Рафаэль в Москве

August 27, 2016, 4:09 am

≫ Next: Ларец со сказками - Русская классика - Сказка о золотом петушке

≪ Previous: Свидание на троих

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Рафаэль в Москве

Новость из мира искусства


Рафаэль Санти. Фрагмент работы "Мадонна Грандука", 1504, Палаццо Питти, Флоренция

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина представит в сентябре первую в России выставку нескольких шедевров Рафаэля Санти. Выставка откроется 13 сентября и продлится до 11 декабря 2016 года. Одиннадцать произведений одного из величайших мастеров итальянского Возрождения - восемь картин и три графических листа, из итальянских музейных собраний, в том числе из галереи Уффицы, будут показаны в Москве.
Организаторы, несмотря на небольшое количество произведений на выставке, постарались подобрать их таким образом, чтобы максимально полно отразить разные периоды творчества Рафаэля.

В паре с наброском покажут "Мадонну с младенцем (Мадонну Грандука)" из галереи Уффици, написанную вскоре после переезда Рафаэля во Флоренцию и относящуюся к раннему периоду его творчества. Считается, что в этой картине особенно явственно прочитываются связи с манерой Леонардо да Винчи, а известно о ней стало в конце XVIII века, когда директор галереи Уффици Томмазо Пуччини сообщил правителю Тосканы, великому герцогу Фердинанду III Лотарингскому, о возможности приобрести работу Рафаэля. Тот был настолько впечатлен картиной, что разместил ее в своей спальне, так она стала "Мадонной великого герцога".


Рафаэль Санти. Мадонна Грандука,1504

Галерею портретов откроет небольшой "Автопортрет" Рафаэля, который он написал в возрасте 23 лет, а продолжат парадные портреты Аньоло Дони и его супруги Маддалены Строцци, портрет Элизабетты Гонзага (все из галереи Уффици) и женский портрет, известный как "Немая" из Национальной галереи Марке (Урбино).


Рафаэль Санти. Автопортрет, 1504−1506



Рафаэль Санти. Портрет Аньоло Дони, 1506



Рафаэль Санти. Портрет Маддалены Дони, 1506



Рафаэль Санти. Портрет Элизабетты Гонзага, 1505



Рафаэль Санти. Женский портрет (Немая), 1507

В ГМИИ представят и две алтарные работы художника - картину "Святая Цецилия", которая была выполнена для церкви Сан-Джованни-ин-Монте в Болонье (ныне находится в Национальной пинакотеке, Болонья) и "Голову ангела" - одну из трех сохранившихся деталей алтаря "Коронация святого Николая", заказанного Андреа Барончи для своей домашней капеллы церкви Сан-Агостиньо в Читта-де-Кастелло. Она датируется 1501 годом и является самой ранней работой Рафаэля на московской выставке, в то время как "Святая Цецилия", напротив, - самой поздней.


Рафаэль Санти. Экстаз Святой Цецилии, 1517



Рафаэль Санти. Святая Мария Магдалена, фрагмент алтаря "Экстаз Святой Цецилии"

"Ангела" привезут из Художественной галереи Тозио Мартиненго в Брешии.


Рафаэль Санти. Ангел,1501

В 2020 году во всем мире будет широко отмечаться 500-летие со дня смерти Рафаэля Санти. Выставка в ГМИИ им. А. С. Пушкина станет первой в череде знаменательных событий, приуроченных к этой дате. Подготовка выставки Рафаэля проходит под патронажем посольства Италии в РФ и лично посла Чезаре Марии Рагальини.
"Вряд ли что-то подобное этой выставке мы сможем повторить в ближайшие пять лет, некоторые из картин никогда не покидали пределы Италии. Мне кажется, что по научному уровню выставка будет крупнейший и важнейшей выставкой Рафаэля во всем мире. Она станет важным этапом в нашей культурной дипломатии в России", - сказал посол Италии в РФ Чезаре Мария Рагальини.

Ранее лишь немногие работы художника экспонировались в ГМИИ им. А. С. Пушкина в рамках различных выставок. В 1989 году в ГМИИ выставлялась "Донна Велата" Рафаэля Санти из собрания Галереи Палатина (Палаццо Питти, Флоренция). В 2004 году это полотно вновь привозили в Москву в рамках выставки "Италия - Россия".


Рафаэль Санти. Донна Велата (Женщина под покрывалом, портрет Форнарины),1516

В 2011 году Пушкинский показывал "Даму с единорогом" из галереи Боргезе в Риме.


Рафаэль Санти. Дама с единорогом, 1504

В России хранятся две ранние картины Рафаэля, обе - в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге.


Рафаэль Санти. Мадонна Конестабиле. 1502-04



Рафаэль Санти. Святое семейство (Мадонна с безбородым Иосифом), 1506

По материалам ТАСС и сайта ГМИИ им. Пушкина

---

Ларец со сказками - Русская классика - Сказка о золотом петушке

August 29, 2016, 5:19 am

≫ Next: Ида Рубинштейн - не у Серова

≪ Previous: Рафаэль в Москве

$

0

0

    

Иван Яковлевич Билибин - эскизы костюмов к опере "Золотой петушок"


Художественный талант Билибина ярко проявился в его иллюстрациях к русским сказкам и былинам, сказкам Пушкина, а также в работах над театральными постановками. Билибин был художником премьерного спектакля оперы Николая Андреевича Римского-Корсакова "Золотой петушок", состоявшегося 24 сентября 1909-го года в Москве в Оперном театре Сергея Зимина. К сожалению, Римский-Корсаков до премьеры своей последней оперы не дожил.


Смотреть далее

Ида Рубинштейн - не у Серова

August 30, 2016, 3:06 am

≫ Next: Парацельс на картине Виллема ван Хахта

≪ Previous: Ларец со сказками - Русская классика - Сказка о золотом петушке

$

0

0

В роли святого Себастьяна, 1911.









Рисунок Л. Бакста (1915), был подарен им Дягилеву, но потом Дягилев, рассорившись с Идой, вернул его обратно.



Еще у Леона Бакста:



Его эскизы костюмов:

как Клеопатра



как Елена Троянская



Cвятой Себастьян



Федра



Иштар
(за работой над этим балетом Бакст и умер)



Жак Эмиль Бланш. Портрет в роли Шахерезады, 1922






Жорж Барбье. В "Шахеразаде", с Нижинским




У художницы Ромейн Брукс
"Весна"











Антонио де ла Гандара



фото в знаменитом танце покрывал



А вообще она была вот такая

Парацельс на картине Виллема ван Хахта

September 5, 2016, 8:38 am

≫ Next: Альды

≪ Previous: Ида Рубинштейн - не у Серова

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Парацельс на картине Виллема ван Хахта

Виллем ван Хахт(1593-1637). Галерея Корнелиса ван дер Геста, 1630. Национальная галерея Шотландии

Интересно рассматривать картины Виллема ван Хахта с изображением кунсткамер, всегда найдёшь или шедевры живописи, или знаменитых исторических персонажей.О двух его картинах я уже рассказала, а в Национальной галерее Шотландии хранится ещё одна из трёх самых известных его картин. Она чаще всего упоминается под двумя разными названиями. Одно из них - "Коллекция Корнелиса ван дер Геста с Парацельсом". Действительно, на картине слева в красной шляпе изображён великий реформатор медицинской науки и практики - Парацельс.
Картина была написана в 1630 году. К этому времени Парацельса уже не было в живых, но художник Квентин Матсейс написал за 100 лет до этого прижизненный портрет Парацельса, вот Виллем ван Хахт и воспользоваться этим изображением.


Квентин Матсейс (1456/1466-1530). Парацельс

Настоящее имя медика и алхимика Парацельса - Филипп Ауреол Теофраст Бомбаст фон Гогенгейм (1493-1541). Его псевдоним означает - выше Цельса, древнеримского энциклопедиста и знатока медицины I в. до н. э. Швейцарец по происхождению Парацельс скитался почти по всей Европе в качестве практикующего врача, общаясь с народом, изучая целебные источники, травы и минералы. Свои сочинения Парацельс писал не по-латыни, а исключительно на немецком языке. Историческое значение работ Парацельса заключалось в сближении медицины и химии, в тенденции преодоления алхимии изнутри. Сам Парацельс ввел в практику ряд химических медикаментов и подверг критическому пересмотру идеи древней медицины.
Философские взгляды Парацельса, изложенные им во многих трудах, кажутся сейчас очень справедливыми: между природой и человеком должна существовать гармония. Необходимым условием создания разумного общественного строя являются совместный труд людей и их равноправное участие в пользовании материальными благами. Человек, считал Парацельс, образован духом, душой и телом. Нарушение взаимного равновесия главных элементов ведет к болезни. Задача врача - выяснить отношение между основными элементами в теле больного и восстановить их равновесие.

Второе название картины Виллема ван Хахта связано с полотном Антониса ван Дейка, стоящим в центре галереи на полу -"Галерея Корнелиса ван дер Геста с Мистическим обручением Святой Екатерины". Оно было написано в 1630 году и сейчас хранится в Королевской колекции Великобритании. Этот сюжет христианской религиозной живописи известен с XIV века. Встречается на картинах многих европейских живописцев. Святая Екатерина изображается обменивающейся обручальным кольцом с Иисусом Христом, что символизирует её духовную связь c ним и то, что она стала «невестой христовой» (мистический брак).


Антонис ван Дейк (1599-1641). Мистическое обручение Святой Екатерины, 1630. Королевская коллекция Великобритании

Ещё несколько шедевров живописи изображены на картине. Один из них - Венера, завязывающая глаза Амуру Тициана, созданный около 1560 года, вероятно, как подарок к свадьбе. Три девушки на картине предстают в виде Граций. Венера олицетворяет красоту, Диана с луком олицетворяет Целомудрие, девушка с обнаженной грудью - Сладострастие. За спиной Венеры, узнаваемый по черным крыльям, Антэрос - бог отрицания любви. Он нашептывает что-то Венере, собирающейся завязать повязку на глазах Амура - его младшего брата. Картина из собрания Галереи Боргезе в Риме.


Тициан (1490-1576). Венера, завязывающая глаза Амуру, около 1559-1561. Галерея Боргезе, Рим

Картина Корреджо Венера и Амур, за которыми подглядывает сатир (около 1528), была заказана Федериго Гонзага (1500-1540). В XVI столетии в аристократической среде подобные полотна приобрели большую популярность. После "мрачного" Средневековья тяга к жизни и ее удовольствиям вспыхнула с новой силой, и удовольствия потребовалось облечь в изящную и пристойную форму. Античная мифология представляла живописцам множество благовидных предлогов для изображения обнаженной натуры.


Антонио де Корреджио (1490-1534). Венера, купидон и Сатир, 1524-1527. Лувр, Париж

И ещё одно интересное полотно, написанное совместно Рубенсом и его учеником Ван Дейком. На картине изображён Муций Сцевола - легендарный римский герой, пытавшийся убить Ларса Порсену, царя этрусского города Клузия, который осадил Рим в 509 до н.э. Сцевола пробрался в шатер Порсены, но по ошибке убил царского писца. Сцеволу схватили, и тогда он объявил Порсене, что он – лишь первый из 300 римских юношей, поклявшихся ценою своей жизни убить Порсену. Когда герою стали угрожать пыткой и смертью, если он откажется раскрыть все детали этого замысла, Сцевола протянул правую руку в разведенный на алтаре огонь и держал ее там, пока она не обуглилась. Отвага римлянина так поразила Порсену, что его отпустили, и Порсена заключил с Римом мир.


Петер Пауль Рубенс (1577-1640) и Антонис ван Дейк (1599-1641). Гай Муций Сцевола перед царем Порсеном. Музей изящных искусств, Будапешт

Альды

September 9, 2016, 3:56 am

≫ Next: Пенаты Репина

≪ Previous: Парацельс на картине Виллема ван Хахта

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Альды

Что такое Альды?
Альды - легендарная венецианская издательская фирма, созданная в 1494 году Альдо Мануцием.
Чем знаменито это старейшее издательство?
Если коротко, то главное в том, что семейное предприятие Альдов открыло новую эпоху в издательском деле. Альдо Мануций одним из первых создал именно издательство со штатом корректоров и редакторов. Книги этого издательства, известные всем библиофилам под названием альдов, до сих пор остаются великолепными образцами книжного дизайна и качества изданий. Популярность уникальных альдин - книг малого формата, выходивших традиционным тиражом в 275 экземпляров, заставила издателей принять меры, защищающие их от подделок. Альды первыми начали ставить на книгах свой издательский логотип и рассылать каталоги с изображением книг и ценами на них. В альдинах впервые появился наклонный курсивный шрифт. С 1501 года Альдо Мануций начал применять курсив, взяв за образец почерк писцов папской канцелярии. Благодаря своему изяществу, выверенным пропорциям, простоте набора и красоте шрифтов, эти книги считаются шедеврами книгопечатания эпохи Возрождения.


Portrait of Aldus Manutius.Венецианский издатель и типограф, ученый-гуманист (ок. 1450-1515)

Альдо Мануций родился около 1450 года в Бассиано, близ Рима. К своему родовому имени Manucci он добавлял впоследствии Romanus (римлянин). Рим он считал своим первым университетом. Вторым университетом Альдо стала Феррара (1475). В связи с осадой Феррары французами Карла VIII Альдо нашел убежище в Мирандоле, в замке князей Пикоди Мирандола. Около 1485 года Альдо стал наставником юных князей Альберто и Лионелло ди Карпи. Таким образом, прежде чем стать издателем, Альдо был педагогом и даже составителем греческой и латинской грамматик. Впоследствии он издал их. Получив от принца Карпи деньги на открытие типографии для издания античных трудов, в 1490 году основал в Венеции Aldinne Press. Венеция была избрана, потому что здесь нашли прибежище многие образованные греки, бежавшие из Византии от турецкого нашествия. Среди них Альдо находил нужных ему помощников - редакторов и комментаторов греческих текстов, наборщиков и корректоров для своей типографии.
Первая и, может быть, главная заслуга Альдо-издателя в том, что, последовательно проводя в жизнь намеченную программу, он умел доводить эти замыслы до конца. Закончив в 1498 году капитальное издание сочинений Аристотеля на греческом языке (5 томов), Альдо приступил к публикации произведений создателей литературного итальянского языка - Петрарки, Данте, Полициано, Бембо. Продолжал публикация греческих текстов. Наиболее знаменито из этих греческих изданий собрание сочинений Аристотеля.


Разворот из сочинений Аристотеля,1495-98 (Libreria antiquaria Pregliasco, Турин)

Вторая заслуга Альдо Мануция в том, что он, не будучи сам печатником, непрестанно заботился об улучшении чисто типографической стороны дела.




В 1499 году Альдо Мануций выпустил роскошное иллюстрированное издание "Гипнэротомахию Полифила". Примечательна верстка книги - каждый разворот представляет сложную композицию. Один из текстов книги был набран нарочито небрежно, словно в попытке передать взволнованные чувства героя. Такой приём предвосхищает книжные эксперименты XX века, начатые Аполлинером и Маринетти.


Разворот первого издания. На левой странице изображение триумфа Вертумна и Помоны, на правой - Полифил встречается с Эвклелией (Вечным Блаженством)

Концевые полосы набраны в форме косынок, кораблей и чаш. Иллюстрации выполнены в виде ксилографий, текст надписей иногда впечатан отдельно поверх иллюстрации.


Триумфальный разворот с последовательными иллюстрациями и набором текста "косынкой"

Что же представляла собой венецианская типография Альдо Мануция?
Дом Альда был издательством, имевшим собственную типографию. Задумав основать свое издательское дело, Мануций  не нашел никаких типографских материалов. Обо всем надо было позаботиться самому. Начиная с типографских литер, без которых нельзя было начать печатание. Но он умел находить нужных людей. Все шрифты, которыми пользовался в своей типографии Альдо Мануций, были созданы по его заказу и специально для его типографии одним из первых и самых выдающихся профессиональных гравёров-пуансонистов Франческо Гриффо.
Издания (всего 1105), выпущенные венецианским книгопечатником Альдо Мануцием, его тестем Андреа Асоло, сыном Паоло и внуком Альдо Пием Младшим в период с 1494 по 1597 год славятся своей текстовой точностью. Для проверки текстов Мануций собрал около 30 ученых. Занявшись печатанием латинских классиков, он первым придумал издать серию карманных книг. Книги маленького формата были гораздо удобней для читателя эпохи Возрождения, который вел подвижный образ жизни, много читал и путешествовал, чем громоздкие средневековые фолианты. К тому же, маленькие альдины стоили дешевле. Изданы они были так же тщательно и аккуратно, как и все другие книги Мануция. Всё это сделало их необычайно популярными. Первой такой книгой стали сочинения Вергилия, вышедшие в 1501 году.
Вскоре "маленькие альдины" стали копироваться другими печатниками. Поначалу копировался только шрифт, формат, но позже недобросовестные издатели стали перепечатывать книги полностью. Мануций уволил нескольких работников, которые, видимо, украли шрифт, а в каждой книге начал печатать свою знаменитую издательскую марку — дельфина, обвивающего якорь. Иногда её сопровождал девиз: "festina lente", т. е. "спеши медленно". Марка Альдо Мануция "якорь и дельфин" открыла собой новый ряд эмблем, символически изображающих те или иные девизы, изречения или поговорки, заимствованные из древней истории, литературы, фольклора.


Издательская марка Альдо Мануция, Здание Томаса Джефферсона, Библиотека Конгресса

С Альдо Мануцием сотрудничали выдающиеся деятели Возрождения: Максим Грек, Пьетро Бембо, Эразм Роттердамский. Хотя сам Мануций был редактором и корректором, а не печатником, но он постоянно стремился улучшить качество и искусство печатания. Красота альдин общеизвестна, а сами книги считаются образцом классической типографики.


Копия (John Rylands) альдинского Вергилия 1501 года

Пенаты Репина

September 11, 2016, 1:37 am

≫ Next: Прикосновения

≪ Previous: Альды

$

0

0

Оригинал взят у ollazarevв Пенаты Репина

Сегодня был в усадьбе художника И. Е. Репина "Пенаты", которая находится недалеко от Санкт-Петербурга в пос. Репино (ранее Куоккала), на побережье Финского залива. До советско-финской войны (1939-1940) усадьба находилась на территории Финляндии.

Удивило, что на экскурсии по дому ни слова не было сказано о духовных исканиях, присущих художнику, и результатах этих духовных исканий. Только после специально заданного вопроса работница музея, слегка запинаясь, ответила, что в Куоккале раньше была церковь, куда ходил на службы Репин и от которой теперь осталось одно основание, находящееся где-то на территории пансионата "Заря".

В дневнике писателя К. И. Чуковского от воскресенья [25 января] 1925 г. имеется следующее воспоминание о его пребывании в это время в Куоккале: "Был я в церкви. Церковь крепкая, строена и ремонтирована на пожертвования купца Максимова. Благолепие, на двери бумажка: расписание служб и фотографич. карточка Тихона. Главный Храм пуст — богослужение происходит в левой боковушке. Там у правого клироса певчие, сыновья того же Максимова, и среди них — Репин, браво подпевает всю службу, не сбиваясь, не глядя в ноты. Священник дряхлый, говорит отчетливо, хорошо. Выходя, Репин приложился к кресту, и мы встретились. Очень приветливо поздоровался со мной — «Идем ко мне обедать!». <...> Очень обрушивался на моего Дмитрия Фед., который сказал, что теперь мужику лучше. «И заметьте, заметьте, сам говорит, что богатый владелец дома должен жить в хибарке, в уголку, а свой дом, нажитой с таким трудом,— уступить какому-то мужичью. Эх, дурак я был — да и не я один — и Лев Толстой и все, когда мы восхваляли эту проклятую лыворуцию... Вот, напр., Ленин... ну это нанятой агент (!?)... но как мы все восхваляли мужика, а мужик теперь себя и показал — сволочь»..."

Дом Репина в "Пенатах"

В 1920 году сам Репин писал В. Леви: «Сегодня у нас Христос воскрес – я говел – 40 лет пропустил. После анафемы Толстому дал слово не переступать порога церкви, но после глумления большевиков над христианскими святынями-церквями я делаюсь ревностным исповедником и нахожу этот старый культ не столь приятным, но весьма знаменательным и глубоко неизбежным в смысле объединения».

В письме к В. Анофриеву того же 1920 года художник пишет: «Когда наша церковь отлучала Льва Толстого, я дал слово не преступать порога церкви. Но когда чернь грабительски встала у власти и, расходившись, стала глумиться над всеми святынями народа, осквернять церкви, я пошел в церковь… и теперь нахожу, что церковь есть великое знамя народа и никто никогда не соберет так народ, как церковь. Наши отъявленные воры, грабители уже торжественно с кафедры заявляют, что Бога нет».


Зимняя веранда в доме Репина

Прикосновения

September 11, 2016, 1:38 am

≫ Next: Статуи сельджуков

≪ Previous: Пенаты Репина

$

0

0

Оригинал взят у ronner_knipв Прикосновения

"Любовь и человечность начинается с прикосновений" (Эшли Монтегю).

Эта картина французского живописца Филиппа Мерсье (1689-1760) из серии "Пять чувств" посвящена осязанию. Все ее герои ощущают живительную силу прикосновений.  Cамое лучшее средство успокоения нашел младенец и тянется к мягкой, пушистой, теплойкошке.

Статуи сельджуков

September 11, 2016, 1:41 am

≫ Next: Выставка в Нью-Йорке «Великий век Сельджуков»

≪ Previous: Прикосновения

$

0

0

Давно хотел сделать пост о сельджукских статуях из нью-йоркского Музея Метрополитен. Это самые впечатляющие образцы искусства Великих сельджуков, подобных статуй известно относительно много, но два воина из Музея Метрополитен, безусловно, лучшие. Материалом для всех этих скульптур служил гипс, размеры самые разные, те что в Метрополитене почти с человеческий рост, другие существенно меньше. От многих фигур сохранились одни только головы.

Почти все статуи датируются временем Великого Сельджукского султаната - 11-12 вв. и происходят из Ирана, предполагается, что многие из них стояли в столице сельджуков городе Рей, ныне это пригород Тегерана. К сожалению, почти все фигуры были в свое время украдены из Ирана различными скупщиками древностей, т.е. почти все они лишены археологического контекста, что несомненно сильно уменьшает наши знания об искусстве тюрок-сельджуков.

Статуя сельджукского воина,  Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Все фотографии этого поста найдены в сети.


Исходя из анализа внешнего вида скульптур, можно сделать вывод, что эти фигуры родственны тюркским степным балбалам, изваяниям кочевников, которые стояли раньше по всей степи от Монголии до Украины, в том числе, они похожи и на половецких "каменных баб". Об этом сходстве говорит буквально все, общая форма статуй, положение рук, головы, детали одежды. Разница только в качестве изображений, сельджукские фигуры создавались мастерами из Персии и Средней Азии, поэтому несут в себе всю местную иранскую стилистику. Эти статуи являют собой синтез искусства степного и иранского оседлого миров.

То что это именно воины видно по палашам, которые они держат в руках. И можно предположить, что их полосатые халаты, это на самом деле длиннополые пластинчатые доспехи, характерные для тюркских воинов.


Так как тюркская атрибуция фигур несомненна, можно предположить, что эти статуи предназначались для погребального культа, возможно они изображали умерших людей. Как известно, тюрки устанавливали каменные фигуры на могилах своих предков, возможно эти гипсовые скульптуры несли такую же функцию. Здесь также можно вспомнить статуи, составлявшие так называемые "дороги духов" в погребениях китайских императоров,они несомненно родственны тюркским погребальным изваяниям.
Статуарная традиция кочевников уходит вглубь тысячелетий, каменные изваяния в степи ставили еще скифы и более ранние индоевропейские племена. Можно предположить, что гипсовые фигуры сельджуков продолжали эти традиции.

Тюркские балбалы







Интересной особенностью одной из фигур является наличие креста на груди, с большой степенью вероятности, можно предположить, что это христианин. Что неудивительно, ведь четверо сыновей Сельджука, основателя династии, носили библейские имена - Микаил, Юнус (Иона), Муса (Моисей) и Исраил.






Две стоящие фигуры, слева женская, справа, мужская. Музей исламского искусства в Берлине и Музей Виктории и Альберта, Лондон.



Слева, фигура очень похожая по стилистике на воинов из Музея Метрополитен, Кувейт Коллекция Аль-Сабах.
Справа, фигура воина с более узкой талией, что может говорить о согдийском влиянии, хотя воины Первого тюркского каганата и согдийцы были почти неразличимы, только в средние века у тюрок появилась мода на большие животы) Вустерский музей искусств


Две фигуры, слева, Музей Виктории и Альберта, Лондон. Справа, Детройтский институт искусств


Еще один воин с нательным крестом и двумя крестами на головном уборе. Музей Виктории и Альберта, Лондон.


Больше всего сохранилось голов от статуй. Эти головы дают хорошее представление о расовой принадлежности сельджуков - они все в большинстве своем были монголоидами. Как это ни странно, но сейчас стало модно "европеизировать" все тюркские племена средневековья - огузов, половцев, почти всех их сейчас пытаются считать европеоидами, удивительно, но эту тенденцию часто поддерживают и сами современные тюрки - азербайджанцы и турки. Видимо, это связано с нынешней модой на все европейское.










Еще посты посвященные искусству сельджуков:

Каменная резьба Сельджукского султаната
Сельджукская керамика
Музей турецкого и исламского искусства в Стамбуле

---

Выставка в Нью-Йорке «Великий век Сельджуков»

September 12, 2016, 4:51 am

≫ Next: Игральные карты - Российская история карт - Русский стиль (часть 3)

≪ Previous: Статуи сельджуков

$

0

0

Недавно в Нью-Йорке в Музее Метрополитен проходила выставка «Придворный мир и Вселенная: Великий век Сельджуков» (COURT AND COSMOS: The Great Age of the Seljuqs), посвященная искусству Великих сельджуков - турецкого племени создавшего огромную империю в Передней Азии. Подробнее о выставке можно почитать на сайте музея.

На выставке присутствовали экспонаты со всего мира, в том числе из Туркмении, страны, в которую попасть тяжело. Правда, лично мне и в Нью-Йорк попасть тяжело, поэтому я собирал фото оттуда из сети. Основные источники фотографий для этого поста - сайт посвященный Великому шелковому пути Mongols China and Thesilk road, и сайт Rugrabbit, где фотографий особенно много

Резная панель с изображением султана сельджуков и его придворных, резьба по ганчу. Предположительно украшала стену дворца в Рее (ныне пригород Тегерана), столицы Великих сельджуков, 11-12 вв. Philadelphia Museum


Можно предположить, что изображен здесь основатель сельджукской империи султан Тогрул.










Фигура сельджукского воина из собрания Музея Метрополитен. Недавно я делал об этих статуях из Ирана отдельный пост. Metropolitan Museum of Art


Сельджукская керамика, слева символ султаната - двуглавый орел, о его происхождении я раньше много писал.И сидящий сокол, 11-12 вв. Fitzwilliam Museum


Интереснейший экспонат выставки - так называемый "буидский шелк", где изображен самый ранний средневековый двуглавый орел 10-11 вв., я делал о нем специальный пост.Сохранился он плохо, но двуглавого орла разглядеть можно, эти куски шелка нашли в погребениях рядом с Реем, столицей сельджуков. Dumbarton Oaks and Philadelphia Museum


Ткань с двуглавыми орлами 12-13 вв, происхождение Анатолия или Иран. Metropolitan Museum of Art


Кинжал, найденный на территории Израиля. На рукоятке у него крест и свастика, а ниже интересное изображение всадника (Св.Георгия), которого Господь благословляет двумя перстами. Furusiyya Art Foundation


Сражающиеся сельджуки, резьба по ганчу, 12-13 вв. Seattle Art Museum. Изображение грифона, резьба по ганчу, 12 в. . al-Sabah Collection


Керамические емкости, 12-13 вв. Музей исламского искусства в Дохе.




Фигура султана Тогрула, 12-13 вв. Nasser D. Khalili Collection И кувшин в форме сидящего человека, Los Angeles County Museum of Art


Сельджукская керамика из собрания Музея Метрополитен.


Metropolitan Museum






Brooklyn Museum


Brooklyn Museum


Небесный глобус с созвездиями, 11-12 вв. Иран. Лувр.


Керамический бычок, Иран, 12-13 вв. И голова музыканта, 12 в. Иран. Royal Ontario Museum


Фрагмент ткани из Анатолии с двуглавым орлом, 12-13 вв.


Еще посты посвященные искусству сельджуков:
Статуи сельджуков
Каменная резьба Сельджукского султаната
Сельджукская керамика
Музей турецкого и исламского искусства в Стамбуле

Игральные карты - Российская история карт - Русский стиль (часть 3)

September 12, 2016, 4:51 am

≫ Next: Двуглавые орлы в Азии

≪ Previous: Выставка в Нью-Йорке «Великий век Сельджуков»

$

0

0

Виктор Викентьевич Мазуровский (1859-1944) - Переход через Неман, 1812



Виктор Викентьевич Мазуровский (1859-1944) - русский художник-баталист польского происхождения.

1876-1878 - получил первоначальную художественную подготовку в Варшавском рисовальном классе.
1879-1888 - продолжил обучение в Императорской Академии художеств (Санкт-Петербург).
В академии художник получил две золотые медали за свои работы, вместе с которыми получает звание классного художника первой степени и стипендию российской армии, организовавшей ему поездку за рубеж (1890-1894).

1895-1904 - по возвращении из-за границы он занимает должность художника при русской армии, путешествуя по её военным формированиям, где выполняет цикл батальных картин.

1905 - во время русско-японской войны Мазуровский отправляется на фронт, где продолжает рисовать батальные сцены.
1914-1917 - художник на фронтах Первой мировой войны.

1917-1924 - после возвращения с войны продолжает писать картины, работая в военном музее Петербурга.
1924 - выезжает из СССР в Европу. Предположительно проживал в Италии, откуда позже переехал в Польшу.

В интернете множество иллюстраций его замечательных картин, но ни одного портрета или личной фотографии. Художник родился в Варшаве, там и погиб в августе 1944-го года от рук солдат РОНА - так называемой Русской освободительной народной армии (29-я гренадерская дивизия СС, она же 1-ая русская). Была и такая дивизия, командовал ею, к сожалению, мой однофамилец - Каминский Бронислав Владиславович, поляк по национальности.


Смотреть далее

Двуглавые орлы в Азии

September 14, 2016, 4:42 am

≫ Next: "Мерцание гладкой яшмы" в Манеже

≪ Previous: Игральные карты - Российская история карт - Русский стиль (часть 3)

$

0

0

Несмотря на то что теория тюркского привнесениясимвола двуглавого орла в Европу средних веков считается сейчас наиболее обоснованной, найти этих самых двуглавых орлов в Азии до сих пор весьма затруднительно. Тут конечно сказывается прежде всего недостаточная изученность азиатских пространств. Но некоторые объекты выделить можно, как ни странно, но общепринятое иранское влияние, связанное с этим символом, меньше всего обнаруживается в самом Иране, т.е. находок двуглавых орлов там почти нет. Наиболее часто этот символ встречается кроме Ближнего Востока и Анатолии в северном Китае.
Поэтому начнем эту тему именно с двуглавых птиц обнаруженных на территории Китая.
В 20 веке в китайском Ордосе было найдено множество несторианских бронзовых знаков, прежде всего крестов, многие из которых имели облик двуглавых орлов.



Все эти знаки датируются временем монгольского завоевания Китая - династией Юань (1271—1368). Хотя, надо признать, что происхождение их весьма мутное, также как и датировка. Известный бельгийский монголовед и миссионер Антуан Мостер (Antoin Mostaert, 1881-1971) писал про эти кресты следующее:
«Монголы находят их постоянно в старых захоронениях или ещё где-нибудь; они ничего не знают об их истории, носят их на поясе, особенно женщины. Когда они уходят из дому на пастбище, они замазывают дверь глиной и припечатывают их этим крестом, как печатью».

Т.е. можно сделать вывод, что большая часть этих крестов, а их великое множество, была найдена местными жителями без каких-либо археологических раскопок.

Анализ внешнего вида этих несторианских орлов говорит о сильном иранском влиянии, все эти сдвоенные птички хорошо известны из орнаментов Передней и Средней Азии, т.е.они однозначно не китайские. Что, собственно, подтверждается исторически, ведь христианство в Китай принесли согдийцы и тюрки из Средней Азии. Возможно они же занесли сюда и символ двуглавой птицы. При этом, как мы помним, те же тюрки из Средней Азии принесли двуглавого орла на Ближний Восток и в Европу.

Фото увеличивается после клика на него.


Считается, что эти знаки служили личными печатями, на многих из них видны следы красной краски, именно такого цвета были печати в Китае при династии Юань. Значит, монгольские женщины в начале 20 века использовали их по прямому назначению.


Их носили на поясе, сзади печатей имеется специальное ушко, в которое продевался шнурок.


Так выглядели остальные несторианские кресты из Ордоса. Наличие свастик для них очень характерно. Кресты со свастиками имелись на многих предметах оставленных тюрками-сельджуками на Ближнем Востоке, я ранее приводил подобный пример рукоятки ножа из Израиля, также видимо подобные кресты присутствуют на гипсовыхстатуях сельджукских воинов,найденных на территории Ирана.


Следующим пунктом, где массово обнаруживаются изображения двуглавых орлов в Китае, являются пещеры Тысячи Будд в Кизиле (Кызыле). Расположены они рядом с древним городом Куча, что на северо-западе Китая. Эти буддийские пещеры считаются старейшими в Китае, выходцы из Кызыла возможно создали впоследствии пещеры Дуньхуана и прочие. Важно, что также как и Ордос, это все территории с согдийским и тюрксим населением. Именно на севере Китая появился воинственный род Ашина - главная тюркская династия, создавшая Первый тюркский каганат.

Пещеры Кызыл начали возводить в 300 г. н.э., двуглавые орлы там наверно появились в 5-6 вв. Двуглавые орлы из этих пещер тоже имеют иранскую стилистику и пребывают здесь в большом количестве, я на разных фото насчитал минимум 6 штук, причем разных модификаций. Почти везде в пещерах Кызыл двуглавые орлы украшают потолки.

Совершенно классический геральдический двуглавый орел из пещер Тысячи Будд в Кызыле, примерная дата 6-8 вв.


Общий вид орла и потолка пещеры номер 38.


Еще один двуглавый орел, он отличается от предыдущего. Это, в сущности, два орла, прислоненные друг к другу, фото не очень четкое, кажется, что и лап у них четыре, но хвост один. Такой тип орла с двумя туловищами встречается на сасанидской серебряной посуде, правда, только с двумя лапами.


Еще один тип двуглавой птицы с потолков пещер Кызыл. Это пикирующий двуглавый орел, и их тут на потолке в каждом углу явно четыре штуки, лучше всего сохранился верхний на фото. Интересен здесь и сам потолок, это имитация в камне деревянного псевдокупола с дымовым отверстием в центре, такие перекрытия были характерны для жилой архитектуры Средней Азии и Закавказья.


Существует ошибочное мнение, что двуглавые орлы в пещерах Кызыл могут быть связаны с буддийским и вообще индийским влиянием, якобы, это такая разновидность индуистской священной птицы Гаруды. Кого или что именно символизировали эти двухголовые птицы неизвестно, но можно сказать уверенно, что конкретно в Индии подобные изображения появляются достаточно поздно и также имеют на себе ощутимое иранское влияние. Поэтому, не имеет значения связаны они с буддизмом или нет, главное, что они связаны с иранским миром в широком смысле.

И важно трактовать иранский мир максимально широко, потому что, повторюсь, в самом Иране двуглавых орлов почти не найдено, лично мне известны только пара серебряных сасанидских тарелок с изображением орлов и одна печать, и все эти предметы имеют очень мутное происхождение, они поступили в музеи от разных коллекционеров. Плюс, куски "буидского шелка" о котором я писал ранее. И это все.

Сасанидское серебро. Здесь двуглавый орел почти идентичен одному из символов с потолка буддийских пещер Кызыл, где два орла прислонились друг к другу спинами, на блюде схожий сюжет. В сущности, этот орел самый главный из всех иранских, так как других банально больше нет, да и происхождение этого блюда неизвестно.


Схожий сюжет наблюдается в индийском храме Келади 16 века из Карнатаки. Это волшебная птица Гандаберунда, в индийском государстве Виджаянагар 14-17 вв. двуглавая птица стала важным символом, правда, к этому времени двуглавый орел широко использовался в гербах всего мира.


В регионе смежном с Индией интерес для нашей темы может представлять лишь изображение двуглавой птицы на ступе из Сиркапа 1 в. н.э. (сейчас это Пакистан) Правда, изображение это серьезно отличается от канонического двуглавого орла. На нижнем фото он слева и плохо сохранился. Справа тут фреска из храма Брахадисвара в городе Танджавур на юге Индии, индусы пытаются ее выдавать за 11 век, что крайне сомнительно, исходя из стилистики, это позднее изображение, возможно даже 19 века. Но птица тут похожа на существо со ступы в Сиркапе, это изображение, действительно, как-то укоренилось в Индии. Скорее всего, этому поспособствовала популярность двуглавого орла в Виджаянагаре, где он стал государственным символом в 15 веке.


Правители Виджаянагара даже чеканили золотые монеты с двумя модификациями двуглавых птиц. Например, вот эти царя Ачьютадеварайи (1529-1542 гг.) Но все они поздние и к вопросу появления символа в средневековье в сущности отношения не имеют.


Теперь мы приступаем к более интересным артефактам, которые были найдены в Прикамье и относятся к так называемому пермскому звериному стилю.В районе нынешней Перми было найдено огромное количество зооморфных изображений, существенная часть которых была представлена двуглавыми (и многоглавыми) птицами. Датируют их примерно 7-11 веками.


Пермский звериный стиль несомненно тоже испытал сильное влияние иранской культуры, подобные сцены вознесения героя на гигантской птице встречаются на тканях и серебряной посуде из Персии, в частности, изображения на буидском шелке, найденные возле сельджукской столицы городе Рей в Иране, почти полностью идентичны этим пермским бляшкам. Там также некий герой взлетает на груди двуглавой птицы.

О влиянии Ирана и Средней Азии в районе Перми говорит и огромное количество иранского серебра, как правило посуды, найденного в здешних лесах. Оно даже стало важной статьей дохода русских княжеств, предприимчивые московиты и новгородцы в 14-16 веках вывозили закамское серебро тоннами.
Попадали серебряные предметы из Центральной Азии на Урал во времена господства здесь тюркских каганатов в 7-9 вв. и возможно позднее, во времена Волжской Булгарии. Это были плоды торговой деятельности согдийских и тюркских купцов, они меняли среднеазиатское серебро на пушнину. Таким образом художественные представления Турана и Ирана передавались в северные таежные края.


Местные племена вносили и свою лепту, поэтому птицы в Перми попадаются не только с двумя головами, но и с тремя, и вообще всякие разные.
Трехголовая птица-первопредок людей-лосей.


Двуглавые орлы присутствовали на монетах монгольских правителей как в Золотой Орде, так и в улусе Хулагу в Иране.
Монета ильхана Абу Саид Бахадур-хана (1305—1335)

Серебряная монета Аргун-хана (1284–91) из Нишапура в Иране.


Золотоордынская монета из Сарай Ал-Джедид (Новый Сарай)


Монета "доброго царя" Джанибека (1342−1357) Золотая Орда


Монета Ногая (1240 — 1300) правителя самого западного улуса Золотой Орды. Слева изображен трезубец - один из важных символов Золотой Орды, а справа, стилизованное изображение двуглавого орла.

Несколько монет Золотой Орды с изображением стилизованного двуглавого орла.


Какой можно сделать вывод из приведенных фактов? Прежде всего, нужно отметить, что изображения двуглавой птицы чаще всего, а вернее почти всегда, появлялись зонах активности кочевых племен, в 6-11 веках это были различные тюркские племенные союзы. Плато Ордос в нынешнем Китае находится севернее Великой стены, это место где кочевали хунну, тюрки, монголы; буддийский пещерный монастырь Кызыл расположен немного западнее - на границе нынешних Казахстана и Китая; Пермь и река Кама - это северная граница расселения тюркских племен. В Иране изображение двуглавого орла появлялось редко, причем большая часть этих изображений фиксируется только с 11 века, это время массированного проникновения в данный регион тюркских кочевников, тоже самое касается Малой Азии и всего Ближнего Востока.
Напрашивается вывод, что двуглавые орлы в Азии появлялись чаще в регионе Турана, а не Ирана, и их появление было связанно с движением кочевых тюркских племен. География распространения изображений двуглавого орла в Азии подтверждает вывод о том, что именно тюркские племена принесли этот символ в Европу.

Мои статьи по теме тюркских двуглавых орлов:
Двуглавый орел в исламском мире
Двуглавый орел и его происхождение
Каменная резьба Сельджукского султаната

"Мерцание гладкой яшмы" в Манеже

September 16, 2016, 3:02 am

≫ Next: Искусство Древнего Египта. Цикл лекций в Москве

≪ Previous: Двуглавые орлы в Азии

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в "Мерцание гладкой яшмы" в Манеже

Новость из мира искусства



В Центральном выставочном зале "Манеж" Санкт-Петербурга с 13 по 25 сентября экспонируется масштабная выставка "Мерцание гладкой яшмы" художника номер один в Китае - Цуй Жучжо. Затем с 7 октября выставка переместится в московский Манеж. В России демонстрируется около 200 произведений, написанных художником за последние пять лет.
Цуй Жучжо включён в топ самых высокооплачиваемых современных художников, а его работы можно встретить в лучших музеях мира или купить на аукционах Christie’s. Художнику 70 лет, после пятнадцати лет жизни в Америке он вернулся на родину, в Китай. По различным рейтингам считается либо первым, либо вторым из современных китайских художников.
Некоторые работы художника достигают шести метров в длину. Он работает в традиционной китайской технике каллиграфического письма тушью. Созерцательный стиль Цуй дополняет редкими элементами современного искусства. Так появляются бесконечные панорамы, складывающиеся в большую историю о мире и человеке в нём на фоне высоких гор и бурных рек.



Специфичность техники гохуа заключается в том, что в качестве полотна используется шёлк, на который ложится тушь в комбинации с легкими водяными красками. В Китае выполненные тушью в традиционном стиле современные работы популярны в качестве подношений официальным лицам и корпорациям.



Гохуа, что в переводе означает "наша живопись", - одно из важнейших направлений китайской живописи. Расцвет гохуа как искусства реалистического и индивидуалистического в противовес средневековой условной манере изображения произошёл на рубеже XIX-ХХ веков. Последние 100 лет гохуа, чья техника продолжает традиции китайского искусства III века до н.э., по-разному взаимодействовало с искусством западным - от французского импрессионизма до советского соцреализма. Но всё же живопись гохуа сильна своими традициями и мало подвержена влиянию.



На выставке есть работы, не только написанные кистью, но и созданные непосредственно руками - это один из вариантов живописной техники в гохуа.



Сюжетами для картин чаще всего становятся масштабные, но в то же время лёгкие пейзажи.



К славе художник шёл долго, завоёвывая сначала аудиторию исключительно китайскую, а затем добавил к ней американских коллекционеров.



Его картины есть в собраниях Генри Киссинджера и семьи Рейган.



За последние 5 лет более 40 работ художника, участвовавших в торгах, превысили отметку в $1 млн.



О художнике, который ранее был мало известен за пределами Китая, заговорили в мире. Популярность и высокие цены аукционных продаж обеспечиваются исключительно азиатским регионом. Цуй Жучжо дважды устанавливал рекорд стоимости картин среди ныне живущих азиатских художников. В 2015 году картина Цуя Жучжо "Большой заснеженный гористый пейзаж в Цзяннане" ушла с молотка на аукционе в Гонконге за баснословную сумму в $40 млн. Таким образом, художник стал не только самым востребованным в Китае, но и самым высокооплачиваемым среди современников.



С именем этого художника связана и одна детективная история или рекламный приём. Проданная за $3,7 млн. на Poly Auction в Гонконге картина "Заснеженные горы" кисти художника была, как показало полицейское расследование, случайно вывезена на помойку из номера отеля. После этого следы картины затерялись. По официальной версии, свёрнутое полотно случайно выбросили работники отеля, но многие сомневаются в достоверности этого объяснения.



С тех пор, как китайский арт-рынок вышел в мировые лидеры с 37, 2% всех продаж произведений искусства в мире (на второй позиции - США с 32%, далее Великобритания - 18% ), рейтинг ста самых продаваемых китайских художников автоматически стал самым важным мерилом успеха. Существует он менее десяти лет и оценивает художников по параметрам исключительно коммерческим: кто сколько продал в минувшем году.

Искусство Древнего Египта. Цикл лекций в Москве

September 26, 2016, 4:56 am

≫ Next: Кёльн, Музей Вальрафа-Рихарца

≪ Previous: "Мерцание гладкой яшмы" в Манеже

$

0

0

Ассоциация по изучению Древнего Египта «Маат»,
Библиотека им. М.А. Волошина ЦБС ЦАО
при поддержке
Министерства по делам древностей АРЕ

представляют цикл лекций
«Искусство Древнего Египта»



Авторский цикл лекций известного российского египтолога Виктора Солкина охватывает три тысячелетия искусства Древнего Египта: от времени зарождения египетской цивилизации на рубеже IV-III тысячелетия до н.э.  и до I в. до н.э., когда Египет потерял независимость и стал частью Римской империи.
Каждая из четырех лекций связана с одним из периодов наивысшего расцвета египетской цивилизации, с удивительными творениями мастеров в архитектуре, скульптуре, искусстве росписи и рельефа, декоративно-прикладном искусстве. Благодаря обширному иллюстративному материалу Вы познакомитесь не только с признанными шедеврами наследия Египта фараонов, но и со многими малоизвестными памятниками, хранящимися в музейных и частных собраниях Египта, Европы, США и России.
Особое место в лекциях будет уделено символической системе древнеегипетского искусства, что позволит вам «прочитать» многие произведения, понять смыслы, скрытые в них великими мастерами древности.
Лекции состоятся 11,18,25 октября, а также 1 ноября 2016 г. Стоимость билета на одну лекцию – 500 руб., стоимость абонемента на весь цикл из четырех лекций – 1500 руб. (абонемент можно приобрести на первой лекции цикла). Начало лекций в 19.30, продолжительность – 2-2,5 часа.
ПРОСИМ ВАС ЗАБРОНИРОВАТЬ свое место в зале, обратившись с письмом по адресу: infomaat@gmail.com
Новодевичий проезд, д. 10. Большой зал Библиотеки им. М.А. Волошина ЦБС ЦАО.

Кёльн, Музей Вальрафа-Рихарца

September 28, 2016, 12:51 am

≫ Next: Первый художник-путешественник М.М. Иванов

≪ Previous: Искусство Древнего Египта. Цикл лекций в Москве

$

0

0

Оригинал взят у virginianв Кёльн, Музей Вальрафа-Рихарца

Музей Вальрафа-Рихарца (Wallraf-Richartz-Museum) в Кёльне обладает одним из крупнейших собраний средневекового искусства и живописи начала века в Германии.

Названием музей обязан ректору Кёльнского университета Фердинанду Францу Вальрафу, который передал в дар городу своё обширное собрание предметов искусства и кёльнскому коммерсанту Иоганну Рихарцу, который пожертвовал 232 тысяч талеров на строительство в Кёльне музейного здания.


Первое здание музея Вальрафа-Рихарца 1861 года


Увы, музей был полностью разрушен во время ковровых бомбардировок Кёльна. К счастью, еще до начала авиарейдов союзников, коллекция была вывезена в безопасное место.





Существующие здание было построено относительно недавно, до этого музей несколько раз менял свой адрес.


Коллекция музея производит исключительно хорошее впечатление. Давйте посмотрим вместе.

Снимал я телефоном, в очередной раз мне не повезло с моей компактной камерой. У меня есть добротная зеркальная камера но...она очень тяжелая, и я устал ее таскать во время поездок в Европу. Как компромиссный вариант я купил high end компактную камеру, но с ней меня просто преследует полоса невезения. То я забуду вставить карточку памяти, то я забуду подзарядить батарею или вообще ее вставить. Кульминация была в Брюсселе, и батарея была на месте, и карточка была вставлена и... буквально после нескольких снимков память в карточке закончилось. Музей Вальрафа-Рихарца не был исключением, батарея оказалась полностью разряженной. На помощь пришел верный айфон. Надо отдать его создателям должное, с каждой новой моделью камера становится все лучше и лучше. При хорошем освещении (а оно в музее было хорошим) снимки получаются вполне приличные.




Ian Cornelisz Vermeyen, мужской портрет

Очень интересный портрет, не правда ли? Такой серьезный дядя, а из-за пазухи маленькая собачка или щенок выглядывает. На заднем фоне, если присмотреться, тоже какое-то странное существо, видимо обезьяна, но с человеческим лицом и в человеческой позе. Тут без помощи моего френда agrituraне обойтись, она любит разгадывать такие загадки.









Bartholomäus Bruyn der Ältere, portrait of the Mayor of Cologne Arnold von Brauweilor, 1535

Весьма представительный портрет кёльнского бургомистра, Бартоломей Брейн (так в Википедии) всегда отличался очень точной передачей оригинала и тонко подмеченным характером портретируемых.





Неизвестный голландский мастер. Мужской портрет. 1520

Обратите внимание на раму, на которую переходят перечатки




Colijn de Coter, Damned (Fragment of a "Last Judgement"), 1539/1540

В этот фрагменте "Страшного суда"интересно, как художник изображает представителей потустороннего мира. В музее Вальрафа-Рихарца есть несколько картин на сходную тему с забавными изображении чертиков и прочей нечисти.




Мучения святого Антония, Upper Rhine, circa 1520

Обратите внимание, некоторые чертики вполне добродушные. а тот, который под мышкой, даже его защищает.




Master of St Severin and workshop (active in Cologne, c. 1480 - 1515/1520), The Last Judgement




А вот и чертик, совсем не страшный, и чего бедные грешники так испугались?




Master of the Legend of St Catharine, circa 1466 – 1500, здесь тоже не страшный




Martin Ryckaert , Падение Икара 1620-1630

В отличие от картины Брейгеля, на этой картине сразу видно, что Икар падает




Ferdinand Georg Waldmuller, Женщина с красным шарфом

Красный цвет играет особенную роль в живописи, у меня на эту тему есть специальный пост, Прикосновения красного - Red Touches





Johann Anton Ramboux, Братья Эберхард (Еhe Eberhard Brothers), 1822



А вот и он, больной зуб.


Франц Ленбах, Отто Бисмарк, 1888

Ленбах заслужил известность своими реалистическими портретами и все наверное знают, кто у него живописи учился. Взгляд у железного канцлера мрачный и насупленный, видно задумался, "На кого я Германию оставляю". Увы, после Бисмарка Германии не везло с канцлерами. С последним настолько, что железный Отто наверняка в гробу переворачивается.




Франсуа Буше, Отдыхающая девушка, 1751

Так вот где находится эта знаменитая картина! Названия везде разные, где "Лежащая девушка", где "Светловолосовая одалиска". У итльянцев это "Ragazza distesa". Рекорд бъют поляки, "Odpoczywająca dziewczyna", попробуй, выговори. Моя одна шестнадцатая польской крови с этим не справилась. Буду благодарен, если кто-нибудь подскажет правильное название.



И вторая реплика тоже в Германии находится, в Мюнхенской Пинакотеке!




С современным искусством начала века нам не повезло, оно куда-то уехало, наверное из-за того что "Это было летом летом, это было знойным летом". Любят картины летом путешествовать. Были мы как-то в музее современного искусства в славном городе Фрайбурге, так оттуда вообще все картины увезли, одну небольшую комнатку оставили. Но сеть большая, а тот кто ищет, тот всегда найдет.

Несколько картин начала века из коллекции музея.


Фердинанд Ходлер, Этюд головы итальянки (танцовщица Джулия Леонарди), 1910.




Эдвард Мунк, Девушки на мосту, 1905




Франц фон Штук, Грех, 1894.




Винсент Ван Гог, Разводной мост в Овере, 1888




Август Маке, Солнечный сад, 1908



Для тех, кто хочет узнать о музее поподробнее:

Е.Иванова, Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн

Первый художник-путешественник М.М. Иванов

September 29, 2016, 6:39 am

≫ Next: Нашлись картины Ван Гога

≪ Previous: Кёльн, Музей Вальрафа-Рихарца

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Первый художник-путешественник М.М. Иванов

Вид крепости в Бендерах, 1790

Во дворце Потёмкина узнала, что в поездках по вновь приобретённым территориям князя сопровождал художник Михаил Матвеевич Иванов (1748-1823), который должен был делать зарисовки в ходе путешествий. Заинтересовавшись творчеством этого живописца узнала, что он одним из первых русских художников побывал на Кавказе, в Крыму и Молдавии, и оставил красочные виды южной природы бывших владений Турции и Персии. Они выполнены в период между 1780 и 1800 годами. Остались три путевых альбома его акварелей с дорожными впечатлениями. В составе альбомов более двухсот рисунков и акварелей.
В их основе лежит архитектурный пейзаж, и главным чаще всего становится какое-либо сооружение: то монастырь в долине Кавказа, то многочисленные башни-крепости в Бендерах. Деревья, дорога, горы вдали служат лишь условным фоном, кулисами, призванными выделить главное. И фигурки людей, довольно многочисленные в акварелях Иванова, тоже связаны с архитектурой. Персонажи или сами рассматривают здание, или указывают на него зрителю.
Акварельные пейзажи М.М. Иванова входят в группу пейзажной графики, которую условно называют документальной. Вот мне и подумалось, что путешествия с зарисовками увиденного напоминают современное блогерство, а живописца Михаила Матвеевича Иванова можно назвать "самым первым блогером России".


Я.А.Васильев. Портрет М.М.Иванова. 1818. Холст, масло. С фотографии А.М.Лушева. 1870

Выпускник Академии художеств, М.М.Иванов девять лет провел в Италии и Франции. Вернувшись на родину, в январе 1780 года Иванов поступил на военную службу квартирмейстером при Генеральном штабе, вице-президентом которого являлся светлейший князь Г.А. Потемкин. С этого времени более десяти лет Иванов состоял при Светлейшем.


Князь Потёмкин с кавалерийским отрядом на набережной Невы, 1798

Основная работа Иванова была непосредственно связана с его профессиональным образованием: он зарисовывал «неприятельские местоположения» и территории, присоединяемые к России, таким образом увековечивая славные деяния своего патрона. Два путевых альбома Иванова из собрания Русского музея относятся к этому периоду его жизни. Один из них начат в 1782 году, когда художник по высочайшему повелению был послан в Армению и Грузию для «снятия» территорий. Почти на всех альбомных изображениях имеются авторские пометки с названиями мест и датировками. Поэтому легко представить маршруты этих разъездов. Несмотря на небольшой формат альбомов в простом картонном переплете (художник иногда писал на развороте двух листов), видовые зарисовки тщательно фиксируют увиденное и хорошо скомпонованы. Немногочисленные стаффажные фигурки людей оживляют пейзаж.
В 1783 году Иванов был в Эривани. Один из лучших акварельных рисунков в альбоме - «Вид трех церквей араратских в Великой Армении».




На других акварелях запечатлён главный город Грузии - Тифлис, конечный пункт назначения.


Крепость-монастырь в Грузии, 1804

Из Грузии Иванова направили в Крым, по случаю присоединения полуострова к России. На нескольких листах художник запечатлел виды местечка Карасу-Базара, где расположился русский лагерь. В акварелях представлен сам лагерь, плотина и водяная мельница близ Карасу-Базара.


Водяная мельница близ Карасу-Базара, 1783



Русский военный лагерь вблизи Карасу-Базара в Крыму, 1783

Разъезжая по полуострову, Иванов писал виды Акмечети - будущего Симферополя, Инкермана и его пещерного города. В альбоме встречаются виды Балаклавы, Генуэзской крепости, Георгиевского монастыря.


Вид Балаклавы с Генуэзской крепостью, 1783

Художник опять вернулся к Инкерману. Затем сделал несколько видов города Кафы, переименованного тогда же в Феодосию. Писал Бахчисарай, Старый Крым, Судак.


Крепость Инкерман в Крыму, 1796

В другом путевом альбоме Иванова отражено почти целое десятилетие: первые акварели были начаты в 1784 году, а завершили его рисунки 1792 года. Открывается альбом видами обширных белорусских имений Г.А.Потёмкина, расположенных в верховьях Днепра и Западной Двины. В акварелях запечатлены живописные виды части города Дубровны с церковью и мостом через Днепр.


Дубровна. Мостик, 1784

По реке Сож художник возвращался в Санкт-Петербург.


Панорама города Кричева со стороны реки Сож, копия во дворце Потёмкина

В 1785 году Иванов получает новое ответственное задание - запечатлеть путешествие Екатерины II по реке Мсте и Вышневолоцкой водной системе. Императрица пожелала осмотреть этот недавно реконструированный канал, позволивший сократить и тем самым облегчить путь по доставке хлеба в Северную столицу из центральных губерний России.
Это путешествие, организованное светлейшим князем, теперь уже генерал-фельдмаршалом Г.А.Потемкиным-Таврическим, началось в конце мая и продолжалось три недели. Екатерину II сопровождали избранные придворные и иностранные послы. Выехали из Царского Села в каретах, предполагая в Боровичах пересесть на суда. Однако это случилось только на обратном пути из Москвы. Императорская флотилия состояла из тридцати открытых галер. На закрытом судне, над которым развивался российский штандарт, находилась сама императрица.
Высокие холмистые берега Мсты, с расположенными на них редкими селениями, открывали живописные виды, которые Иванов зарисовывал не только с одной из галер, но и с берега реки.


Императорская флотилия на реке Мсте, 1785

В целой серии красочных акварелей он запечатлел не только продвижение самой флотилии, но и отдельные места, мимо которых она проплывала, например Нилову Пустынь на озере Селигер или Великий Новгород.


Вид Новгорода со стороны озера Ильмень, 1785

По завершении путешествия, в воскресный день 20 июля 1785 года, на торжественном собрании в Императорской Академии художеств М.М.Иванову было присуждено звание академика. Его он получил «по рисункам разных видов Крыма и четырех видов Царского Села». Правда, упомянутые пейзажи Царского Села всё-таки связаны с путешествием 1785 года, поскольку оно началось из этой резиденции Екатерины II.


Беседка Большого Каприза , 1780-е

Иванов сопровождал императрицу и во время ее путешествия 1787 года в Крым. Документально известно, что существовал еще один альбом (по-видимому, не сохранился), запечатлевший это важное событие.
В декабре 1790 года Иванов находился под Измаилом, и картину штурма писал с натуры. Конечно, художник наблюдал панораму сражения издалека, но историческая достоверность этой картины несомненна: художник писал её непосредственно в день штурма.


Взятие крепости Измаил 11 декабря 1790 года, 1790

1791 год закончился для художника неудачно. По дороге из Ясс в Николаев 5 октября скончался светлейший князь Г.А.Потемкин-Таврический. И хотя к этому времени Иванов имел уже чин премьер-майора, лишившись своего всесильного покровителя, он вынужден был пойти на статскую службу. Но все приближенные к князю не были обойдены вниманием императрицы. 7 сентября 1792 года последовал указ: определенному в Императорский Эрмитаж хранителем коллекции рисунков «обер-квартирмистру Михайлу Иванову повелеваем производить жалованье по тысяче рублей в год». Вскоре он женился на вдове известного гравера Г.И.Скородумова - Марии Ивановне, англичанке, которая тоже была талантливым гравером.
Новые занятия Иванова дополнялись работой по «продолжению снятых им по разным местам видов», то есть он должен был писать станковые акварели по собственным альбомным зарисовкам 1780-х годов. В 1792 году Иванов завершает свой путевой альбом. Последние листы альбома уже были посвящены Царскому Селу - загородной летней резиденции Екатерины II: тихие уголки Царскосельского парка и украшающие его достопримечательности отражают вкусы императрицы и свидетельствуют о быстром освоении художником новых пейзажных мотивов.

>
Большое озеро и Чесменская колонна, 1790


Вид в Царскосельском парке. Около 1794

Ко времени статской службы Иванова относится третий альбом из собрания Русского музея. В нем пятьдесят шесть акварелей и рисунков различных видов, главным образом Турции, России и Швейцарии.
Правление императора Павла I было ознаменовано войной против Франции в союзе с Турцией. В творчестве художника в самом конце 1790-х годов появились произведения новой тематики. В 1799 году им была выполнена великолепная акварель «Российская эскадра под командованием вице-адмирала Ф.Ф.Ушакова в Константинопольском проливе для соединения с турецкою 8 сентября 1798-го года». За это одно из лучших своих поздних произведений М.М.Иванов был награжден ценным подарком - золотой табакеркой. В 1800 году он стал преподавать в батальном классе Академии художеств.


Российская эскадра под командованием Ф.Ф. Ушакова, идущая Константинопольским проливом

Скромные альбомы Михаила Матвеевича Иванова являются ценным художественным памятником отечественного искусства и наглядным историческим свидетельством прошлого России. Заслуги Иванова велики - он является одним из первых отечественных акварелистов, значительна роль Михаила Иванова в развитии пейзажного жанра в России. В то время, когда достойным внимания признавался архитектурый или парковый пейзаж, Иванов в своем творчестве первым из русских художников обратился к естественному сельскому ландшафту. В отличие от военных топографов он вдохнул жизнь в запечатленные им виды, приблизив видовую акварель к созданию отечественного пейзажного жанра.
В начале 1930-х годов альбом, посвященный путешествию Екатерины II в Крым, был передан на Украину, а остальные - в Государственный Русский музей.
Использована информация из журнала "Наше наследие"

---

Нашлись картины Ван Гога

October 3, 2016, 2:43 am

≫ Next: А вдоль дороги мёртвые с косами стоят. И тишина... - Смертельные художества

≪ Previous: Первый художник-путешественник М.М. Иванов

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Нашлись картины Ван Гога

Новость из мира искусства


Винсент ван Гог. Вид на море у Схевенингена, 1882

Полиция Италии обнаружила две картины Винсента ван Гога, украденные из музея Амстердама в 2002 году. Об этом сообщило сегодня "Би-Би-Си" со ссылкой на местные власти.Картины были изъяты у неаполитанской мафии в результате масштабного и продолжительного расследования. Речь идет о полотнах "Вид на море у Схевенингена" и "Паства выходит из реформистской церкви в Ньюнене".
Назначенный итальянской прокуратурой эксперт подтвердил подлинность работ, отметив некоторые повреждения на полотнах. Несмотря на то что картины четырнадцать лет хранились в неподходящих условиях, их состояние оценивается как удовлетворительное.


Висент ван Гог. Паства выходит из реформистской церкви в Ньюнене, 1884-1885

Произошедшее в 2002 году ограбление музея Ван Гога в Амстердаме стало одним из самых громких преступлений последних лет в сфере искусства. Преступники, которые были пойманы полицией спустя год, попали в музей ночью через крышу здания. Пропажа была обнаружена только утром следующего дня, незадолго до открытия музея. Две найденных картины Ван Гога оцениваются в сумму около 89 миллионов евро; последние 10 лет они находились в первой всемирной десятке похищенных культурных ценностей. Пока неизвестно, когда именно полотна Ван Гога будут отправлены обратно в Амстердам.

А вдоль дороги мёртвые с косами стоят. И тишина... - Смертельные художества

October 5, 2016, 12:29 am

≫ Next: Музей русского импрессионизма. Диалог прошлого и настоящего

≪ Previous: Нашлись картины Ван Гога

$

0

0

Хуго Симберг (1873-1917) - Танцы на причале



Хуго Симберг (Hugo Simberg), родился в 1873-ем году в Хамина (Великое княжество Финляндское, Российская империя), - финский художник и график, крупнейший представитель финского символизма. Известен своими произведениями философского звучания, представляющими жизнь и смерть, чертей и ангелов. Автор части росписей и витражей собора Иоанна Богослова в Тампере.

Учился в нескольких рисовальных школах, но так ни одной из них не окончил.
Испытывал сильнейшее влияние Арнольда Бёклина - считал, что тот "является художником от Бога, и перед ним все должны склониться".

С 1896-года художник неоднократно выезжал за границу: бывал во Франции, Англии, Италии, где знакомился с произведениями старых и новых европейских художников.
В 1899-ом году он путешествовал по Кавказу.

Осенью 1902-го года у Хуго Симберга случился нервный срыв, и до весны 1903-го года он лечился в больнице Каллио в Хельсинки. После выхода из больницы он написал самую известную свою картину "Раненый ангел".
В том же 1902-ом году художник получил стипендию для путешествия по Европе, на средства которой в 1903-1904 годах он посетил Италию, Испанию, Францию, Северную Африку.

В 1904-ом году он выиграл первую премию на национальном конкурсе портретной живописи и в том же году он получил заказ на роспись церкви (позже собора) Иоанна Богослова в Тампере.

Последнее своё зарубежное путешествие Симберг совершил в 1910-ом году, посетив Нидерланды, Бельгию и Францию, где он снова смог остаться на продолжительное время, благодаря полученной им стипендии.

Художник не любил разъяснять символику своих произведений, оставляя это зрителю.
Умер Хуго Симберг в Эхтяри (Великое княжество Финляндское, Российская империя) 12 июля 1917-го года.



Смотреть далее

Музей русского импрессионизма. Диалог прошлого и настоящего

October 5, 2016, 10:22 am

≫ Next: Выставка Альбера Марке в Москве

≪ Previous: А вдоль дороги мёртвые с косами стоят. И тишина... - Смертельные художества

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Музей русского импрессионизма. Диалог прошлого и настоящего

Музей русского импрессионизма с 10 сентября по 27 ноября представляет проект Валерия Кошлякова "Элизии".
Мы пошли на выставку без предварительной подготовки и даже не взяли проспект, который предлагают для посетителей внизу. Бродили по залам, в лабиринте скульптур, инсталяций и картин, как по следам исчезнувших цивилизаций, и казалось, что хаотично. Смотрели и фотографировали с чистого листа. Самое удивительное оказалось потом, когда я готовила репортаж с выставки и читала проспект. Наши впечатления полностью совпали с теми чувствами, мыслями и ощущениями, которые хотел донести художник, хотя и был нарушен, задуманный им порядок и последовательность. И всё же, кажется, что лучше знать заранее, что предстоит увидеть, поэтому вкратце изложу замысел художника, не нарушая предложенный им порядок.
Это не просто персональная выставка живописи, хотя картины там тоже есть, это необычное выставочное пространство, построенное самим художником. Валерий Кошляков предлагает собственный мир в инсталляциях, руинах, картинах и скульптурах. Все это создано из простых материалов: дерево, картон, металл, темпера, битум.

1. Почему выставка называется Элизии? Терминэлизия в лингвистике - это отпадение звука в слове или фразе с целью облегчения произношения для говорящего. В названии выставки элизиистановятся символом выпадения целых пластов культуры из памяти людей. Идея проекта возникла, после того как художник побывал в Помпеях и решил написать книгу о влиянии помпейской живописи на европейскую.




2. Итак, выставка "Элизии" - это имитация руин памятников нашей культуры и попытка оценить её достижения. В пространстве музея вырастают памятники недавнего и навсегда ушедшего прошлого. И каждый фрагмент - часть единой инсталляции следов культуры.




3. Сначала надо спуститься на минус-первый этаж. Там представлено Ритуальное пространство №1. В большом зале художник выстраивает пространство, в каждом углу которого находятся знаки - фрагменты ушедшей культуры.




4. В центре зала - древний палаццо, в котором соединились разные элементы знаковой архитектуры: античные колонны и ренессансное окно-розетка.




5. Руина - образ утраченной культуры, аллегория следов культурного прошлого. Палаццо - храм ушедшей живописи.




6.


Полёт, 2016

7.




8.


Эрехтейон, 2008

9. Пройдя через руины Палаццо, оказываемся перед мифической картиной "Город. Гиганты".




10. Это отсылка к классической живописи, где герои - титаны Пергамского алтаря, выступающие на фоне фантастической архитектуры.


Город. Гиганты, 2016

11. Внутри палаццо - конструктивистские двери и изумрудно-голубые плинтуса.




12. На этом же этаже выстроено Ритуальное пространство №2. На стенах появляются двери, олицетворяющие переход в мир искусства. В этом мире огромные запретные зоны, в которые нет входа.




13. На дверях то и дело появляются головы львов, охраняющих сакральное пространство от взора человека.




14. Дверь как объект искусства использовалась очень часто. В русском искусстве часто дверь становились символом фатальности, неизбежности.




15. У Валерия Кошлякова дверь изначально нефункциональна. У дверей есть все составляющие и ручки, и пролёты. Тем не менее, это вход в сакральное пространство живописи, где всё нереально.




16. Выстроенные в линию, двери воплощают собой мемориал живописи.




17. На стене - гигантский элизиум, мифическое видение, коллаж из образов ностальгия по ушедшей великой классике.




18. Остались лишь руины, изящные силуэты, как гравюры Пиранези.


Элизиум, 2015-2016

19. На одной из стен - фрагмент большой картины, отсылающей к образу Вавилонской башни и неосуществлённому пректу Дворца Советов.


Башни, 2014

20. В конце пути портреты, сделанные в технике помпейских фресок.




21.




22. Поднимаемся на первый этаж, здесь выстроена инсула. В архитектуре Древнего Рима это многоэтажный жилой дом с комнатами и квартирами, предназначенный для сдачи внаём. Инсулы появились около III века до н.э. Верхние этажи инсул занимали в основном бедняки, более зажиточные слои населения снимали комфортабельные квартиры на первых этажах. Большинство квартир в инсулах были неотапливаемыми, малоосвещёнными. За исключением первого этажа в них отсутствовали водоснабжение и канализация.




23. В музее инсула, одновременно древняя мифическая руина и разрушенный московский дом, выступает как символ связи с прошлым. Её колорит, цветовые пятна вступают в диалог с Музеем. Возможно, это светлая грусть по ушедшему, частью которого становится импрессионизм.




24. Старые обои, обрывки газет на стенах показывают, что дом не был разрушен временем, а снесён. Здесь появляется причудливое сплетение благородного происхождения античного памятника с обломками советского прошлого. На одной из стен - репродукция "Моны Лизы" Леонардо да Винчи. Картинка, вырезанная из календаря - это ключ к пониманию инсулы. Так происходило знакомство с мировой живописью в провинции советского времени, через репродукции в журналах, открытках.




25. За стеной руин спрятан бюст мальчика, перед ним чаша с фруктами и почему-то с баклажаном. Это памятник детству, но мальчика уже нет в этом доме, он вырос и покинул его.




26. Второй этаж - зал архитектурных фантазий, он связан с историей России. Главным персонажем здесь становится открывающийся ландшафт. Перед четырёхчастной картиной "Весна" маршал опирается на лакированный советский бар, здесь маршал - ещё один утраченный образ, воплощение советской России.




27.


Весна, 2016

28.


Остров, 2016

29. Раставленная по залу мебель - атрибуты ушедшей культуры, продлившейся практически столетие.




30.




31. Ключ к этому залу - город Горький, перед панорамой которого возвышается монумент самому Горькому. Города Горького больше нет, как нет и московского памятника писателю.


Город Горький, 2016

32.


Алёнушка

33. Третий этаж - городское пространство, в котором языком становится архитектура. Это прогулка по узнаваемым знаковым местам Москвы.




34. Вот гостиница Москва, снесённая и построенная вновь. Этот памятник архитектуры неожиданно стал утраченным и подменённым в течение жизни одного поколения. Это наши руины, наши Помпеи.


Гостиница Москва, 2014

35. Напротив гостиницы - Кремль, написанный в голубых мазках. Ракурс выбран с высоты птичьего полёта. Капли краски растекаются по холстам, задавая движение образам.


Московский Кремль

36.


Ударник

37. Валерий Кошляков не просто применяет мусор для макетов-скульптур, но выстраивает чёткую связь с культурным прошлым. Его макеты - это воспоминание о русском авангарде, конструктивизме.




38. Теперь эти образы бумажной архитектуры и современной живописи возникают в пространстве современной Москвы, вступая в диалог через реальное окно Музея.




39. Футуристические макеты-скульптуры, образ современной Москвы в живописи и реальная Москва в окне Музея - спор и диалог прошлого и настоящего.




40. Ближе к окну висит картина "Город" - этюд современной Москвы, бурлящего монстра с пробками и рекламой.




41.




42. Из музейного пространства инсталляций, взгрустнувшие о навсегда ушедшем прошлом, мы выходим в реальное пространство современной Москвы.

Выставка Альбера Марке в Москве

October 10, 2016, 9:58 am

≫ Next: Арсение (Арсе) Теодорович - мастер церковной и портретной живописи начала XIX века

≪ Previous: Музей русского импрессионизма. Диалог прошлого и настоящего

$

0

0

Оригинал взят у galik_123в Выставка Альбера Марке в Москве

Новость из мира искусства


Альбер Марке. Неаполитанский залив, 1909. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Если вы не смогли посетить выставку Альбера Марке в Париже, то теперь есть возможность увидеть его картины в Москве. Параллельно с шедеврами Рафаэля Пушкинский музей с 27.09.2016 по 08.01.2017 показывает произведения французского художника-постимпрессиониста Альбера Марке (1875-1947).

Выставка "Альбер Марке. Распахнутое окно. Произведения из музеев и частных собраний России и Франции" разместилась в Галерее искусства стран Европы и Америки.


Марке Альбер. Контровой свет. Алжир. 1924. Частное собрание

В 2015 году многие крупнейшие музеи мира отмечали 140-летие со дня рождения художника. Недавно завершилась выставка Альбера Марке "Художник остановленного времени" в парижском Музее современного искусства. По сравнению с французской выставкой, проект Пушкинского музея дополнен новыми темами, которые позволяют по-другому взглянуть на Альбера Марке и его связь с Россией.


Альбер Марке. Модистки, 1901. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Друг Матисса, современник Пикассо и Дерена, известный французский художник Альбер Марке с женой приезжал в СССР летом 1934 года и, вообще, считался другом нашей страны. Он посетил Ленинград, Москву, Ростов, Тбилиси и из Батума через Средиземное море вернулся во Францию, в Марсель. Встречал художника лично писатель Валентин Катаев, он же и сопровождал гостя на приёмах и экскурсиях.


Альбер Марке. Апсида собора Парижской Богоматери, 1901. Музей изобразительных искусств и археологии, Безансон

В Москве Альбер Марке посетил Музей нового западного искусства, в котором заблаговременно вывесили все его картины. На протяжении своего визита, Марке встречался и с художниками - поклонниками своего творчества. Перед отъездом Марке говорил, что очарован людьми и природой и хотел бы приехать вновь, чтобы заняться живописью. Статьи о его визите появились в газетах "Вечерняя Москва"', "Правда", "Литературная газета", "Советское искусство".


Альбер Марке. Гавань в Ментоне, 1905. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Пушкинский музей и Эрмитаж имеют пейзажи Альбера Марке благодаря русским коллекционерам Сергею Щукину и Ивану Морозову, коллекции которых сначала оказались в Музее нового западного искусства. Как пишет искусствовед Наталья Семенова: "Именно на Марке, как ни странно, сошлись вкусы двух московских коллекционеров: в промежутке между 1908 и 1911 гг. Сергей Щукин купил девять, а Иван Морозов между 1907 и 1913 гг. приобрел шесть картин Марке".


Альбер Марке. Солнце над деревьями (Солнце над Парижем. Набережная Лувра), 1905. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Альбер Марке. Вид на Сену и памятник Генриху IV (Париж. Вид Лувра), ок. 1906. Эрмитаж, Санкт-Петербург



Альбер Марке. Париж зимой. Набережная Бурбон, 1907. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва

Катаев писал о Марке: "Ведь это он научил художников передавать воду белилами. Ведь это он с необычайной смелостью ввел употребление натурального черного цвета... Ведь это он наглядно показал, что цвет - это эпитет, который может с предельной, лапидарной, почти научной точностью определить качество предмета - будь то чугунная ограда Сены, буксирный пароход или куст боярышника на сельской меже".


Альбер Марке. Собор Парижской богоматери зимой, 1908. ГМИИ им. А.С. Пушкина



Альбер Марке. Наводнение в Париже. Мост Сен-Мишель. 1910. ГМИИ им. А.С. Пушкина

Всего на выставке представлено 69 работ, сгруппированных в четыре раздела: "Марке и фовизм", "Париж Марке", "Путешествия художника", "Марке в России". Помимо полотен самого Марке показаны работы его друзей-фовистов - Рауля Дюфи, Анри Мангена, Андре Дерена, Мориса де Вламинка, а также произведения российских художников, испытавших влияние французского мастера.


Альбер Марке. Порт в Онфлере, 1911. ГМИИ им. А.С.Пушкина, Москва



Альбер Марке. Венеция, 1936. Частное собрание



Альбер Марке. Алжир, вид на город с высоты, 1940. Частное собрание



Альбер Марке. Дома за деревьями,1944. Частное собрание

На выставке впервые представлены материалы о поездке и впечатлениях Марке в СССР. В экспозицию также входят произведения представителей московской группы "13" и ленинградского объединения "Круг художников", которые в изображении городских пейзажей Москвы и Ленинграда были близки к поискам французского живописца.

Арсение (Арсе) Теодорович - мастер церковной и портретной живописи начала XIX века

October 13, 2016, 12:01 am

≫ Next: Церкви и монастыри города Серпухова

≪ Previous: Выставка Альбера Марке в Москве

$

0

0

Оригинал взят у alliryв Арсение (Арсе) Теодорович - мастер церковной и портретной живописи начала XIX века

Много ли мы знаем о сербских живописцах? Боюсь, что мы в лучшем случае слышали их имена или случайно натыкались на могильные плиты во время обзорных экскурсий. А ведь эти мастера сохранили для нас историю, увековечив ее в резных иконостасах старинных церквей и точных, будто фотографии, портретах важных для той эпохи людей. Одним из таких умельцев, знакомых ныне лишь экспертам в мире изящных материй да высоких искусств, был Арсение Теодорович - дока церковной и портретной живописи свободного града Нови Сада начала XIX века.

Портрет Симеона Коича, священника в Старом Врбасе, 1825


Арсе Теодорович родился в 1767 году в деревушке Перлез, расположенной на середине пути между Сремскими Карловцами и Тимишоарой у живописной "Carska bara" (природный резерват). Это маленькое поселение (в те времена оно насчитывало всего 9000 жителей, а теперь и вовсе менее 4000), достаточно хорошо известно. Помимо главного персонажа нашего сегодняшнего романа, здесь появились на свет народный герой Пап Павло и фолк-певица Стойя.


Свою карьеру Арсе начал в качестве помощника учителя. Он набирался опыта, обучаясь у мастеров-художников в Банате и Среме. В 1788 году, накопив немного денег, он отправился в Вену и поступил в Академию изобразительных искусств. Тут юный Теодорович познакомился с Доситеем Обрадовичем - первым Министром просвещения Сербии, глубоко образованным представителем политики просвещенного абсолютизма (или, как ее принято называть, йозефинизма). Эта дружба стала знаковой для будущего художника. Поняв необходимость образования, он стал поборником культурного просвещения австрийских сербов.

Портрет Доситея Обрадовича, 1819


По завершению Академии в 1796 году Арсе Теодорович перебрался в Нови Сад, а после временно поселился в Тимишоаре. Там он открыл художественную школу, но надолго не задержался. Уже в 1803 году он вернулся в Нови Сад, где и жил до самой своей смерти в 1826 году.

                                       Портрет юного Павле Трифунаца из Батфе, 1820   


Самой ранней из известных работ живописца стал портрет Доситея Обрадовича, написанный в 1794 году. Это было первое из полотен сербских мастеров, запечатлевшее не церковного чиновника и не библейскую сцену, а гражданское лицо. Арсение работал не покладая рук и вскоре "поместил в позолоченные рамки" целую когорту достопочтимых товарищей- писателя и педагога Аврама Мразовича, купца Гаврила Божитовца, фельдмаршала Дука, протоиерея Койича и епископа Кирилла Живковича.

                                         Портрет юноши из семьи Трифунац, 1808


                                                        Портрет Уроша Несторовича, 1820


Не забывал он и портретах дам. Не сосредотачиваясь на материале и декоративных элементах, он старался четко передать формы, особенности натуры и эмоциональный настрой своих моделей.

                                                &nbsp; Портрет Макрены Коич, супруги Симеона Коича, 1825


Портрет Софии Хаджич, урожденной Петрович


Но, обеспечив себе место среди ведущих представителей классической школы (или, если говорить точнее, сербских неоклассицистов) и заработав достаточно денег, Арсе сконцентрировал все свое внимание на том, что было ему гораздо ближе - на иконописи. Известно, что за время своей художественной деятельности он расписал не менее 26 иконостасов, в т.ч. для церквей в Футоге, Панкраце, Вршаце, Земуне, Зренянине и Новом Саде. Самой же прекрасной и масштабной из его работ стала роспись Алмашкой церкви - крупнейшего из православных храмов Нови Сада.


В резных "подставках" под иконы, созданных на основе гравюр великих мастеров Барокко и Ренессанса, он передавал все особенности своего классического воспитания: простой и понятный сюжет, наглядную композицию, сдержанные краски и идиллическое освещение. В качестве декораций к известным библейским сценам он использовал руины греческих храмов, римские акведуки и средиземноморские пейзажи.


Как ни странно, Арсе Теодорович не заинтересовался работой над только что возведенным Успенским храмом в родном Перлезе. Кто знает, что стало тому виной. Возможно, жители Перлеза не были столь состоятельными, чтобы оплатить внутреннее убранство храма сразу после его постройки в 1811 году. Или, быть может, Арсений зазнался из-за столичной популярности. Был ли он чрезмерно занят или попросту излишне дорог?


Как бы там ни было, память о великом художнике сохранилась во всех уголках Австро-Венгерской империи, кроме его родного края. Стены же Успенского храма украшают дивные иконы, созданные не менее прославленным, чем Арсе, художником Урошем Предичем.


В 1821 году Арсение Теодорович попробовал свои силы в написании исторических полотен. Но, несмотря на огромные амбиции и талант, вложенные в создание композиции "Стеван Штилянович делит еду между сиротами", он так и не обрел славы в новом качестве.

Богич Вучкович, 1812


Часть заработанных средств живописец тратил на обучение юных талантов. Среди студентов его художественной школы в Тимишоаре был и гениальный портретист Константин Данил. В течение 4-х лет он, войдя в круг наиболее приближенных к мастеру учеников, обучался классическому искусству и создавал наброски, портреты, пейзажи и скульптуры. Говорят, что совсем скоро рука Данила стала столь уверенной, что его труды стали путать с работами учителя.

Портрет Йована Ягодича (художник Константин Данил)


Другим известным учеником, выпустившимся из художественной мастерской Арсе Теодоровича в Нови Саде, был Никола Алексич - родоначальник целой династии живописцев и автор иконостасов православных церквей в Кувине, Араде и других городах Румынии. В течение нескольких лет Арсение руководил еще одной студией - "Школой рисовальщиков" (Crtačka škola) в Сремских Карловцах.

Портрет майора Йована Стефановича Виловски (художник Никола Алексич)


О личной жизни мастера ничего не известно. Мы знаем лишь о том, что свободное от работы время самый известный из новисадских деятелей искусства начала XIX века проводил в первой городской кафане. "Турецкий хан" ("Turski han") открылся на месте, где сейчас находится здание культурно-просветительского общества "Матица Српска", вскоре после провозглашения Нови Сада свободным городом. Тогда здесь собиралась сербская элита - писатели и художники, учителя и адвокаты. Тут, за чашечкой крепкой "турской кафы", решались дела государства, рождались на свет дерзкие планы и инноваторские идеи.


"Турецкий хан" был столь популярен, что примеру его хозяина, Манойло Бербера, последовали десятки состоятельных людей. К концу XIX века в Новом Саде открылось более 50 кафан, ресторанов и небольших гостевых домов. К сожалению, в наши дни эти заведения утратили свое первоначальное значение, превратившись в места для увеселения да набивания животов.


Арсение Теодорович этого, конечно, уже не увидел. Он покинул грешную землю в 1826 году и был похоронен у входа в Алмашку церковь, рядом с лучшей частью своего бессмертного наследия. Эту часть города он любил со всей силой своей широкой души: здесь располагались два принадлежавших ему дома.


Не сохранилось ни одного портрета основоположника сербского неоклассицизма. Зато остались его труды - иконостасы храмов в Футоге, Пакраце, Вршаце, Новом Саде, Карловце, Сремской Митровице, Баваниште, Зренянине, Земуне и десятке других городов бывшей Австро-Венгерской империи. Часть портретов известных деятелей XVIII-XIX веков, вышедших из-под его кисти, хранится в Галерее Матицы Српской в Нови Саде и в Национальном Музее Сербии в Белграде.


Разномастность фотографий объясняется их происхождением "Найдено в интернете".