неожиданные движения персонажей. Рассматривая работы на интересующую нас тему в хронологической последовательности, мы явственно увидим, какой огромный путь прошло европейское искусство за четыре столетия.


Иосиф и жена Потифара. Мозаика. Кон.12-нач.13 вв.
Собор Сан-Марко, Венеция.

Вот мозаика в соборе Сан-Марко в Венеции, конец 12 - начало 13 века. Статичная фигура величавой матроны напоминает о монументальном искусстве Византии. Трудно представить, что эта невозмутимая дама кого-то собиралась соблазнить. Иосиф изображен в некоем подобии движения: он делает шаг. Этот шаг выглядит неловко, разворот тела неестественный, но это неуклюжее движение - для истории искусства тоже шаг, и очень важный. Рассматривая произведения средневековых мастеров, мы порой снисходительно отмечаем скованность линий, детскую наивность рисунка. Но вдумаемся: чего больше заслуживают те художники прошлого, которые не боялись осваивать новое и старательно учились своему ремеслу, - нашего снисхождения или нашего уважения?


Карло Чиньяни. Иосиф и жена Потифара. 1687-80 гг.

Останемся в Венеции, но перенесемся в середину 16 столетия, золотой век итальянской живописи. Мастерство великих венецианцев - Тициана, Веронезе, Тинторетто - кажется безграничным. Их полотна пронизаны движением, они виртуозно владеют рисунком, могут изображать человеческие тела в самых сложных ракурсах, передавать малейшие оттенки владеющих героями чувств. То, что было так сложно для авторов мозаики в соборе Сан-Марко, уже не составляет для них труда.


Проперцио Росси. Иосиф и жена Потифара. 1520-е гг.

Блистательный пример такой живописи - картина Якопо Тинторетто "Иосиф и жена Потифара" (1555 г.), хранящаяся ныне в музее Прадо. Будто буря проносится по полотну - буря неудовлетворенной страсти. Тела женщины и юноши вытянуты по диагонали картины, каждое из них к тому же изгибается, закручивается спиралью. Неожиданный смелый ракурс (зритель наблюдает за происходящим как бы с уровня пола) придает композиции напряженную неуравновешенность и нарочитую неустойчивость. Прекрасное обнаженное тело соблазнительницы словно заряжает воздух какой-то огневой энергией, и складки алого занавеса на фоне золоченого потолка кажутся всполохами пламени. При взгляде на это полотно у современников Тинторетто вряд ли возникали праведные мысли о невинном страдальце, искушаемом дьяволом в обличье женщины. Они видели перед собой исполненную чувственности картину мощного, темпераментного мастера, не знающего равных в создании всевозможных живописных эффектов, новаторство которого казалось им почти дерзким.


Якопо Тинторетто. Иосиф и жена Потифара. Ок. 1555 г.

На сто лет позднее Тинторетто к сказанию об Иосифе обратился Рембрандт. В 1655 г. он пишет два варианта картины "Иосиф и жена Потифара". Рембрандт, как всегда, оригинален в трактовке темы. Его привлекла не пикантная сцена бегства Иосифа от сладострастной египтянки, а момент обвинения юноши перед Потифаром. Вместо пышного, устланного драгоценными тканями ложа, которое так любили изображать итальянские живописцы, - белая не смятая постель, словно символизирующая чистоту юноши. Вместо энергичного движения тел - выразительные лица и красноречивые жесты рук. Интересно, что два варианта картины отличаются в основном незначительными деталями, серьезное различие лишь в позе Иосифа. В картине из Вашингтонской национальной галереи Иосиф стоит, смиренно скрестив руки и опустив голову. На полотне, которое хранится в Берлине, юноша поднял руку с раскрытой ладонью, как бы свидетельствуя свою невиновность. Но внимание зрителя приковывает к себе не Иосиф и не застывший в неподвижности Потифар, а облаченная в красные одежды коварная женщина. Увлеченная своим рассказом, она "правдиво" прижимает руку к сердцу. Интересно, что это одна из немногих картин Рембрандта, где женщина представлена как олицетворение зла.


Рембрандт Харменс ван Рейн. Иосиф и жена Потифара. 1655 г.
Национальная галерея, Вашингтон.

Одно из лучших полотен зрелого Рембрандта и, без сомнения, наиболее значительное из всех вдохновленных сказанием об Иосифе произведений - картин "Иаков благословляет детей Иосифа" (1656 г.). Рембрандт выбрал не самый эффектный, но очень значительный эпизод библейского рассказа. Иосиф, подводя своих сыновей к престарелому Иакову для благословения, ставит старшего, Манассию, справа от отца, а младшего, Ефрема, - слева. Однако ослепший Иаков возлагает правую руку на голову младшего внука, намереваясь благословить его первым. Иосиф решает, что произошла досадная ошибка. Он пытается восстановить должный порядок и переложить правую руку отца на голову своего первенца, но Иаков возражает: "знаю, сын мой, знаю, и от него произойдет народ, и он будет велик, но меньший его брат будет больше его". (Быт., 47:19)

Именно этот момент представлен на картине: дряхлый старец дотрагивается до золотых кудрей Ефрема, а Иосиф пытается осторожно переложить руку отца на голову Манассии. Кисть Рембрандта словно говорит со зрителем: цвет, свет, композиция картины позволяют нам читать ее, как книгу. Монолитную мужскую группу уравновешивает фигура женщины. Жена Иосифа Асенефа причастна к тому событию, что происходит у нее на глазах, но ее роль пассивна, она лишь наблюдатель. Фигуры Иосифа и Асенефы во многом перекликаются: спокойная поза, сходный наклон головы, неяркая освещенность, неброские оливково-коричневые тона одежды. Иосиф - тоже второстепенный персонаж, он, в сущности, такой же статист, как и его жена. Главный герой картины, средоточие ее духовности - слепой старик. Над красным покрывалом, занимающим всю нижнюю часть полотна, сияют его белые одежды и спадающий с плеч золотистый мех. Свет, исходя из руки старца, изливается на мальчика, и мы понимаем, что в тот миг, когда рука деда касается волос внука, происходит таинство.


Рембрандт Харменс ван Рейн. Иаков благословляет детей Иосифа. 1656 г.

Эпиграфом к картине Рембрандта можно поставить слова, сказанные Томасом Манном в докладе о романе "Иосиф и его братья": "Благочестие - это своего рода мудрость. Мудрость перед Богом". Эту мудрость писатель видел в том, чтобы "всеми силами своей души внимать велениям мирового разума, прислушиваться к новой истине", то есть постоянно меняться самому в согласии с божественным замыслом и теми внутренними изменениями, которые претерпевает мир. Таков его Иосиф, который умел постигать эту "новую истину", и поэтому смог измениться сам и изменить к лучшему жизнь вокруг себя, смог достойно нести бремя своей избранности, своей ответственности перед Богом и людьми.

Но таков и рембрандтовский Иаков, тоже прозревший "новую истину", отметивший избранного Богом младшего внука вопреки установленным правилам. И хотя перед нами произведения, казалось бы, не сопоставимые - картина 17 века и написанный через четыре столетия роман, они сходны в том, что под пестрым покровом захватывающей повести о приключениях прекрасного юноши и его родичей художник и писатель распознали мудрую притчу о Боге, Времени и Человеке.

Морис Вламинк и одна из его великих книг....

October 22, 2014, 2:51 am

≫ Next: 200 лет - Огюст Клесенже 22 10 1814 Auguste Clésinger - 200 ans

≪ Previous: Библейские сюжеты: Иосиф Прекрасный

$

0

0

4 апреля 1876 - 11 октября 1958.
Французский живописец-постимпрессионист, родоначальник экспрессионизма в среде фовистов.
http://enc-dic.com/euroart/Vlamink-204/

«Рив Гош» переводится с французского языка как «Левый берег».
Так называют половину города, расположенную южнее Сены, в Париже.
Это кварталы парижской богемы, художников, писателей и интеллектуалов.

Книга вышла в Париже в январе 1951г. тиражем 325 экз. И иллюстрирована цветными гравюрами Вламинка.






















И ещё два портрета--

200 лет - Огюст Клесенже 22 10 1814 Auguste Clésinger - 200 ans

October 23, 2014, 3:15 am

≫ Next: Интересный и Древний прмысел,или Ковры и Восток.

≪ Previous: Морис Вламинк и одна из его великих книг....

$

0

0

"Пигмалион" XIX века

     Тот, первый Пигмалион, был царем Кипра и чуждался женщин, однако мысль о них была ему не противна. Он взялся за резец и изваял женскую фигурку из слоновой кости. Из бивня, заметим (и добавим: бивень чем-то напоминает ребро…) И влюбился в изображение, – в собственное, так сказать, продолжение. Афродита вдохнула жизнь в статуэтку, тронутая мольбами художника. Ее назвали Галатеей. У счастливых супругов родилась дочьПафос.

Вот какова сила искусства ваяния! Библия к нему относится с осторожностью, оно производит подчас идолов, отвлекающих человека от Бога.
«Скульптура, самое реальное и самое абстрактное из всех искусств, а равно и самое благородное, дарующее форме – вечность (в человеческих, разумеется, пределах), – собирает – как и поэзия, ваятельница идеи, – многочисленных и горячих приверженцев даже в наше время паровых машин и материальных забот», – писал Теофиль Готье в обзоре выставки «Салон 1847».
Самое большое – и горячее – внимание в статье уделено 33-летнему скульптору Огюсту Клесенже (Clésinger) и его мраморной «Женщине, ужаленной змеей».


Жан-Батист (Огюст) Клесенже. Женщина, ужаленная змеей.Мрамор, 1847. Музей Орсэ, Париж

Критик и романист пишет: «Давно скульптура не давала столь оригинального произведения. В яркой современной красоте этой фигуры нет «античности»; никакой Венере или Флоре не обязана своими руками или ногами эта статуя, точнее, женщина; ибо она не мрамор, а плоть; она не изваяна, – она живет, она чувствует бегущую по телу судорогу! Не обман ли зрения? Ой, она пошевелилась! Кажется, положи руку на это белое и мягкое тело – и почувствуешь не холод камня, а тепло бытия!»
  Еще бы. Известно имя этой Галатеи, перевернувшей античный сюжет, – ибо ей обязан скульптор своим успехом. С ее «живота, груди, бедер был сделан слепок», – свидетельствует критик Манц, – повторенный затем в мраморе. Ее звали Аполлони Сабатье, ей 25 лет, она хозяйка светского салона, где ее величают по общему уговору Президентшей. За ней ухаживают Флобер, Готье...

ИБодлер. Его долгое тайное ухаживание и недолгая связь с Аполлони отмечены несколькими стихотворениями в «Цветах зла»: XLIIQuedirastucesoir…, LVIIOù tutedresseras, statueémerveillée… и другими.

Неподалеку от «Ужаленной» на выставке Салон 1847 находился «Портрет Мадам ***», чье имя не раскрыто в обзоре Готье («Говорят, что бюст «Мадам ***» очень похож. Счастливая женщина!»), но публика осведомлена превосходно, – гораздо лучше в то время, чем теперь, когда она читает в музее Орсэ табличку «Мадам Сабатье». Фамилия ей не говорит ничего.

Клесенже. Мадам Сабатье (Портрет Мадам ***) Мрамор, 1847

Успех «Ужаленной» велик и скандален, настолько, что скульптор начал его гасить. Первоначальное название – «Мечта любви, или Сладострастие» – изменено. Добавлена бронзовая змея, чтобы новое название оправдать и намекнуть на исторический сюжет – например, с Клеопатрой.
«Педантичная душа спросит: что же выражала скульптура до прибавления змеи? – пишет Готье. – Мы не будем на этот счет многословны. Скажем, например, что в женщину выстрелил Эрос золотою стрелой, каких много у него в колчане, коих боятся сами бессмертныебоги, – и она извивается от боли невидимой раны!»
Впервые искусство изобразило пик плотского наслаждения – и вынуждено маскировать академическими привязками. Ведь прошлому позволено больше, чем настоящему буржуазной Франции середины XIXвека.
Впрочем, и Огюстом скульптор назвал себя сам, по метрикам он Жан-Батист.
Теофиль Готье – его продвигатель. Художник Гюстав Курбе – друг. И соратник в деле модернизации классицизма. Подчас даже исходная натура их параллельных произведений одна и та же: «Обнаженная лежащая» Курбе повторяет позу «Ужаленной», «Вакханки» того и другого – сестры. И именно Курбе спустя почти 20 лет, в 1866-м напишет «Происхождение мира», картину, которую некоторые считают родоначальницей порнографии. Она останется в подполье более века, три года пробудет в Москве и вернется в 1948-м в Будапешт, чтобы, наконец, оказаться в начале 90-х в музее Орсэ. И опять исчезать в долгих выставочных турне…
Древние не без причины так осторожны с чувственностью, пытаясь ее придержать, усмирить, запретить, загнать в спальню с потушенными огнями (верующий еврей, например, должен исполнять супружеский долг в темноте… Маргарита Юрсенар пишет о своей бабке и ее муже, живших в конце XIXстолетия: «Думаю, они никогда не видели друг друга нагими»…) Ибо оборотная сторонабеспредельного наслаждения – жестокость.
Материалы для ваяния дороги, труд скульптора медлен. Если художники еще сводили концы с концами в 19 веке, то скульпторы без заказов и госзакупок существовать не могли. Обычна практика – показать на выставке сначала гипсовый вариант и лишь затем, получив приз или заказ, повторить его в мраморе.

      Клесенже. Автопортрет.Мрамор, 1847. Музей романтической жизни, Париж



Клесенже. Портрет Жорж Занд.Мрамор, 1847. Музей романтической жизни, Париж

     И вот Клесенже знаменит. В том же 1847-м он предложил Жорж Занд вылепить бюсты ее и Соланж, дочери. Три месяца спустя позирование привело к женитьбе ваятеля на юной девушке. Очарованная, она разорвала помолвку с солидным претендентом. Обремененный долгами скульптор надеялся на приданое, но в действительности оно оказалось меньше, чем в его воображении; как, впрочем, и само состояние знаменитой тещи, – уверяют сторонники писательницы. Он предложил... заложить ее родовое поместье Ноан и заплатить его долги. Занд оскорбилась. Произошла жуткая ссора.
«Сцены, заставившие меня выставить – нет, выбросить – их из дома, не поддаются описанию, да никто и не поверит. В двух словах: едва друг другу не перерезали глотки, мой зять замахнулся молотком на Мориса [сына Занд] и убил бы его, если б я не встала между ними, ударив зятя по лицу и получив от него в ответ удар кулаком в грудь», – писала Жорж Занд в июле 1847-го.
Молодые разошлись в 1855 году. Клесенже заподозрил (если не просто обвинил), что ребенок – дочь Жанна, Нини, – не от него, судился, не хотел, чтобы девочка досталась теще, и та, помещенная в приют, заболела и умерла. Французский суд далек от мудрости Соломонова суда, и ребенок стал жертвой этой тяжелой тупой машины. Бабушка, глубоко привязанная к внучке, до смерти не оправилась от раны утраты. Соланж, душевно искалеченная происшедшим, вела после развода беспорядочную жизнь.
   Эта вражда едва не привела к невиданной до сих пор дуэли между тещей и зятем: Занд пригрозила, что она напишет роман, в котором выведет Клесенже на чистую воду. И все его узнают, да, да, хотя имя его названо не будет! Если так, отвечал скульптор, то он изваяет Занд абсолютно голой, и все узнают ее, хотя лицо ее будет закрыто! Дуэль не состоялась.
Слух о том, что «Ужаленная» изготовлена по слепкам с живой натуры, был опасен для репутации Клесенже. Тогда этот быстрый способ практиковался ремесленниками-виртуозами. Стремясь отвести от себя подозрения, Клесенже выставляет в Салоне 1948 «Вакханку», очень похожую на «Ужаленную», но чуть большуюнатуральной величины. Мастерство скульптора подтверждено. «Вакханка» приносит ему медаль 1 класса и орден Почетного легиона, он начинает приближаться к властным кругам, что, в конце концов, повредит его артистическому темпераменту и репутации в обществе, весьма революционно настроенном в то время.

Клесенже. Вакханка.Мрамор, 1848. PetitPalais, Париж.

Вместе с Курбе его называют в наши дни основателем реализма.

«Клесенжeразрешил эту задачу – достичь красоты без всякого жеманства, напыщенности, манерности, с головой и телом, принадлежащими нашему времени, в которых всякий узнает свою любовницу, если она так же красива, – писал Готье в знаменитом обзоре. – Раздевая свою модель, он не позаботился снять с ее руки браслет, модный в этом году, – толстую цепь, запертую на замочек в виде сердечка».
Однако слава Клесенже, в отличие от Курбе, померкла. "Неоантичность" его скульптур затмило трансформативное искусство Родена и столь многих.

      Клесенже. Вакханка (фрагмент)

     С 1856 года он подолгу жил в Риме, зарабатывая писанием пейзажей. Там он познакомился с Гюставом Моро и стал приближаться к символистам. Одна из его римских скульптур хранится в музее города Мулена (деп. Алье): на черепе в царской короне сидит сова, на цоколе написано одно слово rien (ничто). А начиналось со змеи и с судороги наслаждения…

Клесенже. Ничто. (Отливка Барбедьена. Фото из интернета)
                                                                                             ***
Его последние годы связаны с Каролиной Курьер, «женщиной больших пропорций», прозванной Берт де Курьер или еще «Бертой большие ноги» (по аналогии с королевой Бертой Большая Нога, супругой Пепина Короткого). Она позировала Клесенже для «Марианны», а также для колоссальной статуи Республики на Всемирной выставке 1878. Скульптор объявил ее в завещании наследницей. Спустя три года она встретила Реми де Гурмона, и началась еще одна страница истории – теперь уже французской литературы.
Клесенже вернулся к сюжету «Ужаленной» незадолго до смерти. И какой энергией и обновленной силой дышит эти работы! Словно воскрешенный в нем эрос молодой Аполлони Сабатье, Президентши, оживил и вдохновил самого Пигмалиона… (Как не вспомнить, хотя бы в скобках, расцвет в сходных обстоятельствах другого мастера и в другом искусстве, – я имею в виду композитора Яначека!)

                                                                                   ***
Посетители музея Орсэ не увидят на «Ужаленной» бронзовую змею, о которой писал Готье. Большинство о том и не слышало, а для подтверждения названия всем вполне достаточно мраморной змейки на левой руке. Так и я ею довольствовался, пока не прочитал обзора Готье и не увидел, что это – браслет, а не жалящая змея.
Экскурсоводы не сумели ответить. Для таких случаев есть в музее отдел консультаций, где на всякий экспонат ведется дело и где полки заставлены толстыми коробками-папками. Чем знаменитей художник, чем дальше простирается его полка.

Браслет в виде змеи на левой руке "Ужаленной"

Что может быть интереснее, чем присутствовать в совещании эрудитов, тем более виртуальном, без их ведома? Ветхие листки 19 века, пожелтевшие 30 годов, новенькие – из-под современного принтера.
Итак, прежде всего: выставленная скульптура в музее Орсэ куплена Лувром в 1931 году у княгини Галицыной (Galitsine), урожденной графини де Граммон, за 45 тыс. франков. Опускаю цепочку последовательных владельцев скульптуры, – иначе придется заняться и ими. Начало выглядит так: произведение заказал скульптору Клесенже франко-бельгийский финансист Альфред Моссельман. Натурщицей должна была послужить его любовница Аполлони Сабатье, женщина-кумир того времени, о которой говорилось выше. Причем финансист настаивал на слепкахс чудесных частей тела, дабы получить как бы мраморного двойника. Слепки в то время практиковались мастерами для быстроты выполнения заказов, но подобный метод осуждался хорошим вкусом.
Аполлони не хотела подвергнуться болезненной процедуре. Некоторые исследователи считают, что до финансиста она была любовницей Клесенже, и это на основании строк в письме Шопена к своим близким. Понятен ужас прекрасной женщины: те самые руки, ее ласкавшие, накладывают теперь тяжелый слой холодного гипса! Немыслимо, невозможно… Но она покорилась желанию финансиста.
Как мы уже знаем, скульптура сначала называлась «Сладострастие» или «Мечта любви». Она была переименована в «Женщину, ужаленную змеей», чтобы намекнуть на какую-нибудь «Клеопатру» и тем самым отвести в прошлое упрек в аморализме. Была добавлена бронзовая змея. Где же она?
Оказывается, не я первый недоумевал. Вопрос стоял с 1931 года, когда Лувр приобрел произведение. Доносится эхо разговоров конца 19 века: куда же делась змея? Сложилась гипотеза, постепенно принявшая вид факта, что существовали две версии скульптуры, и одна из них – с бронзовой змеей – утрачена, а вторая – авторская копия – теперь в Лувре.


...бронзовая змея обвивала щиколоткупрекрасной женщины!

Тайну сию раскрыл правнучатый племянник Аполлони, Тьери Саватье (фамилия успела поменять бна в), живущий в Триесте. Он написал подробнейшее письмо главной хранительнице музея Орсэ Анне Пенжо, крупнейшей специалистке по французской скульптуре 19 века (таких дам в средневековых надписях называют весьма могущественными) о своем открытии, полученном с помощью простого старинного метода: он внимательно читал периодику тех лет. Не забираясь слишком далеко, в JournaldesArtistesот 28.3.1847 он в 2001 году нашел заметку самого издателя, A.H.Delaunay, о салоне 1847 и его же подробное описание скульптуры Клесенже. Секрет прост: браслет в виде змеи сработан в мраморе изначально, а позднее бронзовая змея обвила щиколоткупрекрасной женщины! Успокоив жюри, она, однако, исказила замысел, превратив судорогу наслаждения (последнее содрогание, по Пушкину) в судорогу смерти. Когда выставочные страсти улеглись, скульптор убрал змейку, но новое название, «Ужаленная», осталось, отныне мотивированное в глазах зрителей змеей-браслетом.

Вспыльчивый и эгоцентричный Клесенже навлек на себя немало бедствий, житейских и финансовых. Правда, не без основания он возбудил дело против Барбедьена, фабриканта уменьшенных бронзовых копий «Ужаленной» и других скульптур, отлитых небрежно – и тем вредящих репутации мастера. Скульптор этот суд проиграл.

Клесенже – одна из вершин искусства ваяния 19 века, и именно в мраморе. Уже в 20 годах века следующего мастерство резца клонится к упадку, резко уменьшается число профессионалов и вообще работающих с камнем. И сам подход, изменившись, способствует тому: скульптура стала абстрактной, индивидуальной и своевольной. Уже никому не придет в голову размышлять, точен ли образ, созданный, скажем, Генри Муром или Цадкиным: они не связаны и не ограничены ничем, кроме своего «я так вижу». Их скульптуры ни на что не похожи.
А Клесенже еще обложен и опутан правилами и условностями. Нужна не сопоставимая с ваятелями 20 века сила личности и таланта, чтобы достигнуть свободы выражения, преодолеть сопротивление материала – и какого! – камня, хотя, конечно, мрамор не очень-то камень… Камень тяжел и инертен, а мрамор колок и нежен.

***

Огюсту Клесенже не повезло. Он родился в 1814 году, в год смерти маркиза де Сада, и последний перетянул: музей Орсэ сейчас отмечает 200-летие кончины маркиза-эротомана, по имени которого особая склонность рода человеческого названа садизмом.

Употребляемость сей этикетки – садизм – в наше время смело соперничает с такими, как ленинизм, сталинизм (и их дополняет), но этот термин шире, он обнаруживает глубинные позывычеловека и связывает в одно понятие секс, жестокость и наслаждение. Феномен существует, вопрос лишь об удельном весе садистского в человеке. Как и всё, эта склонность в разных людях достигает разной конентрации, – от позволительного удовольствия, доставленного злой шуткой, до безумия сериального насильника и убийцы, от которого – холод в спине и волосы дыбом.

На выставке де Сада местечко для Клесенже нашлось: из соседнего зала доставлена «Женщина, ужаленная змеей» (1847), принесшая мастеру скандал и славу. В каталоге снимку скульптуры отведен разворот (все-таки юбилей), но сопроводительная заметка поверхностна и неточна.
       Сотни произведений скульптора (и художника) разбросаны по многим странам. Его работа "Меланхолия" (мрамор, 1846)
до 1917 года находилась в Эрмитаже, СПб (см. Alexander Estignard. Clésinger. Sa vie, ses oeuvres. Paris, 1900)

Клесенже. Пьета (фрагмент). Церковь Сен-Сюльпис, Париж

                      
Скульптуры Клесенже в Люксембургском саду

Клесенже. Флобер ↕




Клесенже. Луиза Савойская, регентша Франции (1476-1531). Мрамор, 1847 ↕



Клесенже и Пер-Лашез


Клесенже. Надгробный памятник Шопена.Мрамор, 1849. Пер-Лашез


Могила Клесенже (†1883). Он делит ее с Каролиной Курьер (1852-1916),
подругой конца жизни, и с писателем Реми де Гурмоном (1858-1915).
Мастер приготовил заранее скульптуру для своего надгробия,
названную "Скорбящая Электра". Ее судьба неизвестна.

Интересный и Древний прмысел,или Ковры и Восток.

October 24, 2014, 3:45 am

≫ Next: Курилова Ольга Вениаминовна. Летний сезон закончился

≪ Previous: 200 лет - Огюст Клесенже 22 10 1814 Auguste Clésinger - 200 ans

$

0

0

Оригинал взят у alloiziusbamв Интересный и Древний прмысел,или Ковры и Восток.

*
..Что собрали,при династии Пехлеви.
*
Давайте посмотрим на некоторые из них.
Самые сложные по композиции многофигурные ковры относятся, вопреки тому, что можно подумать, уже к XX в. Шахи династии Пехлеви любили аллюзии на древнеперсидские темы. Вот этот ковер из Тегеранского музея, пожалуй, представляет собой верх пехлевийской эстетики.

Некоторые детали.

А вот этот сюжет – явное следствие европейского влияния.

Если возвратиться к центральному сюжету с Ахура-Маздой, то для знакомства с данным персонажем не надо ехать в Тегеран. Замечательный образчик древнеперсидской стилизации можно осмотреть в Москве, в Музее востока.

Эта дивная вещь представляет собой воспроизведение знаменитого Бехистунского рельефа, прославляющего торжество Дария I над узурпатором Гуаматой.

Живописно попираемый ногами Гаумата поразительно напоминает западноевропейца века эдак семнадцатого…

А вот Ахура-Мазда поход на московского ассирийца-башмачника :-))) А ноги-то, ноги!!!

Еще одно многофигурное чудо на какой-то мифологический сюжет

со всякими зверями и демонами.

А это, кажется, ангелы соображают на троих :-)

Сюжеты ковров могут быть крайне разнообразными. Вот, например, нечто календарно-астрологическое.

А вот – героико-мифологическое.

Однако наиболее традиционный сюжет, абсолютно доминирующий в ковроткачестве – это Древо жизни.

Еще два более утонченных варианта.

А вот это – совершенно нетривиальное Древо жизни, законченное в 1906 г. явно по политическому заказу.

Особенно убедительно выглядит королева Виктория.

А американские президенты, похоже, воспроизводились с долларовых бумажек.

Еще один политический персонаж – знаменитый шах Аббас с его неподражаемыми усами.

А вот целая портретная галерея – кажется, это шахи династии Сефевидов, хотя я могу и ошибаться (подписи к коврам я за недостатком времени читал невнимательно).

Еще один элемент шахского наследия – гламурный лев в ковровой лавке.

Есть и более привычные русскому глазу центрические сюжеты,

выполненные с удивительным изяществом.

Чем больше узелков на единицу площади – тем качественнее ковер и тем более сложный сюжет можно изобразить.

В шахских дворцах лежат ковры с какой-то фантастической плотностью плетения – чуть ли не 180 узлов («раждей») на единицу длины (что-то около 6,4 см). Сколько времени этот ковер делали – даже страшно подумать…

Однако если Вы хотите купить ковер, то особо гоняться за сверхвысоким количеством раждей, на мой взгляд, не стоит. Главное, чтобы нравился сюжет. Мне, например, очень нравится Древо жизни. И я совсем не прочь украсить им свою резиденцию :-)

Курилова Ольга Вениаминовна. Летний сезон закончился

October 24, 2014, 3:46 am

≫ Next: "Любуясь радугой палитры, забудь о мраке и твори!" (с) Guildhall Art Gallery

≪ Previous: Интересный и Древний прмысел,или Ковры и Восток.

$

0

0

Оригинал взят у svetlyachok4в Курилова Ольга Вениаминовна. Летний сезон закончился

Картина, как нельзя лучше отражающая осень...


Курилова Ольга Вениаминовна
1971



Дипломант Московского Союза Художников.
В 1986–1990 гг. училась в Рязанском художественном училище, в 1991–1993 гг. – в Красноярском Государственном Художественном Академическом Институте.
В 1999 г. окончила Московский Государственный Художественный Институт им. В.И. Сурикова по мастерской профессора В.М. Сидорова (дипломная работа "Летний сезон закончился").
В 2002 г. вступила в Московский Союз Художников. Основными произведениями творчества Ольги Куриловой являются "Коробочка" (1999) и "Божья коровка" (2002).
Персональные выставки художника прошли в 2002 г. и 2003 г. в Москве.
Работы хранятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

"Любуясь радугой палитры, забудь о мраке и твори!" (с) Guildhall Art Gallery

October 24, 2014, 3:47 am

≫ Next: "Великие живописцы Возрождения: картины из собрания Академии Каррара в Бергамо" (Часть III)

≪ Previous: Курилова Ольга Вениаминовна. Летний сезон закончился

$

0

0

"А что же живопись? Даже в жанре портрета все великие художники, жившие в период Реформации и после нее, — Гольбейн, Ван Дейк, Лели и Неллер — иностранцы. Вы можете возразить, что большей части других видов живописи здесь не способствует климат, что там, где небо серое, и пейзажи получаются мрачными. Но если это так, то почему тот же довод не применим к Голландии, давшей миру целую когорту превосходных художников? И как бы то ни было, северный свет дает больше оттенков, чем обесцвеченная зноем Южная Европа. Ответ в данном случае, похоже, в том, что суть английской Реформации заключалась в политике, рациональности и праве выбора, а главное, в стоящем за ней религиозном воздействии состояло в поиске значения: поэтому средством выбора стало слово.
Англия породила одного потрясающего художника, который произвел целую революцию в живописи, — Тернера, но не дала ни Микеланджело, ни Рембрандта, ни Дюрера, ни Веласкеса, ни Эль Греко, ни Ван Гога, ни Пикассо."
Джереми Паксман. "Англия: Портрет народа"






Здание Гилдхолл — ратуши в лондонском Сити, в которой с XV века было сосредоточено управление городом, где проходили заседания магистрата и различных городских корпораций.
При Гилдхоле имеется библиотека и художественная галерея. Первое здание было возведено в 1885 году, для хранения предметов искусства Корпорации лондонского Сити. К сожалению, здание с находящейся в нем коллекцией было уничтожено во время бомбардировок Лондона в годы Второй мировой войны.
Современное здание галереи в псевдоготическом стиле возвели в 1999 году.










































































































В экспозиции работы мастеров викторианской эпохи, прерафаэлитов и другие.
Все собрание насчитывает около четырех тысяч работ, но одновременно выставляется только двести пятьдесят предметов.

---

"Великие живописцы Возрождения: картины из собрания Академии Каррара в Бергамо" (Часть III)

October 27, 2014, 1:06 am

≫ Next: В этот день 25 октября. Из истории Ленинградской школы живописи

≪ Previous: "Любуясь радугой палитры, забудь о мраке и твори!" (с) Guildhall Art Gallery

$

0

0

Третий, завершающий, раздел выставки «Великие живописцы Возрождения: картины из собрания Академии Каррара в Бергамо" (первые два раздела здесь http://vittasim.livejournal.com/127884.htmlи http://vittasim.livejournal.com/128125.html)  посвящен исключительно венецианской живописи Чинквеченто (XVI век), Высокого и позднего Возрождения. Здесь преобладают работы бергамских художников – Якопо Пальмы Старшего, Андреа Превитали, Джованни Баттисты Морони, а также Лоренцо Лотто и Джованни Карьяни, которые, будучи венецианцами, надолго связали свою жизнь с Бергамо.


Лоренцо Лотто. мученичество святого Стефана, 1513-1517, дерево, масло

Бергамо для мыслителя и тонкого наблюдателя Лоренцо Лотто, которого всю жизнь преследовала химера более популярного Тициана, — родной город. Лотто силился разгадать суть вещей, носителем религиозных истин считал простой народ и не принимал универсальности и всеядности других итальянских мастеров: с опаской относился к Рафаэлю и демонстративно проходил мимо работ Микеланджело.

Святой Сте́фан— первый христианский мученик, происходивший из диаспоры евреев; был привлечён к суду Синедриона и побит камнями за христианскую проповедь в Иерусалиме около 33—36 года.


Лоренцо Лотто. Положение во гроб, около 1513-1517, дерево, масло


Лоренцо Лотто «Мистическое обручение Св.Екатерины» 1523 холст, масло

Одно из самых известных полотен Лотто - «Мистическое обручение святой Екатерины». Полотно было отдано художником купцу Никколо ди Бартоломео Бонги в качестве оплаты за дом и студию рядом с церковью Сан-Микеле-аль Поццо Bianco, так как Лотто задолжал за целый год. Стоимость картины Лотто оценил в 60 дукатов, что было больше, чем аренда за год, так что Bonghi вернул разницу. Во время войны с французами пейзаж с горой Синай, или Голгофой, или вид Бергамо, открывающийся за нарисованным окном, так понравился одному из солдат, что он вырезал его из картины. По иронии судьбы, картина в это время находилась на хранении в церкви Сан-Микеле. С тех пор вместо окна на полотне - пустая плоскость, оставленная в качестве напоминания о варварстве.

Довольно распространенный в европейской живописи религиозный сюжет повествует о святой мученице Екатерине, которая родилась в Александрии. Екатерина обладала необыкновенной красотой, мудростью, хорошим характером и прочими достоинствами и однажды  объявила своим родителям, что выйдет замуж лишь за того, кто превзойдет её по всем этим качествам. Мать Екатерины, тайная христианка, отвела её к отшельнику, который поведал девушке о подобном юноше. Через некоторое время Екатерина имела видение и приняла крещение. После крещения у нее случилось новое видение: она перенеслась на небеса и предстала перед Иисусом Христом и Девой Марией, которая вручила её руку своему сыну. Иисус вручил ей свое кольцо и назвал своей невестой.

Мистическое обручение святой Екатерины происходит в домашней обстановке. На том месте, где обычно изображен Святой Иосиф, стоит хозяин дома, что являлось в те времена очень необычным для изображения донатора. Глядя прямо на зрителя и положив свою левую руку на сердце, Бонги дает знак благословения правой рукой. Лотто поместил свою подпись на боковую стенку скамеечки, которая стоит у ног Богородицы. Сложная прическа Екатерины дополняется золотой короной, украшенной жемчугом, прядь роскошно крупного жемчуга и рубиновая брошь с жемчужиной, дополняется жемчужной серьгой. Жемчуг, представляющий чистоту и целомудрие, был соответствующим символом святой. Обильные драпировки роскошных одежд Екатерины и Богородицы резко контрастируют со скоромным платьем Бонги.


Джироламо Дженга. Святой Августин совершает таинство крещения над оглашенными, 1516-1518, дерево, масло.

Работа Джироламо Дженги – «Святой Августин совершает таинство крещения над оглашенными». создавалась по заказу церкви августинцев – это часть алтарного комплекса, который оказался разрозненным во время наполеоновских войн.


Якопо Негретти, прозванный Пальмой Старшим, Мадонна с Младенцем, святым Иоанно Крестителем и Марией Магдалиной, около 1520, дерево, масло

В картинах Пальма Веккьо часто изображается пышная белокурая красавица - тип, который становится отличительным признаком живописной манеры этого художника. Якопо Пальма Веккьо был признанным портретистом и выполнял также множество работ по заказу церкви. К их числу относятся алтари с изображением Мадонны и младенца в окружении святых (композиция Sacra Conversazione). Фигуры картин Якопо Негретти, в большинстве случаев выполненные на фоне пейзажа, имеют благородный характер и одеты в широкие одежды с широкими складками.

Подобные полотна были очень популярны среди зарубежных коллекционеров в Венеции в XVII веке. Карло Ридольфи в своей книге „Чудеса искусства, или Жизнеописания наиболее знаменитых художников Венеции", опубликованной в 1648 году, дал определение этой работе художника, как требующей редких усилий («'rarissima Fatica»).
Ландшафт на заднем плане напоминает горы вокруг Бергамо.Хотя Святой Иоанн Креститель родился всего через шесть месяцев до Рождества Христова, здесь он изображен как отшельник - проповедник. Мадонна и святая Мария Магдалина изображены в характерном стиле Пальмы, - этот тип пышной, белокурой горожанки был популярным в искусстве Венеции 1-й половины 16 века. В центре композиции младенец Христос играет с алавастровым сосудом, принадлежащии Марии МагдалинеРебенок схватился за крышку, в то время, как святая пытается удержать сосуд.. Сосуд является одним из предметов страстей господних, ссылкой на помазание ног Христа Марией Магдалиной не задолго до его распятиея. Рассказ об омовении ног Иисуса миром, совершённом грешницей, есть у Луки: "И вот, женщина того города, которая была грешница, узнав, что Он возлежит в доме фарисея, принесла алавастровый сосуд с миром и, став позади у ног Его и плача, начала обливать ноги Его слезами и отирать волосами головы своей, и целовала ноги Его, и мазала миром" (Лук. 7:37-38).


Андреа Кордельяги, прозванный Андреа Первитали. Мадонна с Младенцем, святыми Павлом, Агнессой, донаторами Паоло и Аньезе Кассотти (Мадонна Касотти), 1523, холст, масло

Картина Андреа Кордельяги, прозванный Андреа Первитали. «Мадонна с Младенцем, святыми Павлом, Агнессой, донаторами Паоло и Аньезе Кассотти» имеет еще одно название – «Мадонна Касотти»),
Купец Паоло Cassotti был одним из самых богатых людей в Бергамо. Аньезе Avinatri, его вторая жена, на которой он женился в 1517 году, была из знатной семьи. Свое богатство семейство Касотти, как и многие другие семьи, нажило за счет торговли шерстью. Их торговые связи охватили не только  всю Италию, но и достигли Египта. Паоло, его брат и их родственники, построили дома на Виа Пиньоло, (улица известная в Бергамо тем, что на ней расположено много известных палаццо). Касотти были  меценатами, финансируя работы в церкви Санто Спирито,  заказывали (по крайней мере), восемь работ Лоренцо Лотто.

Полное название для этой картины - необычно, так как, кроме Мадонны и святых, указаны имена донаторов. Обычно донаторов изображали стоящими на коленях  и значительно ниже божественных персонажей.  Не смотря на то, что младенец окружен разными фигурами, только святые, изображенные без своих атрибутов, смотрят прямо на него. Нежный наклон головы Мадонны повторяется наклон головы ребенка, который благословляет св. Павла. Голова Аньезе Кассотти также наклонена, а ее супруг смотрит прямо на зрителя. Хотя на донаторах мрачная одежда, богатые золотые украшения прически Аньезе Кассотти вторят золотой вышивке  на подушке, вышивке одежды Мадонны, ореолам. Богатство одежд святых как бы подчеркивает богатство Касотти.


Джованни Бонконсильо, прозванный Марескалько. Воскресение Христа, около 1525-1530, холст, масло


Джованни Баттиста Морони. Портрет молодого человека в возрасте 29 лет, 1567, холст, масло

В России впервые представлены пять портретов Морони. В Эрмитаже есть один небольшой портрет, который не дает представления о творчестве этого мастера из Бергамо.


Джованни Баттиста Морони. Портрет девочки из семейства Редетти. 1570. Академия

Морони очень точно передал терпеливую позу, и даже усталость маленькой девочки от долгого позирования. И, в то же время в ее осанке чувствуется гордость, девочка прекрасно понимает, какое высокое положение занимает ее семья в Бергамо. Ребенок изображен без взрослых, что достаточно необычно для того времени, так как дети символизировали переход от одного поколения к другому, наследование богатства семьи или знаний. Несмотря на то, что портрет находился в собственности семьи Редетти, неизвестно, была ли девочка членом этой семьи и, также, неизвестно ее имя.


Джованни Баттиста Морони. Портрет Бернардо Спини, 1573-1574, холст, масло

Работы Джованни Баттиста Морони: портрет Бернардо Спини и портрет Паче Риволо Спини, были приобретены у последней представительницы семьи Спини, графини Martinengo Спини в 1852 году.  Портрет графини, имя которой означает «мир», был более популярен, чем портрет ее мужа, и он выставлялся чаще, в том числе – на выставках в Париже, Лондоне и других местах. Широкую известность портреты приобрели в девятнадцатом веке, когда портреты Морони покупали для коллекции Национальной галереи Лондона. Сегодня работы Морони иллюстрируют не только хрестоматии по искусству позднего Возрождения, но и учебники по истории итальянского общества.

Спини был представителем аристократической семьи из Альбино,  небольшого города, расположенного в семи милях к северу от Бергамо, в долине Сериана. (Альбино – родина Морони). Еще отец Бернардо Спини, Марк Антонио, часто делал заказы молодому Морони: фрески для дворца и для церкви Сан-Джулиано. Бернардо продолжил традицию. Бернардо Спини занимался текстильным бизнесом, работал в местных органах власти, занимался общественной деятельностью. Возможно, оба портрета висели в семейном дворце. В своем завещании Бернардо Спини признал трех сыновей, которые родились вне брака. С женой Паче Риволо Спини у Бернардо был один сын, Джованни. Одетый в черное, горделивый Бернандо Спини, сделавший состояние на производстве и продаже тканей, изображен в полный рост на холодном сером фоне — так раньше рисовали императоров. Надпись на портрете, золотом, сделанная после его смерти:"BERNARDVS SPINVS / OBYT MDCXII / ETATIS LXXVI", говорит о его долголетии: он умер в 1612 году в возрасте семидесяти шести лет.


Джованни Баттиста Морони. Портрет Паче Риволо Спини, 1573-1574, холст, масло

Паче Риволо Спини, дочь Джованни Риволо, была обручена с графом Бернардо Спини 16 ноября 1568 и принесла с собой значительное приданое 2000 экю. Возможно, портреты были выполнены в память о свадьбе, которая праздновалась первые месяцы 1569. Шикарные детали их одежды, такие, как «испанский» воротник и форма головного убора Бернардо, стали модными после 1570, поэтому последняя датировка портретов - примерно 1573 год. Надпись золотом, которая была добавлена на портрете после смерти графини: "PAX RIVOLA SPINVS / obyt 1613 ETATIS 72 ', говорит о ее долголетии: она умерла в 1613 году в возрасте семидесяти двух лет, пережив мужа на месяц.


Джованни Баттиста Морони. Потрет сидящего старика с книгой, около 1576, холст, масло

Вот что пишет (affabricatus ) : «Луч света подчеркивает руки старика…Мягкие и ухоженные - это руки человека далекого от ремесленного труда. Золотое кольцо-печатка, единственное украшение, говорит о том, что перед нами политический деятель или дворянин... Из под рукава широкого черного плаща видна лисья опушка, таким же мехом утеплен воротник. Скорее всего это домашний халат. В левой руке пожилой человек держит карманного формата книжечку. Скорее всего это не религиозная книга, иначе на ее обложке был бы изображен крест. Современники Реформации, особенно итальянцы, не упускали возможности подчеркнуть свою религиозную благонадежность, буде таковая имелась. Вероятней всего наш политический деятель читает на досуге поэзию Данте или Петрарки, возможно антиков. В любом случае, эта книжка выглядит как предмет, с которым хозяин не расстается и всегда берет с собой. Лицо становится вторым композиционным центром картины. Перед нами смуглый пожилой мужчина с ясным взглядом широких глаз из под тяжелых век и развитых бровей. Это выдает в нем привычку хмуриться и сосредоточенно читать. Выдающийся мясистый нос выдает семитское происхождение своего хозяина. Нижняя часть лица прикрыта усами и благообразной седой бородой. Выражение лица такое, какое было бы у человека, которого внезапный посетитель оторвал от чтения…Неизвестный любитель чтения очень удобно устроился в деревянном кресле с разными подлокотниками кожаной обивкой спинки с красной бахромой. ...»

http://halloart.ru/showthread.php?t=1956&p=10968#post10968
http://www.nga.gov.au/Exhibition/RENAISSANCE/Default.cfm?mystartrow=73&realstartrow=73&MnuID=3&GalID=0
http://smallbay.ru/artitaly/palma.html
https://ru.wikipedia.org/wiki/%D1%F2%F0%E0%F1%F2%E8_%D5%F0%E8%F1%F2%EE%E2%FB
http://www.gazeta.ru/culture/2014/04/30/a_6015033.shtml

В этот день 25 октября. Из истории Ленинградской школы живописи

October 27, 2014, 1:07 am

≫ Next: Времена года Валериуса де Садлера

≪ Previous: "Великие живописцы Возрождения: картины из собрания Академии Каррара в Бергамо" (Часть III)

$

0

0

Г. Савинов. Портрет художницы О. Богаевской. 1982


- 99 лет назад родилась Богаевская Ольга Борисовна (1915-2000), ленинградский живописец.

- 92 года назад родился Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991), ленинградский живописец.

- 82 года назад родился Репин Николай Никитович, ленинградский живописец, народный художник Российской Федерации, профессор ЛИЖСА имени И. Е. Репина.

- 16 лет назад умер Малыш Гавриил Кондратьевич (1907-1998), ленинградский живописец и график.





В. Тетерин. Рабочий паренёк. 1958




О. Богаевская. Портрет Рины Солуяновой. 1962




В. Тетерин. Портрет художницы Е. Антиповой. 1954




Г. Малыш. Цветущая поляна. 1969




В. Тетерин. Айва и чайник. 1966




Г. Малыш. Красные деревья. 1968




В. Тетерин. Девушка в сиреневом платье. 1979




О. Богаевская. Банки на солнце. 1981




В. Тетерин. Средне-Подъяческая улица. 1969




В. Тетерин. Туалет. 1982




В. Тетерин. Берег моря в Гурзуфе. 1986




Подробнее см.:
Календарь значимых дат и событий по истории Ленинградской школы живописи
Статьи по истории ленинградской школы живописи

Времена года Валериуса де Садлера

October 27, 2014, 1:08 am

≫ Next: Библейские сюжеты: царь Давид

≪ Previous: В этот день 25 октября. Из истории Ленинградской школы живописи

$

0

0

Оригинал взят у virginianв Времена года Валериуса де Садлера

Валериус де Садлер родился в городе Алст, в семье мыловара.

Город Алст был всегда знаменит своими луковыми ярмарками, пирогами и пивом Анжелика Кувэ.

Отец Валериуса хотел, чтобы Валеруис занялся семейным ремеслом, но увы, кончилось
все художественной академией в Генте. Заниматься искусством оказалось явно интереснее варки мыла.

В двадцать лет Валериус убегает из дома и оказывается в Брюсселе, где его взял под свое
покровительство Франц Кортенс (Franz Courtens).






Четыре года учебы в студии Франца Кортенса и поиски собственного стиля в конце концов привели художника в Синт-Мартенс-Латем, маленький городок в окрестностях Гента, который как магнит притягивал несколько поколений бельгийских художников. Вместе с ним в Латеме обосновались Жорж Минне (George Minne), Густав ван де Войстайн (Gustave Van de Woestijne) и куча другого богемного народа.

Окрестности этого городка на реке Лис были идеальны для пейзажистов, но окончательно пейзажист
проснулся в де Садлере после знакомства с работами Брейгеля старшего. По словам самого Валериуса,
Брейгель стал его другом. После этого неудивительно, что стиль пейзажей де Садлера, особенно зимних, так напоминает Брейгеля.

Зима во Фландрии



Город Алст, в котором родился де Садлер, был знаменит еще и своим очень активным рабочим
движением, искусство искусством, но де Садлер сначала стал социалистом, а потом и вовсе
анархистом, увлекшись идеями Михаила Бакунина. На бурную политическую активность не смогли
повлиять ни умиротворяющие окрестности Синт-Мартенс-Латем, ни женитьба на любви своего детства
Aalsterse Clementine Limpens. Вместе с Жоржем Минне де Садлер отправляется в Гент и пускается
во все тяжкие. Следующие несколько лет были годами выживания. Картины не покупались, неудачей
кончилась попытка завести куриную ферму.

В конце концов все возврашается на круги своя, Валериус и Клементина (Клемеке и Валлеке, как их
звали друзья) снова поселяются в Латеме и де Садлер с помощью друзей медленно начинает пробивать
свою дорогу в мире искусства участвуя в выставках и приобретая известность среди коллекционеров.
В 1901 году состоялась выставка в родном Алсте, а в 1903-ем его работы попали в парижский Салон.

Именно в это время начинает формироваться его стиль, который впоследствии назовут экспрессионистским
символизмом.


Зимние пейзажи Фландрии
















Первое латемское поколение

Hector van Houtte, George Minne, Gustave van de Woestyne, Valerius De Saedeleer






Лето, пейзажи окрестностей реки Лис





Лето, дождливый день






Весна





Летнее солнце зимой





Мельница в Тигеме




Германия оккупировала Бельгию в августе 1914 года. Через шесть недель после оккупации двое джентельменов из среднего Уэльса, юрист и борец за гражданские права, обшаривали Бельгию в компании с профессором филологии из Гентского университета. В результате их поисков была сформирована небольшая группа художников и писателей, которым было предложено убежище в Уэльсе, если они согласны бежать с оккупированной территории. Это произошло во время короткой передышки, пока германские войска не оккупировали Бельгию полностью.
Несмотря на то, что в Великобритании раздавалось множество голосов в защиту и поддержку бельгийских беженцев, кажутся экстроординарными усилия храбрецов из Уэлса в их героическом акте по спасению творческой элиты из опасной зоны.
В числе спасённых и получивших убежище на протяжении всей войны, оказались несколько музыкантов, скульптор George Minne и три художника.


Горы в Cardiganshire, Wales






Снег в Уэльсе



По возвращении из Англии Садлер поселяется в небольшой деревушке
Etikhove в Восточной Фландрии.

Вилла Tynlon, в которой он жил, была расположена на вершине холма, с которого
открывались виды на живописные окрестности. Постепенно де Садлер становится своего рода
патриархом фламандского искусства, он был постояннo окружен своими последователями,
друзьями и поклонниками.

Постоянными гостями были Edrard Tytgat, Jean Milo, Brusselmans, Felix
Timmermans, Paul Van Ostayen и много, много других.


Лето, дом на холме в Etikhove, 1926




Время они проводили хорошо, когда в 1972 году в доме делали ремонт,
под обоями оказались эротические росписи, сделанные де Садлером и его
друзями. Последующие благочестивые хозяева дома не стали их убирать и
просто заклеили обоями.





Зимний пейзаж в Aberystwyth






И снова "Снег во Фландрии", любимый сюжет де Садлера





Деревенский уголок




Jan De Cooman, Artist Valerius De Saedeleer








Валериус де Садлер, большой человек и большой художник, умер в оккупированной немцами Бельгии в декабре
1941-го, пережив до этого смерть жены и одной из дочерей.



Памятник Валериусу де Садлеру

Библейские сюжеты: царь Давид

October 29, 2014, 12:08 am

≫ Next: Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"

≪ Previous: Времена года Валериуса де Садлера

$

0

0

Оригинал взят у marinagraв Библейские сюжеты: царь Давид

Лоренцо Монако. Давид. 1408 г.

Пожалуй, во всем Ветхом Завете мы не найдем героя столь яркого и многогранного, как израильский царь Давид. В отличие от других ветхозаветных персонажей, характеры которых лишь угадываются за ёмким, но лаконичным библейским текстом, образ Давида воссоздан в древних летописях тщательно, детально, рельефно, а долгая и удивительная история его жизни пересказана подробно и неспешно (1-я кн. Царств, глава 16 – 3-я кн. Царств, глава 2).


Джиованни де Грасси. Миниатюра с изображением Царя Давида из Часослова Висконти,  Италия. 1389

Кто же такой Давид? Избранник Господа, всенародный любимец, баловень судьбы. Юный златокудрый пастушок, которого, втайне от неугодного Богу первого израильского царя Саула, венчал на царство грозный пророк Самуил. Легендарный герой, который без оружия и доспехов, уповая лишь на помощь свыше, вышел на битву с великаном Голиафом и победил его. Вдохновенный поэт, восхвалявший Господа в своих псалмах. Гениальный музыкант, который игрой на арфе излечивал мучимого душевной болезнью царя Саула. Одинокий изгнанник, вынужденный скрываться в горах от преследований обезумевшего царя. Человек, наделенный неистовой силой чувств, будь то беззаветная дружба с сыном Саула Ионафаном или страстная любовь к женщине. Неотразимый мужчина, который легко завоевывал сердца дев и замужних матрон: юной дочери Саула Мелхолы, мудрой Авигеи и прекрасной Вирсавии. Преступный властитель, который отправил на верную смерть военачальника Урию, мужа полюбившейся ему Вирсавии. Безутешный отец, оплакавший своего сына-мятежника Авессалома. Тонкий дипломат и политик, который после гибели царя Саула и его сыновей в битве с филистимлянами сумел отстоять свое право на престол, удержать его, вопреки всем интригам, и основать династию. Великий государь и военачальник, который покорил филистимлян, создал мощную державу и сделал «град Давидов» Иерусалим столицей своего государства.


Псалтырь герцога Беррийского. 1386 г.

Давид – один из немногих ветхозаветных героев, наделенных прямой речью, причем это не отдельные реплики и не отвлеченные поучения, а открытое лирическое выражение чувств. В трогательных диалогах с Ионафаном, в скорбных плачах по Саулу и Ионафану, по мятежному сыну Авессалому, а главное – в своих возвышенных псалмах во славу Господа, Давид предстает перед нами человеком благородным, благочестивым, искренним.




Фра Анжелико. Царь Давид. 1443-45 гг.

Естественно, что Давид привлекал внимание европейских художников больше, чем прочие герои Ветхого Завета. Но причины этого интереса не исчерпываются литературными достоинствами библейских летописей. Своей популярностью Давид обязан не только выразительным текстам хроник, но и Псалтыри. Псалтырь (собрание псалмов Давида) - наиболее востребованная в христианском мире книга Ветхого Завета. На Псалмы постоянно ссылаются проповедники и авторы богословских трактатов, в них ищут пророчества о грядущем пришествии Христа, они входят в состав церковных служб, имеют множество музыкальных и стихотворных переложений. Автор большинства псалмов – библейский царь Давид – на многие века стал постоянным духовным спутником верующих. Изображения Давида-псалмопевца с арфой в руках часто украшали книжные миниатюры (иллюстрации к Ветхому Завету и Псалтыри), а также каменную резьбу и витражи соборов.


Клаас Слютер. Пророк Давид. Колодец пророков в монастыре Шанмоль, Дижон. 1395-1406

Однако более всего почтительное отношение к Давиду объясняется тем, что он считается прямым предком Христа. Вера евреев в то, что грядущий спаситель - Мессия – придет из дома Давидова, была воспринята христианством. Образ Давида богословы истолковывали как предшествующее воплощение Христа, а эпизоды из жизни израильского царя – как спасительные деяния Иисуса. Так, в битве Давида с великаном Голиафом теологи видели поединок Христа с антихристом.
Кроме того, древние сказания часто обретали сугубо современный и не связанный с религиозной символикой смысл. Так было и в ренессансной Флоренции. Давид стал для флорентийцев национальным героем. В юном победителе Голиафа они видели символ своего города, который отстаивал независимость в борьбе с могущественными соседями. Читатель, конечно, сразу вспомнит главную достопримечательность Флоренции - знаменитую статую Микеланджело, но наш разговор начнется не с нее. У великолепного микеланджеловского Давида были предшественники, и знакомство с ними поможет нам лучше понять всю оригинальность замысла великого скульптора.


Донателло.  Давид. 1408 г.

Парад победителей Голиафа открывает «Давид» (1408 г.) Донателло, прославленного предшественника Микеланджело. Знаменательно, что мраморная статуя первоначально предназначалась для собора Санта Мария дель Фьоре, но в 1416 г. ее приобрела Синьория (городской совет) и установила перед своей резиденцией Палаццо Веккио (Палаццо делла Синьория). К скульптуре была добавлена многозначительная надпись: «Храбрым борцам за отечество Боги помогают против ужасных врагов».
Современному зрителю статуя, однако, вряд ли покажется убедительной. Несколько высокомерный юноша в щегольской накидке стоит в небрежной, даже манерной позе. У его ног лежит огромная голова поверженного Голиафа. Этот Давид мало похож на скромного пастушка, а тем более - на бесстрашного воителя, который метким ударом выпущенного из пращи камня убил великана, а потом обезглавил его.


Донателло. Давид. 1430 г.

Второй раз Донателло обратился к тому же сюжету в 1430 г. Впервые в итальянской скульптуре Возрождения была создана полностью обнаженная фигура. Гладко отполированная блестящая бронзовая поверхность статуи подчеркивает легкость фигуры юного Давида. Его тело кажется слишком изнеженным, даже немного женственным. Победитель Голиафа в широкополой пастушеской шляпе задумчиво смотрит на устрашающую голову, будто не сознавая совершенного им подвига. Первоначально статуя принадлежала семейству Медичи, но в 1495 г. она была установлена в одном из дворов Палаццо Веккио.


Андреа Вероккьо. Давид. 1473 г.

Близка по замыслу к этой работе и скульптура Андреа Верроккьо (1473 г.): стройная бронзовая фигура, меч в руке, отрубленная голова Голиафа у ног. Давид у Верроккьо разве что более мужественен, чем донателловский. И эта работа была, в свою очередь, куплена Синьорией у владельцев, семьи Медичи. В Палаццо Веккио образовалось уже целая коллекция произведений, воспевающих библейского героя, когда в 1504 г. на площади перед Палаццо вознесся мраморный колосс - «Давид» Микеланджело, созданный по заказу Флорентийской республики.


Микеланджело.  Давид. 1504 г.

Представим себе, что человечество должно выбрать одно-единственное произведение искусства, которое олицетворяет все лучшее, что есть в юношах Земли. Наверное, избран был бы микеланджеловский Давид. Трудно представить себе образ более притягательный: возвышенный и в то же время полностью земной, одухотворенный и одновременно чувственный, исполненный благородства и внутренней силы, зрелого мужества и юношеской решительности.
В отличие от Донателло и Верроккьо, Микеланджело изобразил не победителя, а воина-защитника, который готовится к бою. Скульптор отказался от эффектного противопоставления красивого юного тела Давида и устрашающей головы Голиафа. Отвергнув это конкретное иллюстративное решение, Микеланджело наполнил свою работу глубоким гуманистическим смыслом.


Лоренцо Бернини. Давид. 1623 г.

Давид Донателло - победитель милостью Божьей. Сам по себе очаровательный мальчик-пастух не столь уж значителен, он силен лишь как орудие Господа. При взгляде на прекрасное волевое лицо и мощную фигуру микеланджеловского Давида, становится ясно, что у этого атлета достанет собственных сил, чтобы одержать любую победу. Именно такой гордый образ Давида-борца был созвучен эпохе Высокого Возрождения с ее верой в безграничные возможности человека и очень близок молодому Микеланджело, героическому складу его дарования.


Андреа дель Кастаньо. Молодой Давид. 1430-е гг.


Тициан Вечеллио. Давид и Голиаф. 1542-44 гг.


Караваджо. Давид с головой Голиафа. 1609-10 гг.


Орацио Джентилески. Давид с головой Голиафа. 1610 г.


Гвидо Рени. Давид с головой Голиафа. 1605 г.


Доменико Фетти. Давид с головой Голиафа. 1620 г.

Битва Давида с Голиафом была излюбленным сюжетом не только для скульпторов, но и для живописцев, особенно в 17 столетии. Эпоха барокко ценила контрасты, и идея изобразить цветущего юношу с безобразной головой врага в руках представлялась художникам заманчивой. Назовем три картины Караваджо, работы Рубенса, Бернини, Фети, Рени, Джентилески, Строцци, Кастаньо, не говоря уж о менее известных произведениях.


Чима да Канельяно. Давид и Ионафан. 1505-10 гг.


Рембрандт Харменс ван Рейн. Прощание Давида с Ионафаном. 1642 г.

Отдал дань этой теме и молодой Рембрандт в многофигурной композиции «Давид приносит голову Голиафа царю Саулу» (1627 г.). Но в более поздней картине «Прощание Давида с Ионафаном» (1642 г.) перед нами предстает совсем другой Давид - не блестящий триумфатор, не славный победитель, а гонимый, доведенный до отчаяния человек. Верный Ионафан помог Давиду скрыться от гнева своего мстительного отца, царя Саула, и вот настал миг, когда он должен оставить друга в одиночестве. «И плакали оба вместе, но Давид плакал более» (1 кн. Царств, 20:41). Недвижный, словно окаменевший, Ионафан поддерживает друга мягко и бережно. Давид же обнимает Ионафана отчаянно, истово, он сломлен страхом и страданием. Мы не видим его лица, но чувствуем, что тело сотрясается от рыданий.
Примечательно, что картина Рембрандта – гимн преданности, верности, дружбе - единственная, написанная на этот сюжет. Хотя в 17 веке богословские толкования уже не имели такого влияния на умы, как в более раннюю эпоху, образ Давида-триумфатора основательно затмил прочие стороны его натуры. Показывать славного царя в тяжелую минуту жизни, когда он дал волю слезам, припав к груди друга… Это полностью шло в разрез с традицией, было не то чтобы запрещено, но не принято. Как не принято было сочувственно относиться к предшественнику Давида, отвергнутому Господом царю Саулу.


Гверчино. Саул атакует Давида. 1646 г.


Ян де Брей. Давид, играющий на арфе. 1670 г.


Эразмус Квеллинус II. Саул и Давид. Фрагмент. 1635 г.



Лукас ван Ленден. Давид играет перед Саулом. 1646 г. 

В хрониках рассказывается, что Давид часто играл для Саула на арфе. Практически все художники, которые брались за этот сюжет, в том числе и молодой Рембрандт (картина 1630 г.), изображали момент, когда Саул в приступе безумия собирается броситься или уже набросился с копьем на Давида. Но зрелого Рембрандта, вернувщегося к этому сюжету в 1650- е годы,  вдохновили другие строки хроники: «И когда злой дух от Бога бывал на Сауле, то Давид, взяв арфу, играл, - и отраднее и лучше становилось Саулу, и дух злой отступал от него». (1 кн. Царств,16:23).
Узкоплечий мальчик с чуткими пальцами сосредоточено играет перед рыдающим, обессилившим от душевной муки царем, и звуки арфы переносят обоих в некое иное измерение, где нет борьбы за власть, болезненной подозрительности, жестокости. Завтра гонения начнутся снова, и Давиду придется бежать в горы, спасая свою жизнь. Но пока звучит арфа, прилежному музыканту ничто не грозит. Вдохновенный артист и растроганный слушатель так поглощены музыкой, что все иное для них просто не существует. Рембрандт рассказывает собственно не об эпизоде из жизни Давида, а о целительной силе искусства, о минуте душевного просветления, которую переживает ожесточившийся владыка.


Рембрандт Харменс ван Рейн. Саул и Давид. 1629-30 гг.


Рембрандт Харменс ван Рейн. Саул и Давид. 1655-60 гг.

Так же, как и «Прощание Давида с Ионафаном», не имеет аналогов картина «Давид и Урия» (1665 г.), хотя история преступной любви Давида к Вирсавии, жене военачальника Урии, часто становилась темой живописи. На одних картинах запечатлен миг, когда Давид с высокой башни своего дворца случайно увидел купающуюся красавицу и воспылал к ней страстью, на других мы видим обнаженную Вирсавию с письмом Давида в руке. Закулисная сторона этой истории – неправедный поступок Давида, который тайно отдал приказ поставить Урию в самое жаркое место боя и оставить его без помощи, - заинтересовала одного лишь Рембрандта.


Рембрандт Харменс ван Рейн. Давид и Урия. 1665 г.

Необычна композиция картины. Три человека стоят спиной друг к другу, но лицом к зрителю. На переднем плане уходящий от царя Урия, вслед ему смотрят Давид и пророк Натан, который именем Господа осудил Давида и привел его к покаянию. Ни один не видит лица другого, ни один не должен скрывать свои чувства. Урия прижал руку к груди, у него вид обреченного, который только что услышал приговор. Во взгляде Давида – сожаление и чувство утраты. Он сознает свою греховность, но не в силах поступить иначе.


Ян Массейс. Царь Давид видит Вирсавию. Середина 16 в.

Эти три картины показывают нам, как свободно относился Рембрандт к сложившимся традициям в изображении событий Ветхого Завета. Для него существовали лишь собственные впечатления и переживания, только личный опыт. И это роднит его с Микеланджело. Оба великих и столь не похожих мастера не снисходили до изобразительного комментария к Библии. Непосредственный смысл сказаний был для них лишь поводом для обобщений, для зрелых и оригинальных суждений о человеке. Но парадоксальным образом именно их творения наиболее верно передают дух библейских текстов, их универсальное значение.


Чечино дель Салвати. Вирсавия идет к царю Давиду. 1552-54 гг.

В посвященном Микеланджело романе «Муки и радости» Ирвинг Стоун писал о статуе Давида: «Микеланджело стремился показать человека, в котором совместились бы множество людей, все те, кто от начала времен отваживался сражаться за свободу. Давид олицетворял для него человеческую отвагу в любой сфере жизни». То же самое можно сказать и о рембрандтовских героях – Давиде, Ионафане, Сауле, Урии. Их образы воплощают множество поколений людей: тех, кто безоглядно отдавался творчеству, тех, кто был безвинно осужден, тех, кто страдал от притеснений власти и тех, кто с риском для себя защищал гонимых, тех, кто по слабости своей грешил и тех, кто проливал слезы раскаяния, - всех нас.


Питер Пауль Рубенс. Вирсавия у фонтана. 1635 г.

Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"

November 2, 2014, 11:08 pm

≫ Next: Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"_2

≪ Previous: Библейские сюжеты: царь Давид

$

0

0

Оригинал взят у cicerone2007в Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"

Время летит быстро. Кажется, что открыли фарфоровую выставку совсем недавно. А уже и о финисаже надо думать. В длинные ноябрьские выходные приглашаю всех любителей фарфора ее посмотреть. Тем более, что этажом ниже последние дни работает выставка фарфора Владимира Яснецова "Мечта о саде".




На выставке Императорского фарфорового завода - вся история русского "белого золота"от елизаветинских времен до наших дней. В одной витрине сервизы от "Собственного Елизаветы Петровны"до сервиза "Нефть":



Вот один предмет этого огромного "стола" - воспоминание начала ХХ века о веке XVIII:



В этом же зале роскошный сервиз Нели Петровой, главного художника завода:



Ее чудесные блюда с подглазурной росписью "Окна белых ночей"украшают соседний зал, где собраны флоральные мотивы:





Чапургина со своими фарфоровыми платьями царствует в зале моды:



А это моя любимица в зале ваз. Мускулистая красавица из екатерининской эпохи:



Экспозиция построена не по скучному хронологическому принципу, а по темам. На выставке больше тысячи предметов. Есть и зал анималистики, есть и Малевич с Чашником и Суетиным. Можно полюбоваться городами и странами, театром и балетом, автопортретами художников.
Рассказываю о выставке на Эхе Москвы: http://www.echo.msk.ru/programs/apriscatole/1419954-echo/

Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"_2

November 3, 2014, 4:48 am

≫ Next: Календарь. Октябрь в средневековых циклах сезонных работ

≪ Previous: Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"

$

0

0

Оригинал взят у cicerone2007в Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"_2

Сегодня выложу еще несколько фотографий с выставки "Императорский фарфоровой завод. Диалог эпох". Использую съемку профессиональных фотографов, материалы сайта музея.
Тарелка из Бабигонского сервиза. 1823-1824 гг. Собрание Эрмитажа:




Чайник из парадного сервиза императорской яхты "Держава". 1871-1878 гг. Собрание Эрмитажа:



Еще один эрмитажный сервиз - "Первое метро в СССР". 1935-1936 гг.



А ваза "Моссовет"находится в собрании музея "Царицыно". 1954 г. Вещь в лучших традициях культовых сосудов: внизу - подземное царство, в центральной части - образ земной власти и порядка, вверху - небеса с праздничными огнями.





Опять эрмитажный сервиз - "Москва золотоглавая"Так, а не "златоглавая", ее в Ленинграде величали) Где главы - я не поняла, а вот царицынские мотивы здесь очевидны:



Под занавес ваза Т.Чариной "Айва" 2011 г.:

Календарь. Октябрь в средневековых циклах сезонных работ

November 4, 2014, 4:59 am

≫ Next: Густав Климт. «Поцелуй»

≪ Previous: Выставка в Большом дворце музея-заповедника "Царицыно"_2

$

0

0

Оригинал взят у gorbutovichв Календарь. Октябрь в средневековых циклах сезонных работ

Месяц октябрь в средневековых календарных циклах сезонных работ имел широкий диапазон визуального выражения. Это могли быть:

1. работы, связанные с виноделием, продолжают тему, активно иллюстрировавшую сентябрь;
2. сбор плодового урожая;
3. сев зерна;
4. откорм свиней – сюжет, чаще встречающийся в ноябрьских сценах;
5. и даже забой скота, больше характерный для декабря.

Зодиакальный символ месяца – Скорпион, латинский Scorpio.


The Labours of the Months. GKS 79 2°. Germany c. 1430. The origins of the Speculum humanae salvationis, "The Mirror of Human Salvation", lie in a Latin work from the beginning of the fourteenth century. Over the course of subsequent years, however, the text was frequently adapted and translated, and it came to form the basis of a rich artistic tradition. This manuscript contains a German translation that is accompanied by nearly 200 (partially incomplete) illustrated scenes, especially from the Old Testament. via

Согласно "Энциклопедическому словарю Брокгауза и Ефрона" 1890-1907 годов, октябрь на различных языках называется так: "англ. и голл. october; венгер. mindszent hava, öszhò, octóber; греч. δέκατος; дат., нем. и швед. oktober; исп. octubre; итал. ottobre; лат. mensis october; франц. octobre; церковно-слав. листопад, рюен, паздерник, грудень; древнекраинское козаперск, оброцник; древне-сербское и хорват. листопад; сербск. паздерник; хорутанск. козаперск; лужицк. вински; словин. колоперск; болгарск, паздерник; древнечешское руен; чешск. řýen; польск. пазьдзерник; малорусск. жолтень; старорусск. октоврий; великорусское народное название грязник"


2.

Октябрь древнеримский. Фрагмент римской мозаики 3 века н.э. Тунис, Эль-Джем, Археологический музей Сусса / El Jem, Archeological Museum of Sousse. Source

"Название свое получил от латинского octo – восемь, так как в древнеримском календаре был восьмым месяцем. У римлян октябрь посвящен был Марсу, которому в октябрьские иды приносилась в жертву лошадь October equus, победившая на предшествовавших конских ристалищах, также установленных в честь Марса. Различные подробности этого обряда, как выяснили Гримм и Маннгардт, во многом сходятся с общеарийским, Например саксонским, тюрингенским, земледельческим культом; сопоставление этого жертвоприношения с троянским конем ошибочно. У немцев октябрь назывался в старину Weinmonat – месяц вина. В древней Руси октябрь был восьмым месяцем, а с XV в. до 1700 г. – вторым." [Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона, статья Октябрь. Пунктуация источника чуть изменена.]

Итак, в средние века и позже октябрь изображался в разных ипостасях.

Мясное животноводство.

3.

12 век. Октябрь. Календарный цикл с изображением работ месяцев. Роспись Пантеона королей в аббатстве Сан Исидоров Леоне, крупнейший и важнейший комплекс романского стиля в регионе Кастилия и Леон, Испания. Начало 12 века или 1167-1175 / San Isidoro Panteon Calendario. Museo de San Isidoro de LeónSource

Кормление свиней.


4.

Труды месяца октября. Художник-миниатюрист Жан Пойер. Часослов, использовался в Риме, текст: латынь, около 1500 года. Кембридж, Гарвардский университет / Book of hours (use of Rome), ca. 1500. Cambridge, Harvard University, Houghton MS Typ 614, f. 10, Labors of the month and zodical sign for September/October. Authors: Poyer, Jean, active 1465-1503, illuminator. The Latin text is written in littera bastarda, with many 1- and 2-line initials and line-fillers in gold and colors. Source. По ссылке - лист целиком

Свиньи выгоняются в лес. Там с деревьев сбиваются спелые желуди и мясоносные животные с аппетитом едят их.


5.

Бревиарий Изабеллы Кастильской (1451-1504). Конец 1480-х, Брюгге / BL Additional 18851, f. 6, calendar page for October. The British Library's 'Isabella Breviary,' created for Queen Isabella of Castile (1451-1504). A breviary is a book of prayers, hymns, and other readings designed to be read daily in accordance with the canonical hours. This magnificent example was produced in the late 1480s in Bruges, with illustrations by a number of prominent artists of the time. Source

Эта календарная миниатюра октября сочетает два традиционных занятия для этого времени года. 1. На фоне осеннего пейзажа вспахивается и засевается зерном поле. 2. В нижней сцене в преддверии зимы откармливаются свиньи. Их корм – желуди сбиваются с дуба.


6.

Calendar page for October with a bas-de-page scene of a men slaughtering an ox, from the Golf Book (Book of Hours, Use of Rome), workshop of Simon Bening, Netherlands (Bruges), c. 1540, The British Library, Additional MS 24098, f. 28r. Source

Группа товарищей забивает быка на страницах знаменитой Гольф-бук, созданной около 1540 года в мастерской Симона Бенинга.

Виноделие

7.

The Labours of the Months, October. De Buz Hours. France, 1400-1450. Artist: Rohan Master. Cambridge, Harvard University, Houghton Library. MS Richardson 42. via

Сбор винограда.


8.

October & Scorpio. Book of Hours (use of Paris) - The Hague, MMW, 10 F 33. France (Paris?), Jehan de Luc (scribe); 1524. "Koninklijke Bibliotheek" - "National Library of the Netherlands" via

Виноград жмется ногами, полученное сусло разливается по бочкам.


9.

1490-1521. Октябрь. Часослов Сфорца. Британская библиотека, Лондон / 1490-1521. Book of Hours, Use of Rome (the 'Sforza Hours') The Sforza Hours. Calendar page for October, BL Add MS 80800Source

Пока простые труженники заняты работами по изготовлению вина, знать развлекается соколиной охотой. Как говорится, "Они работают, а вы их труд ядите" [из басни «Жуки и Пчелы» около 1750 г. Александра Петровича Сумарокова (1717-1777), эпиграф к сатирическому журналу Николая Ивановича Новикова «Трутень», 1769]


10.

Октябрь. Фреска из Замка Буонконсильо /Castello del Buonconsiglio в Тренто, Италия. Цикл двенадцати месяцев в Башне Орел /Торре Акуила /Torre del'Aquila написан после 1397, около 1400 года художником из Богемии Вацлавом / October - Grape harvest or vintage. Cycle of frescos of the twelve labors of the months. Location: Trento, Italy, Castello del Buonconsiglio (Bishops Castle), Torre del'Aquila (Tower of the eagle). Artist: otherwise unknown Master Wenceslas of Bohemia. Date: after 1397, round about at 1400. Dedicated to Renzo Dionigi and Ray Escámez Rivero. via

Панорама винодельческих работ на октябрьской фреске из Замка Буонконсильо в итальянском Тренто рубежа 14-15 веков.

Урожай

11.

Paris, Bibl. Mazarine, ms. 0502 - Heures à l'usage de Rome vers 1475-1499. Oktober. The harvest of the apples. Paris, Bibl. Mazarine, ms. 0502 - Heures à l'usage de Rome vers 1475-1499. Source liberfloridus.cines.fr via

Сбор яблок, около 1475-1499 годов.


12.

15 век, Париж / Horae ad usum Parisiensem, 1401-1500, manuscrit. Langue: Latin. Format: Vélin. - 190 feuillets et 4 feuillets de parchemin. - 160 × 110 mm. Bibliothèque nationale de France, Département des manuscrits, NAL 3115, f. 10r. Source

Внизу, справа от посевных работ – сбор плодов.

Полевые работы

13.

Октябрь. Великолепный часослов герцога Беррийского, 1410-1490-е. Пергамент, гуашь, акварель, позолота. 29×21 см. Музей Конде, Шантийи / Limbourg brothers or Barthélemy d'Eyck (fl. 1444-1469). Très Riches Heures du duc de Berry. Folio 10, verso. October. Musée Condé. Between 1412 and 1416 and circa 1440. via

На этой прославленной миниатюре Великолепного часослова герцога Беррийского изображен традиционный октябрьский мотив – посев озимых. Крестьянин берет зерно из своего фартука и засевает им свежие борозды. Передник наполняется зернами из мешка, стоящего на меже. Слева другой крестьянин едет на лошади, запряженной в борону с тяжелым камнем, чтобы уложить зерно поглубже. Сороки и вороны выклевывают разбросанные зерна. Птицы-вредители держатся в стороне от дальней, уже засеянной межи потому что там стоит пугало в виде лучника с натянутой тетивой. Место – поле напротив Лувра, теперь набережная Малаке. На другом берегу Сены за мощными оборонительными стенами возвышается величественный замок Лувр, заново отстроенныйКарлом V /Charles V le Sage (1338-1380). Среди новых башенных построек, показанных со множеством архитектурных деталей, теряется старинная сторожевая башня, возведенная еще во времена Филиппа II Августа (1165-1223). Вид замка представлен так, как если бы зритель смотрел на него со стороны парижской резиденции герцога Беррийского Нельского замка /Hôtel de Nesle в северном направлении.


14.

Между 1496 и 1506 годами. Часослов Хуаны Кастильской, Брюгге. Октябрь месяц / Calendar pages for October, from the Hours of Joanna of Castile, Netherlands (Bruges), between 1496 and 1506, Additional 18852, ff. 10v-11. Source

Годовой цикл полевых работ завершается. На левой странице октябрьского разворота из Часослова Хуаны Кастильской Безумной крестьяне при помощи лошади и волов распахивают поле. Над ними небо в дождевых тучах. На правой миниатюре трое мужчин сеят в поле семена. В это время женщина несет красивый металлический кувшин, который быть может заполнен продуктом прошлогоднего виноделия. В рондо вверху изображен знак  зодиака Весы, а не обычный для октября Скорпион.


15.

Часослов, богато иллюстрированный по парижской моде своего времени, сделан для епархии (диоцеза) Нанта в третьей четверти 15 века / Livre d’Heures à l’usage de Paris, copié pour le diocèse de Nantes. Place of origin: Atelier situé dans l’ouest de la France, peut-être à Nantes (France, Loire-Atlantique). Date of origin: 3ème quart du XVe siècle. Genève, Bibliothèque de Genève, Ms. lat. 33, f.010r. Source

Озимый сев из пышного парижского часослова 15 века.


16.

The Labours of the Months, October. Book of Hours. France, Rouen? Assigned Date: s. XV4/4 Searchable Date Range: 1475-1499 Cambridge, Harvard University, Houghton Library. MS Lat 250 Source

В этом часосолове всё по-честному: женщина подносит тяжелый мешок с зерном, а мужчина сеет.


17.

Астрологическо-медицинский трактат, 1459-1471 / Astrologisch-medizinische Abhandlungen. Date of origin: 15. Jahrh. (1459/71). Zürich, Zentralbibliothek, Ms. C 54, f.015r. Source

Сеятель из тракта по астрологии и медицине 15 века.


18.

14th century, middle. Franciscan Missal. Bodleian Library, MS. Douce 313, fol. 009v. Country or nationality of origin: French. Place of origin: Paris. October. Sowing. Scorpio Source

Здесь, в календаре середины 14 века под сеятелем расположился очаровательный скорпион.

Дела священные и церковные праздники

19.

The Cycle of the Months, October. Saint Paul and Saint Titus. Church personified. Sign of the zodiac: Scorpio. Apostles' Creed: Saint Simon and the prophet Ezekiel. BNF, ROTH 2529, fol. 11v. Breviary of Martin of Aragon. Spain, Catalonia 15th Century. via


20.

14 век, конец. Астрологический и церковный календарь в шести частях. Дни памяти святых и праздники в октябре / 14th century, late. Astrological and ecclesiastical calendar in six pieces. MS. Rawl. D. 939, Section 2c (verso), detail. Bodleian Library. Manuscript. Parchment. Country or nationality of origin: English. Image description: Feasts in October: St. Thomas (Cantelupe of Hereford), St. Leger, St. Francis, St. Faith (hand), St. Oswald, St. Denis, St. Ethelburga, St. Edward the Confessor, St. Michael, St. Luke, St. Frideswide. Source

Католические праздники октября из календаря конца 14 века.


21.

14 век, конец. Астрологический и церковный календарь в шести частях. Дни памяти святых и праздники в октябре / 14th century, late. Astrological and ecclesiastical calendar in six pieces. MS. Rawl. D. 939, Section 2c (verso), detail. Bodleian Library. Manuscript. Parchment. Country or nationality of origin: English. Image description: A row of saints whose feasts fall in October. St. Frideswide follows St. Luke (with his symbol of the winged bull), she is shown holding a crozier. Source


22.

Октябрь: труды месяца, зодиакальный знак и символы религиозных праздников. Медицинский и астрологический альманах, Англия, 1411-1412, пергамент, Британская библиотека / BL Harley MS 2332, f.10v. 1411-1412, A small illustrated physician's almanac produced during the time of Henry IV (r. 1399-1413). The manuscript includes Calendar with English saints (ff. 1v-13r) October (ff. 10v-11r): A man sowing seeds, and a scorpion (Scorpio). A mitre and hand-drill, representing St Leodegar (1st); a stigmatised hand holding a ferula, representing St Francis (4th); two shaking hands, representing St Faith (6th); a church, representing St Denis (9th); a mitre and a cross, representing St Wilfrid (12th); a bull, representing St Luke the Evangelist (18th); a reliquary containing the relics of the Eleven Thousand Virgins, representing St Ursula (21st); a ship, representing Sts Simon and Jude (28th). Source. По клику - лист целиком

Праздники первой половины октября.


23.

1411-1412, A small illustrated physician's almanac produced during the time of Henry IV (r. 1399-1413), 11r, detail. По клику - лист целиком

Церковные праздники второй половины октября.

Пища земная, материальная

24.

October. Scene in interior setting within decorated medallion in lower margin (bas-de-page). Morgan Library. MS M.358. Book of hours Published/Created: Provence, France, ca. 1440-1450. Notes: Book of hours ("unfinished hours"), use of Rome; calendar in French, composite, mainly Paris; written and illuminated in Provence, France, ca. 1440-1450. Artists: Barthélemy d’Eyck and the Frenchman Enguerrand Quarton; possibly a third artist of German origin, Pierre du Billant, for some of the illumination via

В заключение кухонная сцена октября. Два человека заняты приготовлением хлеба в печи. Один держит лопату, второй накладывает на нее тесто. Стол с тестом ?или с готовыми булочками? стоит перед ними. На заднем плане можно разглядеть различную утварь для выпечки.

Как видим, месяц октябрь полон разнообразными хозяйственными заботами. И духовными, конечно, тоже.


Источники и литература:
в тексте +
Словарь сюжетов и символов в искусстве. Джеймс Холл. Пер. с англ. - М.: Крон-пресс, 1996.
Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4 доп.). – СПб., 1890-1907, т. I, с. 67. Статья "Октябрь"
Роскошный часослов герцога Беррийского. Октябрь
и др.


См.также:

Календарь. Сентябрь – винный месяц
Календарь. Август в средневековье и раннее новое время. Болезненный месяц
Календарь. Июль от античности до 16 века. Римский календарь
Календарь. Месяц июнь от Древнего Рима до 16 века
Календарь. Май в картинках от античности до Возрождения
Календарь. Апрель в изображениях от античности до Возрождения
Календарь. Март в средневековых и ренессансных изображениях
Календарь. Февраль в иллюстрациях от античности до Возрождения
Календарь. Январь в средневековых и ренессансных иллюстрациях
Календарь. Декабрь в ренессансных и средневековых календарях
Ноябрь в ренессансных и средневековых календарях

---

Густав Климт. «Поцелуй»

November 4, 2014, 5:04 am

≫ Next: Хельсинки. Дом страховой компании "Похьола". 1899-1901

≪ Previous: Календарь. Октябрь в средневековых циклах сезонных работ

$

0

0

Оригинал взят у marinagraв Густав Климт. «Поцелуй»

Густав Климт. Поцелуй

1907-1908 гг. Холст, масло. 180 х 180 см

Австрийская галерея Бельведер, Вена

И дольше века длится день,

И не кончается объятье.

Борис Пастернак

В Вене «Поцелуй» сопровождает нас повсюду. Фрагменты картины стократно умножаются в витринах сувенирных магазинов и художественных салонов: они украшают часы и броши, сумочки ипортмоне, чашки и тарелки, вазы, шкатулки, записные книжки, шали… «Поцелуй» - не только лучшая картина Климта, но иодно из самых известных живописных полотен, созданных в 20-м веке.

Когда сорокашестилетний Климт написал «Поцелуй», он был уже зрелым, сложившимся, и (хотя его работы часто эпатировали чопорную публику) очень успешным мастером. Как один из основателей и лидер художественного объединения  «Сецессион» в Вене, отвергавшего традиции академического искусства, Климт был известен всей Европе. Стиль венского «Сецессиона» (аналог югендстиля в Германии, ар нуво во Франции) ассоциировался прежде всего с именем Климта.  

«Поцелуй» - очень узнаваемая и характерная для Климта работа. Мы, пожалуй,не найдем в ней мотивов, не встречавшихся в предшествующих произведениях художника. Луга, усеянные мелкими цветами, знакомы нам по его пейзажам; сложные орнаменты и позолоту мы видим во многихкрупных композицияхКлимта («Бетховенский фриз» Сецессиона, 1902, «Портрет Адели Блох-Бауэр»,1907). Почти такая же, как в «Поцелуе»,склоненная женская головка с закрытыми глазами изображена на картине «Три возраста женщины» (1905). Прелесть «Поцелуя» не в новизне, а в гармоничном согласовании всех мотивов, доведенных до пластического и смыслового совершенства, до высшей степени законченности и ясности.

Густав Климт. Три возраста женщины.
1905 г. Фрагмент

Первое, что поражает зрителя – сияние золота. Золотые капли фона, ниспадающие золотые ткани, золото стеблей и листьев- все это занимает чуть ли ни две трети полотна. Сын ювелира и гравера, получивший первые урокив отцовской мастерской, Климт всегда высоко ценил выразительные возможности золота. Путешествуя поИталии в 1903 г., художник был потрясен византийскими мозаиками Равенныв церкви Сан Витале и мозаиками собора Сан Марко в Венеции, выложенными из многоцветной смальты на сплошном золотом фоне, и в его творчестве началсянастоящий «золотой период». «Чужестранец из Византии», как его называли современники,Климт щедро использовал в своих картинах позолоту и рельеф, с ювелирной тонкостью и тщательностьюпрорабатывал каждый сантиметр поверхностиполотна, уподобляя его сверкающей мозаике.

Императрица Феодора. Мозаика в церкви
Сан-Витале в Равенне. 6 в.н. э.

Столь любимые художником цветущие луга в картинах «золотого периода» почти неуловимо меняются, уподобляясьпестрым коврам иликамешкам смальты, при этомкаждый цветок остается узнаваемым (так в «Поцелуе» по лугу рассыпаны весенние крокусы и примулы). Причудливые орнаменты просторныходежд довершают ощущениевизантийской пышности, узорчатости. Одновременно художник парадоксальным образомдостигает в «Поцелуе» далеко не всегда свойственного ему лаконизма: пустота золотого фона, цветущий луг, мужчина и женщина, спеленатые узорными тканями, и ничего больше… Природа этой выразительности близка японской гравюре укиё-э, которой, как многие европейские художники того времени, увлекался Климт.


Судзуки Хуранобу. Гравюра укиё-э. Середина 18 в.

«DergoldeneKuss– dieIkonedesJugendstil» («Золотой поцелуй – икона югендстиля»), - читаем мы в проспекте галереи Бельведер. Сопоставление обязывающее, но верное:  эта картина медитативна, торжественна и возвышенна, как молитвенный образ. Где находятся влюбленные? Золотистые капли фона подобны звездам, а круто обрывающийся у ног женщины луг кажется то ли закруглением самой планеты, то ли краем звездной бездны. Они остались вдвоем во Вселенной, на земле, во всем мире.

Коленопреклоненная женщина с нарочито крупными ступнями и похожими на древесные корни пальцами ног словно вырастает изцветочной вязи. В ее одеянии повторяются мотивы волнистой линии, круга и овала, венчики цветов складываются в округлые «букеты». В одежде мужчины главенствует более строгая и энергичная геометрия – черные и белые вытянутыепрямоугольники. Золотой рельефный покров, обволакивающий обнявшуюся пару, испещрен любимыми орнаментальными фигурами Климта – так называемыми «микенскими спиралями», характерными длявазописи античных Микен, искусством которых восхищался художник.

Густав Климт. Древо жизни. 1905 - 1911 гг.

Присмотревшись, мы замечаем, что золотые «островки» спиралей есть и на плаще мужчины, внутрь прямоугольников помещены «женственные» струящиеся линии, а в одеянии женщины присутствуют светлые квадраты. Если мы вспомним, что круг и узкий прямоугольник – древнейшие символы женской и мужской сексуальности, то смысл этой игры орнаментов станет ясен: орнаментальные мотивывзаимопроникают, как мужскоеи женскоеначала, азнаком их единения становится спираль -древнейший символ жизни. (Такая же спираль - основной мотив панно «Древо жизни», написанного Климтом в 1905 - 1911 гг. для виллы Стокле в Брюсселе).

Интерес художника к архаической символике связан с влиянием на него взглядов властителя умов тогдашней Вены Зигмунда Фрейда, который открыл современникам, что бессознательное говорит с человеком на языке символов. К счастью, Климт не просто отдал дань фрейдизму, но сумел с завораживающей пластической убедительностью воплотить в прихотливых орнаментах «Поцелуя» идею соединения строгой мужественности с нежной женственностью. Перекличка взаимопроникающих орнаментов, увитый спиралями покров, объединяющий фигуры и словно заключающий их в овальную капсулу, в золотое яйцо- все это и без фрейдистских аналогий убеждает зрителя: происходящее на картине - начало творения, таинство, делающее человека равным божеству.

Густав Климт. Поцелуй.
Фрагмент

Мы недаром так много говорим об одеяниях влюбленных. «Поцелуй», наверное, самое целомудренное произведение Климта. Художник, многие полотна и рисунки которого заполняют обнаженные женские фигуры, изображенные в весьма смелых позах, и который не раз шокировал современников пряной чувственностью своих работ,написал любовную сцену, не только не обнажив, но старательно задрапировав героев. Свой излюбленный прием – объемную моделировку открытых частей тела на плоском орнаментальном фоне – он доводит в «Поцелуе» до крайности: две головы, кисти мужских и женских рук, ступни женщины – вот все, что нам открыто и, несмотря на яркое богатство орнаментики, неустанно приковывает наш взгляд.

В своих композициях (исключая, конечно, портреты) Климт редко сосредоточивается на лице: для него важнее поза, жест. Так и в «Поцелуе»: стоящая на коленях женщина с самозабвенно откинутой к плечу головой и закрытыми глазами – олицетворение покорности и вместе с тем отрешенности, почти религиозного экстаза.Мы не видим лица мужчины, но в решительном наклоне его головы, в трепете чутких пальцев, касающихся лица подруги, ощущается вся сила нарастающей страсти.

Густав Климт. Портрет Эмилии Флёге. 1902 г. Фрагмент

Картина считается автобиографичной: большинство исследователей улавливает в лице женщины сходство с возлюбленной Климта Эмилией Флёге. Роман живописца с Эмилией Флёге, известной художницей-модельером, продолжался 27 лет и, несмотря намногочисленные увлечения любвеобильного Климта, стал главным в его жизни. Конечно, было бы слишком прямолинейным отождествлять мужскую фигуру с автором картины, но, несомненно, глубоко личное переживание художника питает эту работу.

Женское начало представлено в «Поцелуе» мягким и жертвенным, что для Климта необычно. Образы сильных женщин-властительниц («Афина Паллада»,1898, «Нагая истина»,1899) и роковых красавиц, подавляющих и губящих мужчину («Юдифь I»,1901, «Саломея» или «Юдифь II»,1909), гораздо чаще встречаются в его произведениях. В «Поцелуе» мужское и женское начала не воюют, но примиряются, сливаясь воедино.

Густав Климт. Юдифь 1. 1901 г.

«Поцелуй» можно назвать «формулой любви»: многие веками хранящиеся в памяти человечества метафоры нашли в этой картине простое и точное пластическое выражение: золотое сияние счастья, цветущая земля, ставшая для влюбленных раем, Вселенная, в которой нет никого и ничего, кроме этих двоих, мгновенье длинною в вечность…

Своим целомудрием и искренностью картина сразу же завоевала сердца взыскательной венской публики. Ею были покорены и те, кто преждеупрекал Климта в «болезненном эротизме» и «манерности». Судьба «Поцелуя» сложилась счастливо: на выставке 1908 года картину ждал триумф. Экспозиция еще не закрылась, а она уже была куплена Современной галереей (впоследствии Австрийская галерея Бельведер), и с тех пор мы не перестаем восхищаться этимдлящимся уже больше столетия объятием.  

Хельсинки. Дом страховой компании "Похьола". 1899-1901

November 4, 2014, 5:05 am

≫ Next: Лукас Кранах в Будапештском музее изящных искусств.

≪ Previous: Густав Климт. «Поцелуй»

$

0

0

Одним из самых значимых зданий финского северного модерна безусловно является дом страховой компании "Похьола" (Алексантеринкату, 44).

Далее в моем блоге...

Лукас Кранах в Будапештском музее изящных искусств.

November 5, 2014, 12:07 am

≫ Next: Фарфор в ночи

≪ Previous: Хельсинки. Дом страховой компании "Похьола". 1899-1901

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Шедевры в Будапештском музее изящных искусств. Лукас Кранах

В будапештском музее хранится большое собрание картин Лукаса Кранаха - немецкого живописца и графика эпохи Ренессанса, в том числе восемь его подлинных, т. е. подписанных им самим, работ. Часть из них - "Обручение Святой Екатерины", "Христос и грешница", "Неравная пара", "Влюблённый старик", "Влюблённая старуха" попали в музей из будайского замка, а раньше были одни в Пресбургском дворце, другие в Венском императорском собрании. Кранах - один из представителей великого поколения мастеров немецкого северного Ренессанса.
Лукас Кранах, сын художника Ганса Мюллера, родился в саксонском городе Кронахе Верхней Франконии (северная часть нынешней Баварии), откуда и получил своё прозвище. Живописи обучался у своего отца. Усвоив основы ремесла, молодой художник покинул родительский дом. В молодости он работал в Вене и примыкал к так называемой  дунайской школе, на развитие которой оказал влияние. В 1505 году по приглашению саксонского курфюрста Фридриха Мудрого он переехал в Виттенберг, где в качестве придворного художника выполнял разнообразные заказы. Кранах оставил значительное графическое наследие. Судя по эпитафии на его могиле, он очень быстро работал, но всё же такое множество работ он мог создать только с помощью большой мастерской, сыновей и учеников. Кранах Старший сделал головокружительную карьеру. Начинал как безродный художник, а в итоге стал одним из богатейших и уважаемых горожан, дважды избирался бургомистром, женился на богатой невесте и был всячески облагодетельствован своим господином, курфюрстом Фридрихом Мудрым. Кранах был сторонником Реформации: он занимался иллюстрированием протестантских памфлетов, несколько раз писал портреты своего друга Лютера  (христианского богослова, инициатора Реформации, именем которого названо одно из направлений протестантизма), а также финансировал издание Библии,  которую Лютер перевел на немецкий язык.

1. Помимо алтарных образов  в религиозных композициях, Лукас Кранах писал мифологические сцены, нравоучительные жанровые композиции и портреты.




2. По необыкновенной тонкой отделке и свежему колориту из серии будапештских произведений Кранаха выделяется картина "Обручение Святой Екатерины", выполненная около 1516 года. Изящество фигур, тонко написанный пейзаж, настроение сказочности делают эту работу одним из самых изысканных произведений Кранаха. Картина подписана внизу слева знаком с изображением дракона.


Лукас Кранах Старший, 1472-1553. Обручение Святой Екатерины Александрийской

3. Всей своей жизнью Лукас Кранах осуществлял протестантский идеал трудолюбия и благочестия. Он вел здоровый и благочестивый образ жизни, прожил 81 год, что в XV-XVI веках было большой редкостью. Кранах был настоящим законодателем стиля жизни Германии XVI века: расписывал стены в замке, оформлял торжества и турниры при саксонском дворе, создавал эскизы костюмов знати, гербов, мебели, рисунки для украшения шлемов, щитов, парадного оружия. Кроме этого, художник писал картины на нравоучительные сюжеты. Образцом таких картин могут служить два будапештских произведения "Влюблённый старик" и "Влюблённая старуха", в которых высмеиваются человеческие пороки.


Лукас Кранах Старший. Влюблённый старик, 1522

4. Парный сюжет к картине "Влюблённыё старик" - "Влюблённая старуха".


Лукас Кранах старший. Влюблённая старуха, 1520-1522

5. Лукас Кранах занимает особое, и довольно неоднозначное, место в живописи немецких мастеров. Причиной тому послужили его непостижимая производительность и поразительная скорость работы. За ним закрепилась слава хорошего живописца милых, но поверхностных картин. Также он был известен как владелец мастерской, выпускавшей добротные портреты и изображения обнажённых красоток под тем предлогом, что это античная классика.
Примером может служить картина, на которой изображена Лукреция Романа в прозрачных одеждах. Лукреция - одна из главных героинь свержения династии Тарквиниев и ликвидации монархии в Риме. Жена царского племянника Тарквиния Коллатина покончила жизнь самоубийством, после того как сын царя Секст совершил над ней насилие. В литературе и изобразительном искусстве она навечно осталась символом человеческой доблести, не покоренной тиранией. Во многих версиях этой истории Лукреция символизирует Рим (Родину), а насильник Секст Тарквиний — образ тирана (врага).


Лукреция Романа, середина XVI века

6. Картина "Саломея с головой Иоанна Крестителя" - одно из характерных для творчества Кранаха изображений красивых и элегантных дам. Художник и его мастерская не справлялись с выполнением заказов на их исполнение - столь велик был спрос. При том что менялись имена красавиц и предметы в их руках, игравшие роль атрибутов, благородно сдержанное выражение лиц, как у Саломеи, оставалось постоянным. Саломея на этой картине имеет большое сходство с конкретным лицом - герцогиней Сидонией фон Саксен, на что указывают некоторые немецкие искусствоведы.
Саломея (5/14 - между 62/71) - иудейская царевна, дочь Иродиады и Ирода Боэта, падчерица Ирода Антипы; впоследствии царица Халкиды и Малой Армении, один из персонажей Нового Завета. В Евангелие рассказывается о том, что танец юной Саломеи на праздновании дня рождения Ирода Антипы очаровал его так, что он согласился выполнить любое её желание. Будучи научена своей матерью Иродиадой, Саломея потребовала убить пророка Иоанна Крестителя, и ей была принесена на блюде его голова. В православной иконописной традиции сюжет известен под названием "Усекновение главы Святого Иоанна Предтечи".


Саломея с головой Иоанна Крестителя, 1530

Фарфор в ночи

November 6, 2014, 11:35 am

≫ Next: Царское село. Кухня-руина. 1785-86

≪ Previous: Лукас Кранах в Будапештском музее изящных искусств.

$

0

0

Оригинал взят у cicerone2007в Фарфор в ночи

Вчерашняя "Ночь искусств"в Царицыне была посвящена фарфору. Я захватила с собой фотоаппарат, чтобы, как обещала, порадовать друзей из других городов и стран дополнительными картинками с выставки. Москвичам сообщаю, что три поста на тему "Императорский фарфоровый завод. Диалог эпох"ни с выставкой, ни с каталогом соперничать не могут. Там тысяча предметов!
Начну с сервиза для дворца "Коттедж":





Он очень естественно смотрится в московском неоготическом дворце.





Эта тарелка со сливами из Гербового сервиза современница коттеджных:



Чудесная чашечка из Пурпурового сервиза Царского села. Ностальгия начала ХХ века по веку XVIII:



Рядом с Пурпуровым сервизом расположилась черно-белая фарфоровая графика Чехонина. Сервиз "Роза и гвоздика":



Очень красив кобальтовый сервиз Кобылецкой 1923 года:





А сервиз Воробьевского живет в зале, посвященном театру:



Роскошная ваза Нели Петровой "Пинии Рима"из флорального зала:





Анималистической скульптуре вчера был посвящен концерт "Карнавал животных"в атриуме Хлебного дома.





Следующий концерт на тему выставки состоится 8 ноября и называется он "Прекрасная Венеция": http://www.tsaritsyno-museum.ru/ru/concert/detail.php?ELEMENT_ID=5148
Думаю, что эмблемой его станет блюдо Галины Шуляк:



Закончить рассказ о вчерашней прогулке хочется ирисами. Сначала на огромной вазе Чапургиной:





А под занавес на нежнейшей вазе эпохи модерна:



Предыдущие посты:
http://cicerone2007.livejournal.com/95351.html
http://cicerone2007.livejournal.com/95720.html

Царское село. Кухня-руина. 1785-86

November 6, 2014, 10:56 pm

≫ Next: Художник Дмитрий Маевский. Живопись 1950-1980-х

≪ Previous: Фарфор в ночи

$

0

0

Один из самых любопытных павильонов Екатерининского парка в Пушкине - Кухня-руина.

Далее в моем блоге...