Are you the publisher? Claim or contact us about this channel


Embed this content in your HTML

Search

Report adult content:

click to rate:

Account: (login)

More Channels


Channel Catalog


Channel Description:

История искусств - LiveJournal.com
    0 0

    В подмосковной Коломне сохранились остатки грандиозного кремля, построенного в 1525-1531 гг. Этот памятник оборонительного зодчества свидетельствует о важности южных рубежей Московского царства, ведь именно с юга на Русь совершали набеги татары. Когда-то Коломна была главной крепостью, оборонявшей Москву с этого направления.



    Град Коломна был основан в середине 12 века рязанскими князьями, впервые она упоминается в 1177 (6685) году в Лаврентьевской летописи как пограничный пост Рязанского княжества. В 1238 году у стен Коломны произошла битва русских князей с татаро-монголами, это было сражение предопределившее дальнейшую историю Руси. Битва проходила непосредственно у стен Коломенского кремля, несмотря на разгром русских сил, татарам был нанесен существенный урон, погиб даже один из чингизидов - царевич Кулькан.

    На данный момент, остатки домонголького кремля Коломны не найдены, видимо это было очень незначительное деревянное укрепление. Последующее возведение мощной фортификации в 16 веке скрыло следы старой крепости. Плоский рельеф местности Коломны требовал очень серьезных укреплений, поэтому в начала 16 века во времена царствования Василия III здесь возвели одну из мощнейших крепостей на Руси. Строили Коломенский кремль, как и московский, итальянские архитекторы, в связи с этим кремли в Москве и Коломне схожи. По своим размерам Коломенский кремль уступает Московскому лишь незначительно.



    Кремль в Коломне похож на многие крепости северной Италии, например, на замок Скалигеров – Кастельвеккьио. Подобные итальянские крепости стали прототипами для всех русских кремлей - Москвы, Коломны, Нижнего Новгорода, Тулы, Ивангорода и т.д. В северной Италии в 15 в. любили сочетать белый камень с кирпичом при строительстве замков и делали зубцы в виде ласточкиных хвостов, сейчас такие зубцы можно увидеть в Московском кремле, в Коломенском их зачем-то заложили кирпичом, придав прямоугольную форму. Зачем непонятно, тем более почти все зубцы в кремле являются новоделами, как и почти все сохранившиеся стены.



    Стены Коломенского кремля выделяются приличной высотой - более 20 метров. Такая фортификация для начала 16 века была уже архаичной, так как артиллерия без особого труда проламывала подобные высокие и относительно тонкие стены. Но для России эти крепости были еще актуальны, так как основные противники Московского царства это татары, особенно на южном направлении, а татары, как известно, артиллерию применяли очень редко.

    Павел Алеппский в своем «Путешествии антиохийского патриарха Макария в половине XVII века» так описывал Коломенский кремль:

    >>>>Что касается описания этого города, то он представляется в таком виде. Он величиной с город Эмессу, но стены его, выстроенные из больших камней и крепкого, чудесного красного кирпича, страшной высоты. Его башни походят на башни Антиохии - или даже лучше и красивее их по постройке — удивительно крепки и непоколебимы. Каждая башня имеет особый вид: одни — круглые, другие — восьмиугольные, иные — четырехугольные, и все высоки, величественны и господствуют над окрестностями; они в четыре яруса, со многими бойницами и амбразурами. Вокруг каждого яруса имеется снаружи проход, в виде балкона, с зубцами и бойницами, направленными вниз, подобно тем, которые находятся внутри и снаружи крепости Аль-Хусн у нас.



    Важнейшей башней Коломенского кремля были Пятницкие ворота, названные в честь церкви Параскевы Пятницы, которая когда-то стояла рядом на посаде. Это главные и к настоящему времени единственные сохранившиеся ворота города. С нее мы начнем осмотр крепости.


    Ворота двухъярусные с выдвинутой вперед стрельней, они похожи на Спасскую башню Московского Кремля. Когда-то перед башней пролегал крепостной ров, через который видимо можно было перейти по подъемному мосту. Рва давно уже нет и пространство возле башни облеплено небольшими строениями, некоторым из которых уже 200 лет.

    Павел Алеппский писал о воротах Коломны следующее: «Крепость имеет четверо больших ворот; внутри каждых ворот четыре двери и между ними железные решети, которые поднимаются и спускаются посредством подъемной машины. У каждых ворот много пушек, а на башне их висит колокол, в который, в случае тревоги, немедленно ударяют для оповещения жителей. Теперь в него звонят всякий раз как случится пожар.»



    Проход через башню состоит из подковообразных арок. Когда-то ворота внутри перекрывались подъемными решетками.


    Пятницкие ворота вид из кремля.


    Про оформление ворот у Павла Алеппского:
    "Над каждыми воротами есть большая икона, написанная на стене в (заделанном) окне, над которым большой навес вокруг иконы для защиты от дождя и снега. Перед иконами большие стеклянные фонари, в коих зажигают свечи. Над главными воротами снаружи изображение Господа Христа в рост, а над внутренними воротами образ Владычицы."


    Изначально воротная башня имела наверху галереи с зубцами в виде ласточкиных хвостов, но потом их надстроили, и промежутки между зубцами превратились в бойницы. В Писцовой книге 1578-1579 гг. сообщается, что в башне у Пятницких ворот хранилось: 16 медных пищалей и 74 железных, 5500 железных ядер, 17 пудов ядер свинчатых, 31 пуд ядер затинных (пищальных), «зелья» (пороху) 7 бочек. В общем, целый арсенал, лично мне Пятницкие ворота своими многочисленными бойницами напоминают китайскую башню Дунбяньмэньв Пекине.



    Прясло стены исчезло, но по следам на башне можно сделать определенные выводы о том, как были устроенны стены кремля. Видна каменная забутовка, основной массив стены состоял именно из нее, плюс, как минимум существовали два прохода на стену - один крупный наверху и еще один ниже - к бойницам среднего уровня. Вероятно, мог быть еще один проход, он находился в самом низу и вел к бойницам подошвенного боя.


    Всего в Кремле существовало 17 башен, 16 стояли в линии стен и одна - Тайницкая, была выдвинута к Москве реке, она разрушилась и исчезла самой первой. Кроме Пятницких ворот в 16 веке возвели еще две воротные башни - Ивановскую, она была похожа на Пятницкую, и башню Косых ворот, они выводили к реке. Ивановские и Косые ворота не сохранились, также как и весь северный участок стены. Сейчас в Коломенском кремле присутствуют только 7 башен и два участка с восстановленными стенами. Можно подумать, что это мало, но следует учесть, что многое российские кремли исчезли почти полностью, как например, в Серпухове.

    Рядом с Пятницкими воротами находится Погорелая башня, она вся огорожена какими-то заборами и подойти к ней у меня не получилось. Свое название башня получила из-за частых пожаров. На ее стене видна огромная трещина, это отваливается задняя часть башни, пристроенная в 1885 г. архитектором А.М.Павлиновым, он использовал менее качественный кирпич (и более темный, поэтому его привнесения хорошо заметны), и видимо несколько переборщил с реконструкцией.


    Верхняя галерея Погорелой башни.


    Вид на соборную площадь Коломенского кремля.


    Следующая башня - Спасская. Она так названа из-за находившегося напротив неё Спасо-Преображенского монастыря, упраздненного в 19 веке, в 20 в. его строения были уничтожены.
    Все эти башни в сущности типовые. Высота каждой из них — 24 метра, длина — 12, ширина — 8, толщина стен башен наверху (1,85 м) меньше, чем внизу (2,9 м). Один из этажей — подземный, боевые окна, которого выходили в ров (сейчас он скрыт грунтом). Завершались башни шестым ярусом — галереей. Её зубцы, как и зубцы стен, напоминают форму ласточкина хвоста (высота зубцов — 2,5 м, ширина — 1,44 м, глубина — 1 м).

    Слева от Спасской башни виден некий земляной вал, это не что иное, как остатки прясла стены, только разрушенного и ушедшего под землю. Тут надо сказать, что абсолютно все башни и участки стен кремля сильно углубились в грунт, я бы предположил, что на 2-3 метра, минимум, и это не считая фундамента. Т.е. в древности стены и башни кремля были зрительно выше, чем сейчас.


    Белокаменная забутовка стены, как видим, никаких ходов в ней нет. Зато хорошо понятна строительная технология - основной массив стены, это плохо обработанный камень, а снаружи, кирпичная облицовка.


    На фото 1900-1910 гг. прясло стены между башнями еще присутствует, хоть и сильно разрушено. В советское время эти стены разобрали, скорее сие произошло в эпические времена тов.Сталина, когда памятники русской архитектуры изводили на щебенку.


    Следующая башня здесь Семеновская (или Симеоновская) Справа, вместо прясла стены по валу идет забор, надо сказать, что Коломна невероятно "заборный" город, местная администрация просто двинута на ограждениях.


    Семёновская (Симеоновская) башня названа так по церкви Симеона Столпника, находившейся раньше рядом на Житной площади и разрушенной в 1934 году.
    У коломенских башен, стоящих с напольной стороны, есть интересная особенность, которая редко где повторяется в русских кремлях. Они все очень вытянуты в сторону фронта, т.е. в плане это прямоугольники, где узкая боковая сторона сильно выдвинута вперед. Например, в Московском кремле таких башен нет.


    Эти башни больше предназначены для стрельбы вдоль стен, а не по фронту. И вообще они выглядят очень архаично, здесь нет, например, бойниц навесного боя. Эти башни были бы хороши для итальянских средневековых замков доогнестрельной эпохи.



    Около местного автовокзала сохранилась еще одна башня - Ямская. Своё название башня получила от одноимённой слободы, в которой селились коломенские ямщики. В общем, здесь соблюдается невероятная историческая преемственность - столетиями у башни существовал ямской и конюшенные дворы, и теперь здесь по сути тоже самое - автовокзал "Старая Коломна". Плохо только, что с этого автовокзала далеко не уедешь, он местный, автобусы ходят только по близлежащим деревням. Межгородской автовокзал в Коломне находится рядом с железнодорожной станцией Голутвин.



    У Ямской башни сохранился внушительный участок стены, вернее его построили таковым к 800-летнему юбилею Коломны в 1977 году.


    Вот так выглядел автовокзал в 1969—1970 гг. Как видим, прясло стены отсутствует полностью (его остатки виднеются слева), зато присутствует широкая улица, ведущая непосредственно в Кремль.
    Автор снимка Седов Юрий Федорович https://pastvu.com/p/208172


    Участок стены здесь раскопали и реставрировали. Вызывает определенное удивление то, на какой глубине залегали белокаменные основания стен, так характерные для итальянской фортификации. Эта канава считается крепостным рвом, но рвы у русских кремлей никогда не приближались так близко к стенам, например, ров в Московском Кремле прорыли на приличном расстоянии от крепостных стен. Если сюда еще пустить воду, она банально начнет их подмывать и всячески способствовать разрушению. Поэтому можно предположить, что ров Коломенского кремля был сухим.

    Павел Алеппский описывал рвы Коломны как весьма внушительные инженерные сооружения - "Скаты рва широки, огромны и все выложены камнем." Белый камень тут присутствует, но все равно, выглядит это ров очень подозрительно. Я бы предположил, что эта яма просто соответствует поднявшемуся за столетия грунту.





    Арки внутренней стороны крепостной стены.


    Мы подходим к предпоследней сохранившейся башне Коломенского кремля, называется она Грановитой. Это приземистая мощная башня с интересной структурой - снаружи она округлая, вернее многогранная, а сзади квадратная. Вплоть до 20 века здесь сохранялись руины прясла стены, но в советское время эту стену, как полагается, разобрали, оставив небольшой обрубок.


    Так выглядела стена рядом с Грановитой башней в начале 20 века. Фото из журнала vittasimКак видим, руины были внушительные, поэтому большевики решили, что незачем пропадать такому количеству стройматериалов.


    Зато появился вот такой красивый вид на Успенский Брусенский монастырь.


    Артиллерийские бойницы Грановитой башни.


    И, внизу на фото, самое мощное прясло стен Коломенского кремля, между Грановитой и Коломенской башнями. Выглядит оно циклопически, но определенные вопросы вызывает. Безусловно, весь наблюдаемый облик является новоделом чистой воды, но и новоделы тоже могут быть разными. Несколько озадачивает такой наклон стен, как правило, покатые скаты бастионов появились несколько позже, в России так вообще в 18 веке. В Московском кремле кое-где основания стен, действительно, существенно шире верхней боевой площадки, например, такая покатость наблюдается в районе Александровского сада, но это, скорее, исключение. Кажется, что мало артиллерийских портов в стенах, с другой стороны, в Московском Кремле их сейчас вообще нет. И конечно остается проблема рва, как видим, здесь даже через него мост переброшен. Просто очень сложно представить себе настоящий кремль, когда еще в начале 20 века эти стены пребывали в руинах.



    Так Коломенская (или Маринкина) башня и прилегающие к ней стены выглядели в первой половине 20 века. На этом фото вызывает интерес сохранившийся участок стены около башни, уж очень он ровный, ведь, не забываем, новоделы и реконструкции создавали и в 19 веке...




    Артиллерийские порты тут с раструбом, увеличивающим сектор обстрела.


    И самое интересное место в этом промежутке стен - Михайловские ворота. Эти ворота весьма загадочны, они были созданы в 16 веке, и в 16 веке их же заложили, затем обрели не ранее 20 вв., вот такая история. На сайте Коломенского кремля есть еще вот такое любопытное предложение: "В прясле стены между Коломенской (Маринкиной) и Грановитой башнями располагаются бывшие подъёмные Михайловские ворота, которые перекидывались через ров с водой."

    Я как не старался, но ничего внятного об этих воротах не нашел, но объективно они сейчас существуют, и, действительно, к ним идет мост, переброшенный через ров, естественно, не подъемный. Несколько настораживает утверждение, что во рву была вода, если была, то на какой глубине? У меня нет ощущения, что эти стены внизу подвергались длительному воздействию сырости. Может быть ров был очень глубоким, и вода плескалась существенно ниже видимого сейчас уровня?



    Белокаменное основание стен.




    Последней нам осталась самая известная башня в Коломне - Коломенская, также называемая Маринкиной, в честь Марины Мнишек, которая якобы в ней была заточена. Безусловно, эта история абсолютно легендарна, хотя поляки и Марина Мнишек, действительно, проживали в городе одно время. Коломенская башня прикрывала дорогу между Москвой и Рязанью и служила сторожевой вышкой, поэтому это самая высокая башня в кремле.

    Контрфорсы стен тут, понятно, что новые, также как и вся кирпичная облицовка. Интересно, что бойница подошвенного боя в Маринкиной башне расположена так, что может стрелять вдоль стены, непосредственно под мостом, ведущем в Михайловские ворота, в общем, проблема рва Коломенского кремля весьма актуальна. Стоит отметить, что для подъема воды в ров, должна была существовать специальная система инженерных сооружений, ведь рельеф местности здесь, отходя от реки, сильно повышается.




    Белокаменные навесные бойницы в Коломенской башне.


    Рядом с Маринкиной башней недавно поставили памятник Дмитрию Донскому, как известно, Коломна была местом сбора русских князей, шедших на поле Куликово в 1380 году.
    "На Москве кони ржут, звенит слава по всей земли Руской, трубы трубят на Коломне, бубны бьют в Серпухове, стоят стязи у Дону великого на брезе."Задонщина (14-15 вв.)


    Монумент создал скульптор Александр Рукавишников, надо сказать, мне редко какие современные памятники нравятся, но этот явно удачный.




    Мои посты о русских городах:
    Кидекша - крепость Юрия Долгорукого
    Сумрачный Суздаль
    Ветхий город Владимира
    "Новый город" старого Владимира
    Владимир - вторая столица Руси
    Боголюбово - замок князя Андрея

    0 0

    Оригинал взят у verapapkovaв Музей костюма в Павловском дворце

    Я никогда не слышала о существовании такого музея. Просто проезжая через Павловск, увидела из окна машины его вывеску и не могла не зайти.



    Музей находится в прекрасном Павловском дворце, который сам по себе, безусловно, стоит посещения.



    Дворец же, в свою очередь, находится в совсем уж прекрасном парке.



    Здесь так прекрасно, что просто не хочется уходить! Жаль, что у меня в этот раз совсем не было времени задерживаться, потому что вообще-то это была незапланированная остановка на пути из Питера в Москву.



    Вот отдельный вход в Музей костюма в правом крыле дворца. Он весь умещается в нескольких небольших зальчиках, и сразу становится понятно, откуда вдруг и что это за такой внезапный музей костюма - на самом деле это просто отдельно вынесенная часть экспозиции Павловского музея, относящаяся к костюму.



    Здесь представлены подлинные вещи членов императорской семьи с XVIII по начало XX вв - несколько платьев Екатерины II... что-то из мужского гардероба, кажется, самого Павла I, владельца дворца... В специальных комодах, ящики которых можно выдвигать самостоятельно, довольно много отдельных текстильных артефактов и аксессуаров - образцы кружева, сумочки и т.п.
    Основная часть платьев и костюмных комплексов принадлежала императрицам Марии Федоровне и Александре Федоровне.



    Возможно, если смотреть на эту небольшую по размерам экспозицию посторонним взглядом, ее можно обойти за полчаса. Мне пришлось уложиться в час, потому что впереди была длинная дорога в Москву. Но, если бы я никуда не спешила, уверена, что провела бы там полдня. Во всяком случае, дольше, чем на огромной ретроспективе Зайцева, состоящей из более чем ста луков.



    Потому что в любой из этих подлинных вещей такая бездна красоты и мудрости - не блестящей, не декоративной, а технологической и ремесленной! Зонтичная тафта, машинная строчка и несколько нашитых пайеток и вблизи оказываются ровно тем самым, чем являются, не раскрывают никаких особых тайн и секретов. По той простой причине, что никаких тайн в них и не было изначально. Но эти вещи - совсем другое дело. В них столько мастерства, столько подлинной жизни и глубины, столько практически утраченной сейчас техники, что они просто не отпускают от себя. Начинаешь рассматривать - и не можешь оторваться, настолько сильна их технологическая магия.



    К сожалению, фотографировать там не разрешают, так что несколько моих контрабандных снимков не позволяют составить представление об экспозиции. Но если, вы, как и я, до сих пор не знали о существовании такого музея, то знайте - он существует и, безусловно, заслуживает посещения.



    0 0

    Оригинал взят у verapapkovaв Коллекция резной кости в Этнографическом музее

    Она большая, размещается в отдельном зале.



    В основном эти вещи сделаны из моржового клыка, бивня и кости мамонта.



    Самый большой экспонат поражает своей красотой - это облицованные костью двери юрты.



    Вот на этой картинке хорошо видно, как именно в мобильную разборную конструкцию юрты монтируются такие капитальные стационарные двери.



    Главным образом, представлены две традиции резьбы по кости - работы мастеров-эвенков, эскимосов, чукчей и других малых северных народов, и мастеров русского севера, Архангельска.



    Многие изделия чукотско-эскимосского косторезного промысла датируются XX в и отрабатывают актуальную советскую тематику.



    Вот изображение пионерского лагеря на Чукотке 1957 года, например.



    А вот эти очаровательные шахматные фигурки в виде животных - 1920-х гг.



    В совсем недавних вещах начинают ощущаться некоторые стилистические разброд и шатание.



    Но мастерство обработки, владение материалом по-прежнему поразительны.



    Что касается более ранних работ, первой трети ХХ века и ранее, это, конечно, высочайшие образцы наивного искусства.



    Цельность мировосприятия, лаконичность, пластическая точность и чистота высказывания просто невероятны.



    Еще одно качество, общее для всех этих вещей - очень точной найденный баланс между обобщенностью и детализацией.



    Работы мастеров русского севера демонстрируют совсем другую, европеизирующую стилистику.



    В них широко разрабатывается и религиозная тематика.





    Но и в обиходных, чисто декоративных объектах они демонстрируют совершенную виртуозность.



    Не каждое кружево может быть таким тонким!





    Постоянно ловишь себя на мысли - как же это сделано?



    В этом зале темно, подсветка витрин сильно бликует, поэтому получилось сфотографировать не все, что хотелось.



    Ну, может быть, это будет стимулом сходить и увидеть все своими глазами - оно того стоит!



    0 0

    Оригинал взят у s_tumanskayaв Шедевр Ренессанса - Азербайджанский ковер

    Сколько волнующих моментов - затаенный восторг, удивление, неизвестность и такое неизменное желание разгадать тайну знаков, вплетенных в разноцветное полотно. Вглядываясь в диковинные узоры и любуясь красками, мы редко задумываемся о том, что ковер это еще и билет в музей истории искусств...

    XIV век. Средневековая Европа изнемогала от тоски. Богатство уже не приносило былого удовлетворения. Огромные, но холодные замки знати душили владельцев сыростью и нагоняли апатию.



    Нужно было что-то новое, яркое как вспышка. Тем временем экспрессивные итальянцы экспериментировали с художественными формами и воплощали свои фантазии в предметах обихода. Роскошная мебель, изысканные столовые приборы, утонченные подсвечники, золотые и серебряные безделушки- все это вывозилось в Европу и околдовывало умы разных слоев населения.
    Но самым главным предметом экспорта стало изобразительное искусство. Его распространению послужило повальное увлечение религиозными рисунками. Как дворянство, так и представители низших слоев общества считали своим долгом иметь собственный «иконостас». Заказы поступали отовсюду, производство портретов Девы Марии, Иисуса Христа и святых покровителей было поставлено на поток. Пусть и небольшими, но рисунками могли владеть все. Искусство пришло в каждый дом, найти человека которому оно было бы чуждо, стало почти невозможным. Зарождалась новая страница истории, эпоха, навсегда изменившая сознание, культуру и жизнь общества - Ренессанс.



    Несколькими столетиями ранее.Итальянские купцы ведут активную торговлю между западной Европой и Востоком. Особое внимание венецианских торговцев привлекают азербайджанские ковры. Скупая их у путешественников, дипломатов и купцов с Востока, итальянцы перепродают ковры европейским монаршим персонам. Изделия с охотничьими сюжетами, геометрическими узорами и великолепными цветочными рисунками стоят баснословных денег. Ковер превращается в символ власти, он становится доступен лишь королям и высшей духовной знати. Вместе с символизмом растет и его сакральная значимость. Привезенный из неведомых, почти сказочных стран, ковер появляется только там, где есть место необъяснимому, Божественному началу. С огромным трепетом к нему относятся не только простые смертные, но и сильные мира сего.
    С началом крестовых походов начинается массовый ввоз ковров в Европу. Иран, Турция, Азербайджан, Средняя Азия - более десятка стран, из которых завозились ковры, становятся для европейцев тождественными. В этом потоке азербайджанские ковры утрачивают свое исконное название, теперь их все чаще именуют «восточными», «персидскими» или «турецкими».



    XV век.В Европе поглощенной страстным интересом к искусству изучают живопись, античную литературу и художественные традиции других стран. Ковры становятся бесценным источником информации о культуре Востока и еще одним средством выразить себя. Украшая обширные залы своих замков коврами, дворянство удовлетворяет сразу несколько потребностей. Во-первых, на фоне великолепного ковра можно было почувствовать себя царственной персоной, во-вторых, наличие ковров свидетельствовало о достатке и просвещенности хозяев, ну и в-третьих, ковер сохранял тепло и создавал уют, превращая унылые пространства в милый сердцу дом. Стремление представить себя в величественном образе рождает моду на настенную живопись. Заказы на собственные портреты исходят от королей, придворной знати, священников и даже торговцев. Большинство из них желает быть нарисованными на фоне ковра, остающегося символом власти и причастности к сокровенному. Все, у кого есть деньги, становятся героями славных сцен. Европу захлестывает невиданная доселе волна тщеславия.



    Время художников.Искусство Ренессанса удивляло и восхваляло. Оно превозносило как героев, так и их творцов. Из простых ремесленников художники превращались в персон удостоенных дружбы высшей аристократии. Кроме богатства и славы Ренессанс принес художникам свободу, возможность воплощать в работах оригинальные идеи. Религиозная тематика, как и прежде, была основной, но теперь она отражала знаки и философию нового времени.
    Коллекции знати бесконечно пополнялись зарубежными образцами художественной мысли, тут же подхватываемой местными мастерами. Школы живописи дополняли и обогащали друг друга, тенденции плавно перетекали в поиск новых художественных форм. Так в итальянскую школу живописи прочно вошел символизм, характерный для работ тогдашних нидерландских мастеров. Один из главных символов эпохи возвеличивания человека занял почетное место на полотнах европейских художников ХV-ХVI вв. Это был азербайджанский ковер.



    Ван Эйк.«Мадонна каноника ван дер Пале», 1436. Музей Гронинге, Брюгге.
    Трон в зале сложной архитектурной конструкции. На нем сидит Мадонна с младенцем. По правую руку от них св. Донат в синем облачении, окаймленным золотом. По левую - св. Георгий, изящный юноша в тяжелых доспехах. Между Мадонной и св. Георгием коленопреклоненный каноник Иорис ван дер Пале. Лицо каноника, написанное художником с физиономической точностью, без прикрас, не оставляет сомнений- именно он является не только заказчиком картины, но и ее главным героем. И снова идея сопричастности к великому, и снова главный инструмент- ковер. У подножья трона Марии прекрасный образец ковровой композиции «Зейвя» Губинской школы, который умело использовал для передачи натуралистичности обстановки великий нидерландский художник Ян ван Эйк.



    Ганс Мемлинг.Его часто сравнивают с ван Эйком, жившим на сорок лет раньше. Действительно, два гения своей страны и эпохи обращались к возвышенному используя одни и те же приемы. На портретах обоих мастеров одна и та же тема и манера письма. И все же они разные. Мемлинг создает трогательные, незапятнанные пороками лица. Символы в его картинах призваны подчеркнуть красоту и гармонию образов. Под ногами Мадонны, как и у ван Эйка, привычно лежит азербайджанский ковер, но даже здесь художник руководствуется свойственной только ему передачей восприятия. Мемлинг находит подходящий рисунок и тон в коврах ширванской и карабахской школы. Они запечатлены в работах «Дева Мария с младенцем и ангелом» из коллекции Национальной галереи в Лондоне и «Портрете молодого человека», хранящемся в Королевском музее изящных искусств в Брюсселе. Азербайджанские ковры встречаются и на многих других полотнах художника.



    Антонелло да Мессина.«Святой Себастьян», 1475. Картинная галерея, Дрезден.
    Юноша, чье прекрасное тело пронзают стрелы и режут веревки, удивительно спокоен.
    Привычный образ изможденного мученика, каким выступал на картинах итальянских художников XV века святой Себастьян, сменил полный жизни герой Антонелло. Неаполитанский мастер изобразил его на фоне тихого и уютного городка, залитого солнечным светом. В этом беспечном, охваченном полудремой мире, горожане заняты привычными делами. Ковры, которые вывесили проветрить на балюстраде мечтательные девицы, как нельзя лучше подчеркивают атмосферу беззаботности. Художник не случайно воссоздал узоры азербайджанских ковров в своей картине. Они – яркая деталь почти идеального города, где есть место всему, кроме милосердия к умирающему святому...



    Карло Кривелли."Благовещение", 1486. Национальная галерея, Лондон.
    Насыщенные цвета, построение перспективы, огромное количество деталей, которые можно рассматривать до бесконечности, и конечно же глубокий символизм вот уже несколько столетий вызывают неподдельный восторг у зрителя. В картине Кривелли отображены сразу два события- явление Марии благой вести и получение Асколи-Пичена административной автономии от папского престола, о чем повествуют надпись «Libertas Ecclesiastica» (Свобода церкви) и святой Эмидий показывающий модель покровительственного города архангелу Гавриилу. На мосту, где горожане читают радостное послание от римского папы и над комнатой сошествия Святого Духа, ярким пятном выделяются ковры Гянджа-Газахской школы. Воссозданные художником с удивительной точностью, ковры подчеркивают сакральный смысл картины. Две сюжетные линии, два ковра, изображенных именно там, где разворачиваются основные события.



    Ганс Гольбейн.«Послы», 1533. Национальная галерея, Лондон.
    Картина великого немецкого художника «Послы» безумно популярна, а все из-за искаженного предмета, размещенного на переднем плане полотна. Если посмотреть на него сбоку, то окажется, что это череп, изображенный в особой форме перспективы- анаморфозе, впервые описанной Леонардо да Винчи. Кроме того, череп не один, второй можно увидеть, если смотреть на первый через лупу. Казалось бы, зачем размещать этот странный предмет у ног Жана де Дентевиля, французского посла при дворе Генриха VIII, и его друга Жоржа де Сельва, епископа Лавуа? В этой картине-головоломке каждая из вещей является интереснейшим источником информации о жизни и увлечениях ее героев, но все вместе они лишь средство передачи идеи неизбежности смерти. Псалом "Спаси, Господи, души наши", лютня, струны которой поют о пустой трате времени, глобус символизирующий греховный бренный мир – все это под своеобразным алтарем знаний, украшенным азербайджанским ковром. Сегодня имя Гольбейна ассоциируется не только с династией талантливых художников, но и с типом ковров, изображенных в работах мастера.



    Итальянский художник Доменико ди Бартоло в 1442 году во время росписи сиенского госпиталя Санта Мария делла Скала создал фреску «Пестование и женитьба сирот», на которой изображен ковер Газахской группы. Один из таких ковров известен под названием "Битва Феникса с драконом". Он был соткан в XV веке и хранится в Музее искусств, в Берлине. Пинтуриккьо «Сцена из жизни Энея Сильвио Пикколомини», Доменико Мороне «Рождение святого Фомы»,- существует еще целый ряд работ европейских художников, в которых азербайджанский ковер предстает в своем великолепии, отражая принципы и философию эпохи Возрождения.



    Надо сказать, что все вышеперечисленные ковры, сегодня, как и раньше, ткутся в Азербайджане. Их создают простые люди, далекие от знаний по истории искусств, но именно они являются хранителями генетической памяти поколений, которую не сотрешь. Это особенно важно в наши дни, когда ковер стал еще и инструментом политической войны. Сегодня некоторыми источниками умышленно искажается история азербайджанского ковра, фальсифицируются факты, присваиваются достижения. Но все мы знаем, что правду скрыть невозможно- рано или поздно все тайное становится явным. Проверенный веками, навечно вписанный в историю мирового искусства, азербайджанский ковер на пороге эры своего Ренессанса…


    0 0

    Когда-то давно вы могли бы выиграть олимпийскую медаль в конкурсах искусства. Художественные конкурсы являлись частью современных Олимпийских игр с 1912 по 1948 г. Медали вручались за художественные работы, имеющие непосредственное отношение к спорту и разделенные на пять категорий: архитектура, литература, музыка, живопись и скульптура. Да, действительно, вы могли покинуть Олимпиаду с тяжелым сувениром на шее за лучшую скульптуру греческого борца или лучший акварельный пейзаж гребных лодок на рассвете.

    История
    Это была большая мечта основателя Международного олимпийского комитета (МОК) Пьер де Кубертена - объединить искусство и спорт. В статье Revue Athlétique (1891 г.) он сожалеет о том, что профессиональные спортсмены потеряли чувство эстетики к красоте классических авторов и предлагает соревнования по литературе среди спортсменов. В мае 1906 года на заседании МОК в Париже Кубертен читает лекцию под названием «A Grande Marriage», где подчеркивает необходимость восстановления связи «мышц и разума», тем самым приблизиться к идеалу древнего грека.

    Письмо Пьера де Кубертена, 1906г.
    Эта инициатива получила поддержку не сразу. Только на V летних Олимпийских играх 1912 года в Стокгольме (Швеция) художественные конкурсы впервые вошли в программу. Число участников было небольшим — всего 35, тем не менее награждения медалями состоялись по всем категориям. Интересно, что золотую медаль по литературе выиграл сам Пьер де Кубертен за «Оде спорту», выступавший под псевдонимом Джордж Хохрод и Мартин Эшбах. Шепнули ли судьям про настоящего автора, уже никогда не будет известно.

    Барон Пьер де Кубертен — золотая медаль по литературе на V-ой летней Олимпиаде 1912 года в Стокгольме за "Оде спорту"

    "Ода спорту"
    VI летние Олимпийские игры в Берлине были отменены по причине Первой мировой войны. На VII летних Олимпийских играх 1920 года в Антверпене художественные конкурсы, хотя и входили в программу, имели скорее характер параллельного мероприятия, не привлекая к себе особого внимания. Но такое отношение изменилось четыре года спустя в Париже, где не менее 193 художественных работ было представлено для оценок жюри. Значение художественных конкурсов значительно возросло на IХ летних Олимпийских играх 1928 года в Амстердаме. Городской музей (Амстердам) выставил более 1150 экспонатов, не считая работ по литературе, музыке и архитектуре. Четыре из пяти категорий были разделены на подкатегории. Художникам разрешалось продавать свои произведения после закрытия выставки, что было довольно спорным, учитывая правила МОК. Из-за Великой депрессии и удаленности Лос-Анджелеса на Олимпиаде 1932 года участников было меньше, чем в 1928 году. Однако на художественные конкурсы это не повлияло. В общей сложности 384 000 посетителей посмотрели выставку в Лос-Анджелесе в Музее истории, науки и искусства. Художественные конкурсы на Олимпиадах 1936 и 1948 годов публика также принимала с одобрением, независимо от уменьшения числа участников. Но на конгрессе МОК в 1949 году обсуждался доклад, согласно которому практически все участники художественных конкурсов были профессионалами, занимающимися искусством за деньги, что не соответствовало любительскому статусу Олимпиад. Поэтому соревнования решено было заменить на выставки без наград и медалей. Это вызвало ожесточенные дебаты в рамках МОК. В 1951 году МОК решил вновь вернуть художественные конкурсы в программу XV летних Олимпийских игр 1952 года в Хельсинки. Однако финские организаторы отказались от этой идеи под предлогом недостатка времени на подготовку.
    На конгрессе МОК в 1954 году окончательно решили заменить художественные конкурсы выставками. Попытки пересмотреть этот вопрос оказались безрезультатными. Тем не менее, в Олимпийской хартии прописаны дополнительные обязательства для организаторов — включать в программу Олимпиад культурные мероприятия, чтобы «способствовать развитию взаимопонимания, дружбы и гармоничных отношений между участниками и зрителями».

    Конкурсы
    Конкретные детали проведения художественных конкурсов видоизменялись с 1912 по 1948 годы, но основные правила оставались прежними. Все заявки должны были вдохновляться спортом и быть оригинальными, до Олимпийских игр их не разрешалось где-либо заранее обнародовать. Как и в спортивных состязаниях, в художественных конкурсах предусматривались награды золотыми, серебряными и бронзовыми медалями. Авторам разрешалось представлять несколько своих произведений, но число их было ограничено. Теоретически для участника существовала возможность выиграть несколько медалей в одной и той же категории.
    Так, с 1912 по 1948 год существовала категория «Архитектура». В 1924 году к ней добавился литературный конкурс, а в 1928 и 1948 годах эту категорию разделили на «Драму», «Лирику» и «Эпос». Согласно правилам, работы, представленные в категории «Литература», должны были содержать не более 20 тысяч слов и сопровождаться переводом на французском или английском языке. Кроме того, с 1932 года существовал музыкальный конкурс. В 1936 году категорию разделили на подкатегории: «Оркестр», «Инструментальная музыка», «Соло, Хор». С появлением конкурсов искусств существовала и категория «Живопись», которую в 1932 году разделили на «Картины», «Рисунки», «Акварели» и «Гравюры». Позже добавились подкатегории «Рекламная графика», «Печатная графика» и «Офорт» (разновидность гравюры на металле). Примечательным стал тот факт, что участие в VIII летних Олимпийских играх 1924 года принимали три художника из Советского Союза, в то время как на официальном уровне СССР игнорировал Олимпийские игры, считая их «буржуазным» мероприятием. Скульптурный конкурс также разделили на две подкатегории — «Статуя» и «Рельеф», а позже к ним добавились ещё две — «Медали» и «Спортивные значки». В конкурсах участвовали не только художники, архитекторы, скульпторы, но и участники спортивных соревнований Олимпийских игр. Например, американский стрелок Уолтер Уайнэнс участвовал и в конкурсе скульптур, а венгерский пловец Альфред Хайош стал призером в категории «Архитектура».

    Награждённый золотой медалью проект архитектора Яна Вилса


    Скульптура, 1948 год, Лондон. Автор — Густав Нордал из Швеции


    Вальтер Винанс, "Американский рысак". Единственный участник олимпиад, который выиграл соревнования по искусству и спорту в один и тот же год.


    Рисунок "Регби", 1928 год, Амстердам. Автор — Жан Якоби из Люксембурга


    Янг, "Нокдаун", 1932г.


    Жан Якоби, "Футбол и регби", 1928г.

    Начиная с 2004 года, МОК проводит конкурсы, куда художники могут посылать свои произведения искусства. Медали не выдаются, но есть денежные призы. Кажется, искусство и Олимпиада все еще связаны и сегодня, как и хотел Пьер де Кубертен.

    0 0

    На днях я открыла для себя еще один музей нашего города, который не стыдно показать всему миру. И если вы еще не были в этом музее и не видели потрясающую коллекцию полотен, подобранную с большим вкусом и знанием дела, то советую вам это сделать как можно скорее.



    Музей живописи 20-21 веков - это очередной очень успешный проект Фонда Гейдара Алиева. Открылся он прошлым летом рядом с Площадью Флага, по соседству с еще двумя интересными музеями, о которых я расскажу в следующий раз.



    Начну с того, что здесь собраны работы художников, завоевавших заслуженное признание не только у себя на родине, но и за рубежом. Тогрул Нариманбеков, Таир Салахов, Саттар Бахлулзад, Расим Бабаев, Беюкага Мирзазаде и другие незаменимые живописцы - не было бы их, не было бы и знаменитой азербайджанской художественной школы.







    Кто-то может поспорить - а как же миниатюра? Да, миниатюра была многовековым фундаментом, на котором развивалось национальное изобразительное искусство, но знакомое всем нам лицо, азербайджанская художественная школа обрела лишь в 20-м веке, в результате приобщения к общеевропейским тенденциям в живописи.



    Реализм послужил мощным толчком для развития и стимулировал многие другие художественные направления. В 50-е годы нашими художниками были написаны всемирно известные полотна, которые являются гордостью любого музея. У меня, как и у любого человека есть свои предпочтения, и меня с трудом можно оторвать от работ Таира Салахова, Махмуда Тагиева, Беюкага Мирзазаде, Алтая Садыхзаде и других ярких представителей национальной школы.









    Их картины, наряду с работами выдающихся мастеров - Тогрула Нариманбекова, Саттара Бахлулзаде, Джавада Мирджавадова, Бахруза Кенгерли, Ашрафа Мурада, Надира Абдурахманова, Надира Гасымова, Фархада Халилова, Октая Садыхзаде и многих других занимают почетное место в выставочном пространстве музея, которое, к слову, решено очень грамотно. Черно-белые геометрические модули, напоминающие известную головоломку - "пятнашки", как мне показалось, имеют такую же суть - с какого конца не начнешь , рано или поздно ты выстроишь у себя в голове путь..., тот особый путь, который прошла азербайджанская живопись с начала 20 века до наших дней.

















    Преемственность национальной школы, но вместе с тем своеобразное бунтарство проступает в работах наших современников, чей взгляд на мир уже сам по себе - contemporary art. Нияз Наджафов, Бутунай Ахвердиев, Мусеиб Амиров, Зернишан Юсиф, Рашад Бабаев, эти и другие молодые художники - за ними будущее азербайджанской живописи и закладывают они его уже сегодня.













    Говоря о замечательных художниках современности, я не могу не сказать про двух удивительных живописцев, которые оставили наш мир слишком рано - это Закир Гусейнов и Уджал Ахвердиев. Их работы настолько душевны и тонки, настолько проникновенны, что кажутся частью твоей собственной жизни. Эти два человека сгорели как кометы, ярко освещая себе последний путь, но их особая атмосфера и мироощущение навсегда оставили глубокий след в искусстве. Можно бесконечно говорить о наших знаменитых художниках, ведь каждый из них неповторим и каждый играет свою роль в прошлом, настоящем и будущем искусства.





    Много имен еще не названо, многие еще не открыты широкой публике, но как бы там не было, даже одна эта коллекция раскрывает целый пласт культурного и исторического пространства. Я уверена, коллекция музея будет пополняться, ведь наша земля богата талантами и кто знает сколько еще гениев нам предстоит увидеть на нашем веку...















    Музей работает со вторника по воскресенье с 10 до 20.00, вход бесплатный</div>

    0 0

    Оригинал взят у verapapkovaв Дом Бонапартов в Аяччо

    В формате дома-музея часто бывает смотреть совершенно нечего, на мой вкус. Ну какая разница, на каком именно стуле сидела та или иная знаменитость?



    Тем более, что обычно этот самый стул там в лучшем случае какой-то абстрактный стул соответствующей эпохи, подобранный для создания атмосферы, а то и вовсе современная стилизация. Вот и в родном доме Наполеона на Корсике аутентичных экспонатов, прямо скажем, немного.



    Среди них, например, вот это очаровательное генеалогическое древо Бонапартов, частично вышитое, а частично выполненное из засушенных трав и веточек.



    Вот эта кровать Наполеона. Которая для меня поставила точку в сомнениях, таким ли коротышкой он был - приходилось в интернетах где-то встречать утверждения, что, дескать, он был нормального среднего роста, про коротышку это все навет. Не навет! Я, со своими обычными 173 см, на этой кроватке могла бы спать только калачиком, во весь рост не получилось бы.



    Но все это, честно говоря, для меня составило гораздо меньший интерес, чем сам дом.



    Он большой. Для одной семьи даже можно сказать огромный.



    На каждом из трех этажей могла бы получиться прекрасная воронья слободка - там множество комнат и комнаток запутанной планировки.



    Со всех сторон Бонапарты были плотно окружены соседями.



    На небольшом острове местом, пригодным под строительство, разбрасываться не приходится.



    Так что Бонапарт ты или не Бонапарт, а соседское белье будет сушиться прямо у тебя перед носом, и соседские дети будут орать прямо тебе в ухо.



    Но вот что меня действительно поразило, это декор интерьеров.



    По-современному говоря, ремонт. А говоря по-правильному - альфрейная техника.



    Стены и потолки во всех комнатах украшены росписью.



    Если я верно интерпретировала странную корсиканскую речь, все росписи в доме восстановлены по аутентичным образцам и с соблюдением аутентичной технологии.



    Во времена юности будущего императора только одна парадная комната во всем доме была обита тканью. Вот примерно так это выглядело, они реконструировали с максимально возможной точностью.



    И, честно говоря, на мой вкус это наименее интересный из всех интерьеров дома - ну, ткань и ткань, эка невидаль.



    Я бы не сказала, что это выглядит настолько эффектно, насколько это дорого в исполнении и муторно в эксплуатации. Другое дело - роспись. По-моему, это гениально!



    Вы посмотрите только, как убедительно, декоративно и многодельно это выглядит.



    А в исполнении - всего-то подбери нужные краски и правильный трафарет.



    При ближайшем рассмотрении можно обнаружить несколько приемов росписи.



    Это могут быть просто полосы, или полосы, дополненные принтом по трафарету.



    При всей простоте самих мотивов за счет их множественного повторения возникает очень красивый эффект.



    Может быть роспись, имитирующая лепнину.



    Видите, прорисованы даже тенюшки, подчеркивающие иллюзию объема.



    А еще интересный и богатый прием - сочетание подчеркнуто механистического, трафаретного и линейного рисунка и свободной росписи в реалистичной манере.



    Во всех эстетических впечатлениях я стараюсь находить практическое зерно, выявить и утащить какой-то красивый ход в свою копилку визуальных решений.



    Это большое собрание интерьерных росписей стало для меня совершенным сюрпризом и здорово пополнило копилку практических идей.



    Что бы мы ни делали, конечный пользователь чаще всего понятия не имеет, из чего складывается визуальное впечатление от вещи, из какого сора те стихи. Да ему и не нужно иметь понятия, он должен видеть не то, что есть на самом деле, а то, что мы хотим, чтоб он видел.



    Но с точки зрения мастера вот такого рода решения всегда самые интересные и ценные, которые позволяют простыми и недорогими средствами обеспечить сложный и богатый результат.



    И я сейчас вовсе не только о росписи стен! Хотя этот прием абсолютно пригоден для нынешней реальности, в чем-то даже более пригоден, чем многое из того, что предлагается в этой области.



    Я вам предлагаю взглянуть на это решение шире, оценить его идеологическую красоту. Возможно, в чем-то и где-то вы используете этот ход. Я - точно где-то использую.



    0 0

    Оригинал взят у ollazarevв Москва и Подмосковье художника Нестерова

    Значимость человека в истории своей страны определяется временем. Десятилетия проходят с момента, как душа его покинула этот мир, проходят - и расставляют все по своим местам. Прижизненная известность со временем может превратиться в ничто, в прах; поношения же и поругания - в посмертную славу. Великому русскому художнику Михаилу Васильевичу Нестерову (1862 - 1942)за свою долгую жизнь пришлось испить из обеих чаш. Получивший широкое признание работой по росписи Владимирского собора в Киеве, автор "Видения отроку Варфоломею" вынужден был уйти в тень в советские годы. Нестеров был свидетелем двух мировых войн, в период между которыми, помимо своихтайных работ, он писал портреты. Портреты тех людей, которые влекли его, были родственны ему по духу, "путь которых был отражением мыслей, чувств, деяний их". За год до смерти за один из таких портретов, портрет академика Павлова, художник был награжден Сталинской премией. До этого в апреле 1938 г. зятя художника расстреляли, дочь Ольга потом вернулась из ссылки инвалидом, и сам Нестеров не избежал злой участи, проведя несколько недель под арестом.

    Со дня смерти художника прошли десятилетия, вновь открылись храмы, на лесах которых он проводил лучшие годы своей творческой жизни, любителям искусства стали доступны многие неизвестные ранее картины мастера - и лишь теперь мы можем в полной мере осмыслить и оценить вклад этого человека в жизнь своей родины. В прошлые выходные я отправился в Московскую область, чтобы вживую соприкоснуться с теми местами, которые были дороги художнику, где он находил источник своего вдохновения, и через это по-новому взглянуть на его творчество. Мой маршрут я замыслил таким: Сергиев Посад - Абрамцево - Москва - Болшево, и теперь с удовольствием поделюсь своими впечатлениями.

    Е.П. и М.В.Нестеровы в квартире на Сивцевом Вражке

    Сергиев Посад

    "К весне лишь перебрался я в Москву. На очереди были две новые затеи, и я усердно работал над ними. И когда обе темы достаточно вырисовались, я стал думать, как для них собрать материал. Кончилось тем, что было решено переехать к Троице".
    М. В. Нестеров. Воспоминания

    Любовь к образу преподобного Сергия сопровождала художника с самого детства - этот святой, как и Тихон Задонский, особо почитался в его набожной семье. Впервые Нестеров поселился в Сергиевом Посаде летом 1888 года, работая над картинами "Пустынник" и "За приворотным зельем". В течении многих лет окрестности Троице-Сергиевой лавры будут для него источником творческого вдохновения, а сюжеты о преподобном украсят со временем залы собрания П. М. Третьякова.

    В субботу утром я прибыл на электричке в Сергиев Посад. Рядом с платформой - памятник предпринимателю Савве Ивановичу Мамонтову, с которым еще предстоит встреча в Абрамцеве. К 10 часам меня ждут на экскурсию в Церковно-археологическом кабинете (ЦАК) - до этого времени гуляю по Лавре и захожу в Троицкий собор поклониться преподобному. Рядом с ракой с мощами в южных вратах собора зияет пробоина от ядра польской пушки - и во времена Смутного времени важнейшую роль сыграла основанная Сергием обитель. Неспешно льется акафист преподобному, и слова Евангелия как бы заключают его призыв ко всем нам: "Приидите ко Мне вси труждающиеся и обремененнии, и Аз упокою вы"...

    Вот я у здания ЦАК. В былые времена здесь располагались царские чертоги. Поднимаюсь на второй этаж, где меня встречают семинаристы в черных кителях, и начинается экскурсия, интересная и познавательная. В каждый следующий зал вхожу с придыханием, жадно оглядывая экспонаты - ищу глазами обещанные картины М. В. Нестерова. Они же дожидаются меня в конце самого последнего зала. Одна из них, "Всадники" (1932 г.), на сюжет из обороны Троице-Сергиевой лавры в месяцы ее осады, относящиеся к Смутному времени.

    М. В. Нестеров. "Всадники" (1932). Эпизод из истории осады Троице-Сергиевой лавры

    "...Напишу... о том, как во время осады Троицкой лавры в польском стане на утренней заре увидали паны-ляхи несущихся трех дивных старцев на белых конях и как эти старцы по утреннему туману промчались мимо них и скрылись во святых воротах". (Из письма М.В. Нестерова к С.Н. Дурылину, 24 апреля 1932 года)

    Останавливаюсь и замираю перед "Страстной седмицей". Картина написана в советское время, в 1933 году. По своему содержанию она продолжает линию дореволюционных картин художника - "Святая Русь" (1901-1906), "Путь ко Христу" (1910-1911), "Душа народа" (1914-1916). Только на картине "Страстная седмица" Христос уже не выходит навстречу ищущему его народу - он распят на русской Голгофе, а изображенные на полотне люди (среди них Гоголь, Достоевский, женщина с маленьким гробиком) предстоят в покаянии.
    dsc06314.jpg
    М. В. Нестеров. "Страстная седмица" (1933)

    Приведу здесь отрывки из писем художника, относящихся к периоду работы над картиной:

    "Работа, одна работа имеет еще силу отвлекать меня от совершившегося исторического преступления! От гибели России. Работа дает веру, что через крестный путь и свою Голгофу - Родина наша должна прийти к великому Воскресению. Когда оно совершится! - Кто знает, - но знамение есть. Может быть, мы будем свидетельствовать великому, радостному событию, но ведь мы и не заслужили его - мы свидетели гибели, и вольные и невольные пособники этой гибели великой Родины..." (Из письма М.В. Нестерова к А.В. Жиркевичу, 12 мая 1918 года, Москва)


    "Тут есть и русский пейзаж, есть и народ, есть и кающийся (черт ли в том) интеллигент, все есть, а есть ли или будет ли соответственное уменье - это посмотрим, когда хорошая картина будет кончена". (Из письма М.В. Нестерова к А.А. Турыгину, 1 февраля 1933 г., Москва)


    "Для меня не вполне ясно, что Вы подразумеваете под словом «ходы»? Значит ли это эскизы и картина «Душа народа» или что? Если да, то отношение «Св. Руси» к последней было такое: «Русь» зародилась раньше на два-три года до «Души народа», и эта последняя как бы вытекала из первой - была, как и «Путь ко Христу», уже неизбежной в развитии «темы». Тема же - почти одна и та же во всех трех, и, мне думается, лишь в третьей композиции тема была для меня почти исчерпана, и лишь в последние четыре-пять лет у меня появилась композиция, могущая внести как бы некоторое углубление или, быть может, концентрацию той же темы о нашей вере, душе народной, грехах и покаянии. Но эта новая мысль пока еще лишь в эскизах, а приведет ли Господь воплотить ее в законченные образы, в картину, - сейчас не скажешь. Тут нужна воля более молодая, упругая и ряд благоприятных обстоятельств, на которые сейчас трудно рассчитывать. Однако, пока жив, - надежды не теряю, и все думается, что напишу еще и эту картину, как привел Бог написать все ранее задуманные". (Из письма М.В. Нестерова к С.Н. Дурылину, 7 мая 1924 г., Москва)


    Попрощавшись с Лаврой, я сажусь на электричку до Абрамцево...

    Абрамцево

    "...Абрамцево (имение старого Аксакова) одно из живописнейших в этой местности. Сосновый лес, река и парк, и среди него старинный барский дом..."
    Из письма М.В. Нестерова сестре, 17 июля 1888 года

    В 1889 году на вырученные от "Пустынника" средства Нестеров устравивает свою первую заграничную поездку в Италию. Вернувшись оттуда, в творческом подъеме художник создаст одну из своихвыдающихся картин - "Видение отроку Варфоломею". Ряд пейзажей, дуб для первого плана и сам первый план картины были написаны в окрестностях деревни Комякино недалеко от Абрамцево. Фон же к "Варфоломею" был написан с абрамцевского балкона.

    М. В. Нестеров. "Видение отроку Варфоломею" (1889-1890)

    "...Однажды с террасы абрамцевского дома совершенно неожиданно моим глазам представилась такая русская, русская осенняя красота. Слева холмы, под ними вьется речка (аксаковская Воря). Там где-то розоватые осенние дали, поднимается дымок, ближе - капустные малахитовые огороды, справа - золотистая роща. Кое-что изменить, что-то добавить, и фон для моего «Варфоломея» такой, что лучше не выдумать.
    И я принялся за этюд. Он удался, а главное, я, смотря на этот пейзаж, им любуясь и работая свой этюд, проникся каким-то особым чувством «подлинности», историчности его: именно такой, а не иной, стало мне казаться, должен быть ландшафт. Я уверовал так крепко в то, что увидел, что иного и не хотел уже искать". (М. В. Нестеров. Воспоминания)

    Абрамцево - имение Мамонтовых, с его мастерскими, с его широкой трудовой и культурной жизнью. Это место многие годы притягивало к себе выдающихся художников и артистов своего времени. Здесь предпринимались смелые попытки возродить интерес ко всему русскому в обществе.

    На платформе спрашиваю, как пройти в усадьбу. Добродушный молодой человек указывает дорогу, завязывается разговор об искусстве и не только... как неожиданно возникает вопрос: откуда у дочки Саввы Мамонтова, Верочки, знаменитой "Девочки с персиками", персики?.. Ответ окажется прост и прозвучит на экскурсии по усадебному дому: абрамцевские персики оранжерейные.

    К сожалению, цивилизация почти вплотную подкралась к Абрамцеву - рядом автомобильная стоянка, рестораны и гостиницы. Из-за большого потока посетителей экскурсия проходит в некоторой суете и спешке. Но самое ценное ухватить удается. В усадебном доме хранятся несколько небольших картин и дружеских шаржей М. В. Нестерова. Среди картин - "Девушка-нижегородка". Особое место в столовой дома занимает послереволюционная авторская копия "Видения отроку Варфоломею".

    Спускаюсь к речке Воре. Живописная красота русской природы здесь и поныне радует глаз. Лепота!..

    Нечто особенное до сих пор ощущается в Абрамцеве. Недаром известный философ П.А. Флоренский писал А.С. Мамонтовой, первой хранительнице абрамцевского музея, дочери С.И. Мамонтова: "Вы хранительница чего-то более тонкого и духовного, чем только покосы, лес и даже дом... Абрамцево, дорогое Вам, прежде всего, есть духовная идея, которая не уничтожаема".

    Итак, на субботний день мой маршрут окончен. На очереди - Болшево и Москва.

    Москва

    "Вот и Москва. Остановились мы на Никольской, в Шереметьевском подворье, излюбленном провинциальным купечеством. Тут что ни шаг, то диво. Ходили всей семьей по Кремлю, по Кузнецкому мосту..."
    М. В. Нестеров. Воспоминания (о первом приезде в Москву на обучение)

    В воскресенье с утра я направился в Марфо-Мариинскую обитель. Как величественно спокойно и прекрасно воскресным солнечным утром уютное Замоскворечье... Дороги свободны от машин, и невольно чувствуешь, что именно здесь, на этих улочках, живет душа белокаменной столицы.

    На Большой Ордынке из-за невысокой стены обители выглядывает купол Покровского храма, расписанного Нестеровым в 1908-1911 гг. по просьбе основательницы обители вел. кн. Елизаветы Федоровны.


    "Мечта расписать в Москве храм была давняя", - пишет в своих воспоминаниях художник. Снаружи храм украшают две мозаики, такжесделанные по эскизам Нестерова. Внутри же входящего в церковь встречает картина "Путь ко Христу".

    М.В. Нестеров. "Путь ко Христу". Роспись трапезной части Покровского храма Марфо-Мариинской обители

    "В картине «Путь ко Христу» мне хотелось досказать то, что не сумел я передать в своей «Святой Руси». Та же толпа верующих, больше простых людей - мужчин, женщин, детей - идет, ищет пути ко спасению. Слева раненый, на костылях, солдат, его я поместил, памятуя полученное мною после моей выставки письмо от одного тенгинца из Ахалциха. Солдат писал мне, что снимок со «Святой Руси» есть у них в казармах, они смотрят на него и не видят в толпе солдата, а как часто он, русский солдат, отдавал свою жизнь за веру, за эту самую «Святую Русь».
    Фоном для толпы, ищущей правды, должен быть характерный русский пейзаж. Лучше весенний, когда в таком множестве народ по дорогам и весям шел, тянулся к монастырям, где искал себе помощи, разгадки своим сомнениям и где сотни лет находил их, или казалось ему, что он находил..." (М.В. Нестеров. Воспоминания)

    "Путь ко Христу" художником писался дважды - из-за плохой загрунтовки стен первая роспись была безнадежно испорчена. "Я только что окончил большую картину «Путь ко Христу», радовался этому, предполагал в ближайшее время показать ее вел.княгине... Прихожу в церковь, поднимаюсь на леса и замечаю по всей картине выступившие какие-то черные маслянистые нарывы. Что такое? Какое их множество! Пробую пальцем, они лопаются, на их месте - черные маслянистые слизняки. Точь-в-точь, как было с Абастуманским орнаментом на загрунтованных Свиньиным стенах. Какой ужас!" (М.В. Нестеров. Воспоминания)

    Росписи храма наполнены ощутимой нежной любовью. Скажу, что мое знакомство с творчеством великого русского художника началось в свое время именно с этих росписей Марфо-Мариинской обители.

    М.В. Нестеров. "Литургия Ангелов" и Покров Божией Матери. Роспись алтарной части Покровского храма Марфо-Мариинской обители

    После Марфо-Мариинской обители я зашел полюбоваться фасадом Третьяковской галереи, выполненным по рисункам В.М. Васнецова. Собрание картин П.М. Третьякова очень многое значило в жизни М.В. Нестерова. Когда-то отец сказал, что не признает в Нестерове художника, пока его картина не будет приобретена Третьяковым в галерею. Первой такой картиной стал "Пустынник" (1888-1889), следующей - "Видение отроку Варфоломею" (1889-1890).

    «Он любил в пожилые годы тайно прийти в Третьяковскую галерею и там встретиться вновь с героем своего творчества.
    - Живет! Слава Богу, живет! - не раз говаривал он мне после такого тайного свидания с Сергием своих картин, а иногда прибавлял к этому: - Вот ведь чудеса: смотрят его! Есть такие чудаки, что мимо не проходят. Остановятся - и смотрят!
    К концу жизни Нестерова эти сообщения его становились все чаще.
    - Любят его! - сказал мне однажды художник после одного из последних посещений Третьяковской галереи.
    И в этих словах сквозила ничем не скрытая радость. Он убедился, что навсегда дал родному народу прекрасный образ того, кто, по его словам, мудрой и простой «красотой просиял в нашей истории, в нашем народе». (С. Дурылин. Нестеров в жизни и творчестве)

    Болшево

    "Сегодня иду на именины Серг. Николаевича, который (или, вернее, Ирина) построил себе «хижину»верстах в тридцати пяти от Москвы, там будет комната, которая в любое время будет ожидать моего посещения".
    Из письма М.В. Нестерова, октябрь 1937 года

    Последним местом, которое я хотел посетить в этой поездке, было Болшево, ныне один из районов города Королева. Здесь недалеко от железнодорожной станции я отыскал нужный мне адрес, отворил калитку и во всей красе увидел уютный двухэтажный дом с верандой, в свое время собиравший в своих стенах многих известных деятелей середины XX века - дом-музей С.Н. Дурылина, искусствоведа, писателя и священника.

    Место это называют здесь "Болшевским Абрамцевым", намекая на преемственность от Абрамцева Аксаковского и Мамонтовского. Не раз бывали в этом доме актеры Ильинский и Яблочкина. Подолгу гостил здесь и М.В. Нестеров, лучший друг хозяина дома. Для Нестерова в доме была выделена отдельная комната.

    Дом был построен в 1936 году по проекту Щусева и Дурылина из остатков разрушенного Страстного монастыря, располагавшегося на Тверской улице Москвы. Перед этим монастырем более полувека стоял с преклоненной главой первый памятник А.С. Пушкину (1880 г.).

    Окно из разрушенного Страстного монастыря в комнате М.В. Нестерова

    К великому моему изумлению работники музея встретили гостя с открытой душой, тепло и по-семейному. Напоили чаем на кухне, где в картонной коробке шевелились маленькие черно-белые котята, а после провели по комнатам дома, сопроводив осмотр подробным рассказом. В этом доме на удивление близко ощущается атмосфера того времени, когда жили здесь С.Н. Дурылин со своей супругой Ириной, когда в гости к ним приезжал художник М.В. Нестеров, когда велись здесь глубокие разговоры о вопросах, которые ставила перед людьми жизнь. В моих планах до отправления поезда в Санкт-Петербург было найти дом на Сивцевом Вражке, где жил М.В. Нестеров в советские годы, также хотелось прогуляться по любомому мною Коломенскому. Но "Болшевское Абрамцево" без остатка поглотило мое сердце и чувства, и я провел там время до самого отхода поезда. Сердечно благодарю директора музея Геннадия Васильевича и его коллег за труды и искреннюю любовь к своему делу!
    DSC04033.JPG
    Мольберт М.В. Нестерова с портретом поныне здравствуйщей внучки художника М.И. Титовой кисти Ф.С. Булгакова

    DSC04033.JPGDSC04048.JPGDSC04047.JPG
    Рисунки М.В. Нестерова в его комнате, на одном из которых изображен Болшевский дом Дурылиных

    Нестеров и Дурылин.jpg
    М.В. Нестеров (справа) и С.Н. Дурылин

    Нестеров и Дурылин.jpgНестеров и Дурылин.jpg
    Самовар как символ гостеприимства в этом доме

    Нестеров и Дурылин.jpg
    Издание Углицкого предания "Отрок-мученик" в переработке В.М. Михеева. Рисунки М.В. Нестерова, В.И. Сурикова и Е.М. Бём. Дарственная надпись: "Дорогому, Милому другу Сергею Николаевичу Дурылину на память от любящего Михаила Нестерова. 1936. Ноябрь"

    DSC04063.JPGDSC04063.JPGНестеров и Дурылин.jpg
    Рисунки М.В. Нестерова из книги "Отрок-мученик"

    В комнате С.Н. Дурылина не стене висит копия картины М.В. Нестерова "Тяжелые думы" (1926). На ней в тяжелых думах изображен сам С.Н. Дурылин, с крестом и в рясе.

    М. В. Нестеров. "Тяжелые думы" (1926)

    Картина писалась уже после того, как советская власть запретила С.Н. Дурылину священническое служение. Портрет долгое время хранился в доме Дурылиных в чехле за диваном, откуда был передан в Церковно-археологический кабинет Троице-Сергиевой лавры, где находится и поныне.

    "Уезжая из Болшева в последний раз, он говорил:
    - Умирать пора, а вот с природой жалко расставаться. - Он оглянул широкий окоем луговины, реки, леса и тихо произнес: - Умирать буду - и все природу вспоминать. Не расставался бы с ней!" (С. Дурылин. Нестеров в жизни и творчестве)

    В заключение рассказа о своей поездке по Нестеровским местам я бы хотел привести запись, оставленную художником в июне 1941 года в гостевой книге Дурылиных:
    "Здесь, в Болшеве, я жил всегда прекрасно, жил так и теперь, в июне 1941 года, окруженный заботами и любовью дорогих мне людей: Сергея Николаевича и Ирины Дурылиных. Спасибо за всё, всё. За мою горячность, неуступчивость прошу простить меня.
    Любящий Вас Михаил Нестеров"



    В статье использованы мои собственные фотографии, фотографии журнала "Третьяковская галерея", а также пользователя vitale2

    0 0

    В средние века Коломна была крупнейшим городом Московского княжества после самой Москвы. Кроме того, что город имел важное оборонительное значение, через Коломну осуществлялась вся торговля с восточными и южными странами. Реки Москва и Ока, на которых стоит Коломна, выводили на Волгу, поэтому большая часть контактов Московского царства с Золотой Ордой, Кавказом, Крымом и Ираном осуществлялась именно через Коломну.
    Про грандиозный Коломенский кремль я уже писал, теперь погуляем по улицам города, по его церквям и монастырям. Попробуем разгадать тайны загадочной страны Московии...




    При входе в Старый город Коломны нас встречает вот такой городовой.


    В 14-15 вв. Коломна не уступала размерами Москве, ее ранний деревянный кремль был больше по площади, чем, например, подобный кремль в Твери, и был почти равен московскому - площадь кремля в Коломне 20-22 га, в Москве 19-23 г (Кремли Калиты и Дмитрия Донского), в Твери 19 га. Можно предположить, что количество населения городов соответствовало площади кремлей. Выгодное расположение на речных путях делало Коломну крупным экономическим центром.

    При археологических раскопках в Коломне фиксируется в слоях 14-15 вв. значительное число вещей, принадлежавших выходцам из Золотой Орды, в частности из Волжской Булгарии. В это время Коломна стала важнейшим центром керамического производства Московского княжества, многие виды керамики здесь появляются раньше, чем в столице. Также велико число найденных при раскопках импортных керамических изделий, прежде всего восточных, в Коломне их больше, чем во многих других городах Северо-Восточной Руси. Были найдены даже несколько изразцов, которыми украшали здания в исламском мире, предполагается, что их привезли в качестве сувениров в Коломну, хотя их наличие скорее может говорить о присутствии в городе каких-то исламских сооружений типа мечетей или мавзолеев, ныне разрушенных.

    О том, кто населял пригород Коломны красноречиво свидетельствует наличие на коломенском посаде Арбатской улицы (такой же как в Москве), она проходит через весь старый город. Слово арбат есть производное от арабского рабад, т.е. пригород. Арбатская улица Коломны известна с начала 17 века, это интернациональное название существует уже минимум 400 лет.

    Вид Коломенского кремля со стороны Москвы реки.


    Павел Алеппский, посетивший Коломну в середине 17 века писал:

    >>>>Эта Коломна — город известный и знаменитый. В ней по понедельникам и четвергам бывает большой базар, на который являются крестьяне со своими продуктами из очень дальних мест. Она служит пристанью, куда приходят из Москвы суда, идущие в области, называемые Казания и Астрахания, по другим рекам, кои соединяются с большою рекой (Волгой) и, собравшись семьюдесятью устьями, впадают в Персидское море, называемое Каспием; старинные книги и истории называют его морем Фарсийским. По нему ездят в страну кизильбашей и в Грузию. Оттуда приезжает много купцов, под видом послов, которые привозят в собою товары: материи, крашеный шелк, индиго, хлопок, пряности, сафьян, ладан и прочее, а взамен берут соболий мех, рыбий зуб, отличные сукна и другие товары и редкости московские. В этом городе бывает сборище всех купцов.

    Коломенский кремль.


    Что интересно, но коломенский пригород-рабад, где останавливались все купцы, видимо не был специально укреплен. Т.е. кроме Кремля в Коломне отсутствовали внешние стены, что очень странно, так как во всех русских городах существовал острог - внешние укрепления посада, как правило, это был земляной вал с тыном, такой вал сохранился, например, в Суздале.Но о существовании коломенского острога, лично мне, ничего неизвестно. Об отсутствии внешних укреплений Коломны писал и посетивший город в 18 веке Герхард Фридрих Миллер "отец" русской истории:

    >>>Окруженная каменной стеной часть города Коломны первой встает на пути, как только переезжаем мост через Коломенку. Дорога идет за ворота под башней-стрельней по узким, темным улицам, к неудобству которых должно привыкнуть, затем чтобы находить оные хотя бы по малой части сносными. Стена не имеет правильного очертания, но размеры пространства, заключенного в ней, предупреждая вопросы, следует указать. Длина стены 980, а ширина 815 саженей. Стена примечательна обилием башен, однако, помимо того, не обведена ни валом, ни рвом.

    Миллер повествует, что кроме кремлевских стен в Коломне других укреплений нет (также он фиксирует, что уже нет рва, хотя это было примечательное сооружение, о проблемах рвов в Коломне я писал ранее).
    Это более чем странно - в приграничном городе, где держали свои богатства многочисленные купцы, нет внешних стен, и нет данных, что они хоть когда-то существовали. В 16 веке граница Московского царства продвинулась существенно южнее Коломны, но все равно, опасность набегов как крымцев, так и казаков оставалась и в 17 веке.
    Отсутствие внешних укреплений нетипично для русских городов, но вполне характерно для поселений, например, Золотой Орды.

    В центре Коломенского кремля сохранился храмовый комплекс 17 века. Я не стал обходить все церкви города, зашел только в самые значительные. Это, прежде всего, Успенский собор, его построили в конце 17 века на месте более древнего. Этот собор чем-то похож на Успенский храм в Московском Кремле.

    На фото очень примечательная Успенская шатровая колокольня, Успенский собор и Ново-Голутвин монастырь.




    К сожалению, Успенский собор потерял все свое внутреннее убранство, настенные росписи в соборе, иконостас и все реликвии не старше 19 века.






    Шатровая звонница на площади весьма интересна, такая форма колоколен характерна для волжских городов, на западе Руси таких башен почти нет. Тяготение шатровых, тем более таких массивных, колоколен к востоку Руси поднимает вопрос их происхождения, как в сущности, и всей русской шатровой архитектуры в целом.

    На сайте Коломенского кремля про колокольню написано нечто невнятное, наиболее конструктивная часть которого вещает, что башню строили на основании какого-то раннего сооружения:

    >>>>Успенская шатровая колокольня была построена в 1692 году. Колокольня покоится, по утверждению коломенского краеведа Н. А. Рощиной, на стенах церкви Николы Зарайского, которая была построена в память о «гощении» в Коломне чудотворной иконы Николы Зарайского в 1513 году. Это утверждение основывается на рисунке звонницы, сделанном Матвеем Фёдоровичем Казаковым, на котором чётко различимы следы церкви в нижнем ярусе колокольни.

    При прочтении этого отрывка возникает закономерный вопрос, а зачем нужно что-то основывать на рисунке М.Казакова, когда весь массив основания сохранился и его можно исследовать? Лично я внутрь не попал, дверь была закрыта, так что для меня устройство колокольни осталось загадкой, но видимо оно загадочно и для тех, кто туда попадает регулярно по долгу службы:)



    Есть утверждение, что Успенская колокольня возведена на месте старой, еще 16 века, части которой частично вошли в постройку 17 века. Интересно, что из себя могла представлять старая колокольня, ведь эти башни появились на Руси как раз в начале 16 в., т.е. это могла быть одна из самых первых колоколен.

    Рядом с Соборной площадью находится Ново-Голутвин монастырь, его основали в начале 19 века на месте архиерейского дворца. В 1799 г. была упразднена коломенская епархия, архиерея перевели в Тулу, а его резиденцию отдали монахам из Старо-Голутвина монастыря, они и дали название, теперь этот монастырь в Коломенском кремле стал называться Ново-Голутвиным монастырем.

    Палаты монастыря еще 17-18 вв, это старый дом коломенских архиереев.


    В центре двора дома архиереев сохранился нарядный Троицкий собор 1705 г. постройки. Сейчас Ново-Голутвин это женский монастырь, поэтому по его территории особо не погуляешь, и вход в собор был перекрыт какими-то цепочками на лестницах.


    Очень интересные у монастыря угловые башни, надо сказать, что наличие таких минаретов - отличительная черта всех коломенских монастырей. Практически все здешние обители имеют прямоугольную форму, где на углах стоят высокие башни, они не несут какой-либо практической пользы и служат просто для красоты. Скорее всего, первые подобные башни возвел в 1778-1780 гг. века известный архитектор Матвей Казаков, он много строил в Коломне в это время.




    Второй монастырь в Коломенском кремле - Успенский Брусенский, но, по моему мнению, более нарядный, чем Ново-Голутвин. Почти все его постройки были сооружены уже в 19 веке, кроме одной церкви - шатровой Успенской, ее возвели по приказу Ивана Грозного в 1552 г., и длительное время это был единственный каменный храм в монастыре.

    В 1848-1855 гг. в обители появился новый роскошный Крестовоздвиженский собор. Невероятно фотогеничный, его сейчас восстановили, раньше на церкви не было глав, сейчас, как мне мне кажется, это самый яркий храм в городе. И как полагается в Коломне, по углам ограды монастыря здесь стоят еще одни небольшие псевдоготические башенки.




    На переднем плане трапезная пристроенная к древней Успенской церкви.


    Трапезная, шатровая Успенская церковь и башня ограды Брусенского монастыря.


    Успенская церковь - один из ранних шатровых храмов на Руси, поставили ее в честь успешного казанского похода, Иван Грозный, как известно, любил шатровые церкви. Откуда появилась шатровая мода на Руси - вопрос сложный, видимо, одной из идей было желание московских великих князей приобщиться к наследию Золотой Орды, все же несколько столетий Русь входила в состав Орды на правах вассала. Не зря Иван Грозный пытался сажать на русский престол чингизида Симеона Бекбулатовича, 15-16 века были периодом сильнейшей ориентализации всей русской жизни, татарское влияние проникло во все сферы жизни общества - по-татарски было укомплектовано войско Московского царства, по-татарски люди одевались, возводили церкви по примеру ордынских мавзолеев и мечетей, авторитарная царская власть на Руси тоже появилась по примеру Золотой Орды.

    Почти все шатровые храмы строились на востоке и юго-востоке Руси, т.е. там где население в них нуждалось, в Новгороде и Пскове шатровые церкви, как известно, единичны. Коломна, будучи воротами Москвы в Азию, стала одним из мест с высокой концентрацией шатровых храмов, один из них - церковь Вознесения Христова в с.Городня, что рядом с Коломной, возможно один из древнейших.



    Открытый шатер Успенского храма.


    Кстати, вполне возможно, что известный коломенский продукт - пастила, является также следствием контактов Коломны с Ордой и, в частности, с Крымом. В комментариях к моему прошлому посту про Коломенский кремль уважаемый kemchikподнял проблему происхождения пастилы.Я раньше никогда не задумывался над генезисом этого продукта, но вполне правдоподобно, что пастила могла быть следствием пребывания в Коломне итальянских кондитеров. В средние века много итальянцев жило в Крыму, и несомненно, что до Коломны они тоже добирались, не считая того, что они же строили Коломенский кремль.

    Убранство Успенской церкви не сохранилось, поэтому весь внутренний облик храма современный.


    Один из корпусов Брусенского монастыря.


    Но самый древний храм Коломны находится не в кремле, чтобы его увидеть, нужно перейти по мосту реку Коломенку и отправиться в район города под названием Городище. Там, действительно, когда-то существовало укрепленное городище, но следов от него уже не осталось.
    По пути можно встретить старые дома Коломны, существующие здесь с 19 века. К сожалению, подобных домов осталось очень мало, ползучая реконструкция города уничтожила сейчас почти всю старую застройку.




    На углу улицы очень интересный старый деревянный дом на каменном подклете - этакая модернизированная изба 19 века, смесь классицизма и русского деревянного зодчества.




    Но, к сожалению, для туриста и, видимо, к счастью для жителей большая часть малоэтажной застройки в городе состоит из современных особняков. Выглядят они вполне зажиточно, наверно, сказывается близость Коломны к Москве, откровенной нищеты я здесь не обнаружил совсем. Близость к Москве сказывается, к сожалению, и на местных ценах на транспорт, они почти не отличаются от московских - проезд пары остановок на автобусе у кондуктора стоит 43 руб. И, кстати, я бы советовал добираться до Городища именно на каком-то транспорте, так как идти пешком от кремля туда откровенно далеко.


    Иоанно-Предтеченская церковь на Городище одна из самых древних в Подмосковье, ее стены помнят еще Дмитрия Донского, возможно, он даже был причастен к ее строительству. Правда, от 14 века сохранились только апсиды и стены на половину высоты, их грубая каменная кладка отличается от позднейших достроек.




    Изначально храм имел одну массивную главу и пилоны по углам, которые ее держали. Сейчас это бесстолпный храм с тремя небольшими главками.


    Убранство храма здесь тоже современное.


    В 18 веке к старой церкви пристроили трапезную, при реставрации уже в 20 веке переход между старым храмом и трапезной обнажили, над входом теперь видны фрагменты стены старого сооружения.


    И самый главный туристический объект тут, это загадочный зверь, изображенный на каменном блоке, вмурованном в стену с внешней стороны храма. Что это за зверь и зачем он здесь, никто не знает, местные предания вещают о том, что это татарская Батыева печать на храме, почему, опять же непонятно.


    Теперь погуляем по посаду - Старому городу Коломны. Застройка здесь вся малоэтажная, но к сожалению, исторической ее назвать нельзя. Все улицы города подверглись реконструкции, многие старые дома здесь или снесены, или утратили свой исторический облик.
    Отдельно, хочется отметить чистоту в городе, можно идти многие километры по улицам и не встретить даже окурков на мостовой или газонах, удивительно сие)


    К сожалению, многие старые дома выглядят как этот "Дом самовара", он деревянный, но создается ощущение, что его обшили сайдингом.


    Если поискать можно найти и интересные старые объекты, но их нужно именно искать. Понятно, что в реконструированном доме жить приятнее, зато старые облезлые дома сохраняют дух города.


    На перекрестке Посадской и Арбатской улиц стоит местный архитектурный шедевр - церковь Николы на Посаде, ее построили в начале 18 века. Еще в ордынские времена здесь находился храм Николы "Мокрого"  - покровителя моряков и всех путешественников, ведь это центр коломенского рабада - Арбатская улица, рядом с берегом Москвы реки. Сейчас церковь св.Николая принадлежит старообрядческой общине Коломны.


    Церковь имеет 105 нарядных кокошников на крыше. На переднем плане старые ворота в храмовый комплекс, сейчас их используют как подсобное помещение.


    Как и полагается, здесь трудятся выходцы из Средней Азии, раньше невольников захватывали в военных походах, а теперь они сами едут на работы в загадочную страну Московию. Но наверно и раньше, 600 лет назад, здесь в коломенском рабаде трудились "понаехавшие" из Волжской Булгарии, Хорезма или Ирана.


    Единственный сохранившийся на воротах изразец.


    В глубинах дворов на Посадском переулке можно обнаружить старейшие в городе жилые палаты рубежа 17-18 веков. Считается, что это самый старый жилой дом Коломны, сейчас там якобы идет реставрация, палаты огорожены забором. Кстати, "огораживание" серьезная болезнь местных властей, практически все старые объекты в городе как-то огорожены, даже если от здания сохранились только две стены - все равно вокруг стоит металлический забор. Причем, создается впечатление, что огораживание преследует в большей степени цель сокрытия объектов от взглядов, чем недопущения проникновения посторонних на объекты. Как например здесь - все загорожено и занавешено, но сбоку, на соседнем смежном жилом участке в заборе есть калитка, через которую можно беспрепятственно проникнуть на территорию.



    "Дом воеводы" стоит в диком саду, возможно сад здесь появился одновременно со строительством палат. По письменным источникам дом строился для купца гостинной сотни И.И. Ушакова в 1701 г., а воеводу придумали для солидности.


    Это классический особняк начала 18 века, выстроенный в стиле московского барокко. Первый этаж дома служил для хозяйственных целей, а второй был жилым.


    В палатах и сейчас живут люди, об этом свидетельствует антенна на крыше. Я хотел зайти внутрь, но услышал, что работает телевизор, т.е. дом вполне обитаем.




    Красные стены первого этажа - следы недавней реставрации, также реставраторы изменили форму окон, приблизив их к формам 18 века. Затем, видимо, реставрация приостановилась (она идет уже много лет), возможно, что именно сами реставраторы и заселили этот дом, а что, зачем добру пропадать - дом добротный стоит уже 300, и еще столько же простоит)


    В этом углу старого посада сохранилось, кстати, много старых домов, к счастью, еще не обезображенных реставрациями. Например, соседний дом с "палатами воеводы" тоже весьма примечателен. И тоже жилой, там должно быть несколько квартир.


    Этот дом построили уже наверно в 19 веке.


    Так он выглядит со стороны улицы.


    Через дорогу еще один интересный дом. В общем, Посадский переулок  - самое интересное место в Старой Коломне.



    Из коломенского посада я отправился на поиски Старо-Голутвина монастыря, он находится на самом юге Коломны, практически уже за городом. Дело это оказалось не простое, так как местные жители, у которых я спрашивал дорогу, как водится, ничего не знали о существовании монастыря, а те, кто знал, показывали противоположные друг другу направления. Хотя от главной ж/д станции Голутвин можно дойти туда пешком или проехать пару остановок на трамвае.

    Старо-Голутвин, как мне кажется, расположен стратегически более удачно, чем сама Коломна, так как он находится в месте впадения Москвы реки в Оку. Это все же две крупные реки, в то время как Коломна расположена в месте впадения небольшой речушки Коломенки в реку Москву. Естественно, такое важное место не могло долго пустовать, и по преданию, в 14 веке Сергий Радонежский основал здесь монастырь. Это место несомненно должно было использоваться в целях обороны, но сейчас от старых построек ничего не осталось.

    Главная достопримечательность Старо-Голутвина - это его ограда с башнями. Собственно, ради этой ограды я сюда и добирался.


    Считается, что эти псевдоготические шпили возвел в 1778 г. Матвей Казаков, скорее всего, все остальные монастырские ограды с подобными минаретами в Коломне строили уже по примеру Старо-Голутвина монастыря.


    Главный храм монастыря - Богоявленский собор построен на месте старого каменного собора, и относится к началу 18 века века; Сергиевский храм и примыкающий к нему настоятельский корпус — относится к первой половине 19 века


    К сожалению, Богоявленский собор сильно перестроен, на нем буквально живого места нет, поэтому как памятник архитектуры он перестал существовать. Но сам комплекс в целом смотрится очень живописно.


    Памятник Св.Сергию Радонежскому.


    Комплекс монастыря очень похож на Ново-Голутвинский, что в кремле. Такие же корпуса, образующие внутренний двор, и остроконечные башни по углам. Я, честно говоря, и не вспомню, где еще в российских монастырях есть такие высокие шпили, ограда с башнями несомненно уникальна.








    Предыдущий пост, посвященный Коломенскому кремлю.

    Мои посты о русских городах:
    Кидекша - крепость Юрия Долгорукого
    Сумрачный Суздаль
    Ветхий город Владимира
    "Новый город" старого Владимира
    Владимир - вторая столица Руси
    Боголюбово - замок князя Андрея

    0 0

    Король пик - Русский стиль.jpgvasnecov_grozny.JPGКороль треф - Русский стиль.jpgПока этот сюжет почти два месяца болтался у меня незавершенным, 14.07.2016 в интернете появилась новая статья о карточных прототипах С короля - на бал!, которую в ЖЖ сразу же растащили на цитаты.

    Новым, в сравнении с прежними публикациями, стало, во-первых, сравнение пикового короля из колоды "Русский стиль"с портретом царя Ивана Грозного с картины Литовченко Александра Дмитриевича (1835-1890) "Иван Грозный показывает сокровища английскому послу Горсею".

    Кликнув на картинку пикового короля, вы сможете самостоятельно убедиться в несостоятельности этого утверждения. Как по мне, то, скорей, король треф плюс-минус три верблюда, как говорил мой преподаватель начерталки, похож на портрет Ивана Васильевича кисти Виктора Михайловича Васнецова. С большой натяжкой можно было бы сказать, что и пиковый король похож на этот портрет, но уж больно вегетарианское выражение лица у этого короля, в отличие от царского портрета. Да, собственно, трефовый король тоже грозностью облика не отличается. Борода да шапочка - вот и всё сходство.


    Смотреть далее

    0 0

    «Айвазовский пленителен и скучен ровно настолько, насколько пленительно и скучно современное искусство. В провидческом даре новых законов коммуникации зрителя с образом, а художника с обществом и рынком значение сына армянского купца из Феодосии Ивана Гайваза – Айвазовского – уникально». Смотрим вместе с художественным критиком Сергеем Хачатуровым открывшуюся 29 июля в Третьяковской галерее масштабную экспозицию знаменитого мариниста.«Экспозиция, включающая около 200 произведений из 17 музеев, а также частных собраний, позволяет наконец приблизиться к пониманию неких законов и идей творчества художника… Образ выставки вполне грациозно лавирует между классической экспозицией музея и амбициозным высказыванием современного дизайна. Светлые фальшстены волнорезами рассекают пространство огромного зала. Много воздуха. Строгий ритм».


    Aivazovskij Etjud 1

    0 0

    Оригинал взят у galik_123в Король и художник. Язык цветов


    Антонис ван Дейк. Автопортрет с подсолнухом, после 1633 г. Холст, масло. Частная коллекция

    У Антониса ван Дейка (1599-1641), знаменитого фламандского живописца, есть удивительный автопортрет с большим подсолнухом. И чтобы понять, почему художник изобразил себя с этим цветком, надо, оказывается, знать символику цветов. Дело в том, что символизм подсолнуха связан с солнцем. Его золотистый цвет, лепестки-лучи и способность поворачивать соцветие к солнцу сделали его символом солнца и судьбы (творца, монарха), а также верности. Видимо, изображение растения на автопортрете придворного живописца - свидетельство преданности художника своему покровителю, английскому королю Карлу I (1600-1649).

    Родиной подсолнуха является Америка. Одомашнивание подсолнуха производилось в древности индейцами. По данным археологии, в остатках древних стоянок индейцев найдены глиняные сосуды, заполненные семенами подсолнечника, давность которых определена в 2000-3000 лет. Впервые семена подсолнуха были привезены в Европу возвращавшимися из экспедиции в Новую Мексику испанцами и высеяны в 1510 году в Мадридском ботаническом саду. В христианстве подсолнух считается знаком любви Господа, и знаком религиозной души (символ молитвы и монашеского послушания). В Китае подсолнух - цветок магический, символ долголетия. Кроме всего прочего, подсолнух широко распространенный символ знатности.



    В 1632 по приглашению короля Карла I, которого Рубенс называл "величайшим любителем живописи из всех государей мира", Ван Дейк отправился в Англию. Там он получил должность главного живописца короля, дворянский титул и золотую цепь. Считается, что Карл впервые услышал о Ван Дейке от своей супруги, королевы Генриетты Марии. А она, в свою очередь, узнала о нём от матери - королевы Франции Марии Медичи. Но нельзя исключать, что именно Рубенс порекомендовал британскому монарху своего лучшего ученика.
    Король и королева Англии постоянно заказывали фламандцу свои портреты. Тридцать пять портретов Карла I (из которых 7 - конных), 35 портретов королевы Генриетты, бесчисленные изображения королевских детей - все это свидетельствует о том, как часто обращался король к гению своего придворного художника.
    Хорошо известен "тройной портрет короля", на котором король показан в трех ракурсах. Портрет был начат художником скорее всего во второй половине 1635 года, когда, как отмечали современники, король находился в полном расцвете сил. Он был очень хорошо сложен, обладал располагающей внешностью. Портрет предстояло отослать в Рим скульптору Лоренцо Бернини. Пользуясь им, скульптор должен был вылепить бюст Карла I. Папский престол задумал поднести мраморный бюст Карла I королеве Генриетте Марии с надеждой вернуть Англию в лоно католической церкви.
    Ван Дейк отлично понимал, что тройной портрет будут придирчиво рассматривать римские художники и знатоки, и работал над ним с особой тщательностью. Тройной портрет Карла I сделан по пояс и изображает короля в профиль, в три четверти и анфас на фоне грозового неба. На короле три камзола разного цвета и разные кружевные воротники. Слева король придерживает рукой атласную ленту с висящим на ней Малым Георгием, справа - придерживает правой рукой плащ. Взгляд у короля созерцательный и отрешенный, а весь облик его проникнут царственностью и достоинством.


    Карл I в трех ракурсах, 1636 г. Холст, масло. Виндзорский замок, Национальная картинная галерея , Англия

    Портрет понравился королю, и в своем письме к Бернини Карл I выразил надежду, что скульптор "изваяет наше изображение в мраморе по нашему подобию на холсте, которое вскоре ему будет выслано". Получив картину, ваятель сделал бюст Карла I летом 1636 года, а уже весной следующего года кардинал Барберини позаботился об отправке произведения в Англию. Бюст прибыл в Оутлендский дворец в июле 1637 года и был восторженно принят. Восхищенная королева наградила Барберини крупным бриллиантом .


    Копия бюста Карла I

    К сожалению, этот бюст оказался в числе сокровищ, погибших при пожаре Уайтхолла в 1698 году. Сейчас в Виндзоре хранится копия, выполненная, возможно, Томасом Эйди со слепка.




    0 0

    В Коломне, в доме музее Лажечникова проходит выставка «Костюмы, нравы и обычаи русских…» из музея – усадьбы Архангельского. Эта выставка приехала в Коломну из музея-усадьбы «Архангельское». С 2013 года музей-усадьба «Архангельское» реализует художественно-просветительный выставочный проект «Искусство книжной иллюстрации». Выставка знакомит с иллюстрациями из альбома начала XIX века художника Готфрида Гейслера (1770-1844). Издание находится в фонде редких книг музея–усадьбы «Архангельское». Альбом был издан в Лейпциге (в 1801 году) отдельными – по пять изображений в каждом – тетрадями на французском и немецком языках. Возможно, приобретенные владельцем Архангельского князем Николаем Борисовичем Юсуповым (1751 – 1831) тетради позднее и были переплетены в альбом.

    DSCN3904.JPG

    Героями акварелей художника Гейслера стали мелкие торговцы: лубочники, извозчики, сбитенщики, и многие другие. Покупатели и продавцы «встретились» на гравюрах так, как это случалось на улицах русских городов. Наблюдательность автора, документальность в изображении костюмов, атрибутов профессии, придает работам Гейслера особую ценность. Жанровые гравюры Гейслера всегда пользовались популярностью у коллекционеров. Однако нередко букинисты изымали листы из альбомов и продавали их по отдельности. В наше время гейслеровские альбомы в комплекте встречаются крайне редко, но мы имеем возможность соприкоснуться с историей и культурой родной страны, в которой многое забыто и утрачено. Черты характеров, отраженные на гравюрах Гейслера и подмеченные в описаниях Грубера, узнаваемы и сегодня.

    DSCN3906.JPG

    Графическое творчество Христиана Готфрида Гейслера занимает одно из ведущих мест по вкладу в так называемое живописное изучение России — интереснейшую страницу искусства, ставившую себе в том числе задачу познакомить Европу с далекой и малоизвестной страной. Профессиональный художник-гравер Христиан Готфрид Генрих Гейслер (1770–1844) в 1790–1798 годах жил в России. Мастерство молодого художника быстро получило высокую оценку. Уже в 1793 году выходит альбом "Изображение мундиров Российского императорского войска…" (СПБ, 1793) с его гравюрами, а в 1793–1794 годах в качестве художника он участвовал в знаменитой экспедиции академика П.С. Палласа по югу страны, где делал видовые зарисовки, фиксировал социальные типы и бытовые ситуации. Вернувшись в 1801 году в Лейпциг, он издал несколько альбомов, посвящённых России, в которых главным объектом изображения стали русские, в основном, простые жители Петербурга.

    Christian_Gottfried_Heinrich_Geissler-oval.jpg
    Христиан Готфрид Генрих Гейслер

    Автором сопроводительного текста на немецком и французском языках вступил Иоганн Габриэль Грубер (1774 – 1851) – немецкий критик и истории литературы, несколько лет проживший в России. С Гейслером его связывала давняя дружба, которая возникла еще в период их учебы в Лейпциге. Грубер очень уважительно отзывается о русских, с восхищением отмечая веселость нрава и эмоциональность нашего народа. Пояснения к рисункам, написанные в популярной в 18 веке форме обращения «к моему дорогому другу», не только комментируют работы художника, но и содержат сведения, которые являются самостоятельным этнографическим исследованием.

    Gabriel_Gruber.jpg
    Иоганн Габриэль Грубер

    DSCN3883.JPG
    "Встреченная мною девушка могла бы послужить сюжетом для написания Вам идиллического письма, если бы какой – то злой гений не представил одновременно моему взору эту ужасную торговку с лицом каменотеса. Она продает всякую сладкую дрянь под видом немецкого пирожного и предлагает девушке купить что-то из своего товара. Девушка, красивая брюнетка – крепостная служанка. Ее одежда, чистая и простая, могла бы служить моделью костюма для немецкой актрисы в роли крестьянки. Наша молодая служанка идет стирать белье и держит в руках палку (рубель), который Русские женщины виртуозно применяют для экономии мыла. Вспоминается один анекдот, недавно приключившийся со мной. Проходя по берегу канала, я увидел стоящего в воде человека, голого по пояс. Изо всех сил он колотил похожей палкой по рубахе, растянутой на камнях. Некоторое время я с любопытством наблюдал за ним, но чуть не упал в воду от изумления, увидев, как он, бросив палку, поднял рубаху, выжал ее, надел на себя и удалился, как ни в чем не бывало."

    DSCN3881.JPG
    "Представляю Вам мальчика – стекольщика. Здесь люди этой профессии, имея при себевсе необходимое, ходят по улицам и предлагают свои услуги повсюду, где видят разбитое окно. Selenschtschik (зеленщик), изображенный рядом, продает, либо поштучно, либо на вес всякого рода овощи и зелень: финскую репу, редис, пучки петрушки, шпината и т.п. Он несет свой товар на подносе в Kuloks (кульках), илисумках из рогожи и корзинках. Из ближайших областей в столицу поставляют большую часть потребляемых овощей почти круглый год. Здесь можно купить самые редкие из них, такие, как спаржа, цветная капуста. Всего двадцать лет назад их ввозили морем из-за границы. Таким изобилием жители обязаны искуснейшими огородниками, это их умение вырывает у природы дары, в которых она отказывает из-за климата. Овощистоят здесь чуть не в четыре раза дороже, чем у нас, но в Петербурге немало людей, желающих видеть на своем столе только самые редкие и самые дорогие блюда и фрукты. Огородники пользуются этой слабостью и заламывают несусветные цены."

    DSCN3887.JPG
    "Заранее льщу себе мыслью угодить Вам, представляя жену русского купца. Посмотрите, как она обаятельна! Да, обаятельна. И я очень раздосадован, что Вы не заметили этого сами! Иначе Вы восхитились бы ею: сдобное тело, белая, кК алебастр, кожа, грациозная походка. Чтобы выглядеть еще привлекательнее, купчихи заботливо чернят себе брови и зубы, и считают черные зубы отличительным признаком красоты. Богатые купчихи носят очень дорогие одежды, поэтому небогатые, не желая уступать им в соперничестве, часто жертвуют условиями частной жизни, чтобы блистать в обществе. Вот костюм купчихи: расшитые серебром и золотом юбка и камзол, покрытый золотой вышивкой головной убор, или «Kakoschnik» (кокошник), жемчужные серьги и колье, большой платок из золотой индийской ткани. Рядом с купчихой нарисован продавец мяса, который убеждает ее купить поросенка, спеленутого, как мумия."

    DSCN3892.JPG
    "«Slifki! Slifki!» («Молоко! Сметана!»)— каждое утро такой крик первым раздается на улице. Вы видете перед собой «Malochniza» - продавщица молока. Она одета в род казакина без рукавов, который называется «Tucha greka» (душегрейку) по-русски это означает «печка для души». На плечах, на концах куска согнутого дерева, «Koramisla» (корамысла) продавщицы носят сосуды с молоком, сделанные из глины с песком и завернутые в ткань из коры деревьев (рогожу). Продавщица молока беседует с девушкой, продающей вишни. Девушка очень красива. Красота в России – плотная, мощная красота, такую можно встретить на полотнах Рубенса. Прическа девушки из народа, в отличие от прически замужней женщины, это свободно свисающая коса, перевитая лентой. Девушки обычно одеты в свободную длинную робу самых ярких расцветок, «Sarafan» (сарафан), их головной убор состоит из широкой стоячей ленты, «Kakoschnik» (кокошник), украшенной золотыми подвесками, закрывающими лоб."

    DSCN3896.JPG
    "Может, Вы захотели есть? Ну, с голоду Вы, конечно, не умрете, но похудеете. Я не составлю Вам компанию: вся еде здесь слишком уж русского вкуса. Вот, например, «Kiseel» (кисель). Это род пюре из гороха, в форме круглых пирожных, которые продаются по постным дням. Продавец «Kiseelnik» (кисельник), несет на голове, на подносе, эти пирожные и все необходимое: бутылку с льняным маслом, несколько тарелок и несколько деревянных вилок. Тот же поднос служит ему столом, когда кто-нибудь захочет купить, с позволения сказать, пирожное. Продавец ставит поднос среди улицы на ножки, которые нес в руке, кладет на тарелку то количество пирожных, которые ему заказали, режет их на маленькие квадраты, поливает маслом, дает вилку и блюдо готово. Скудость такой пищи достойна святых угодников. Не хотите? Предпочитаете голодать? В добрый час! Это только доказывает индивидуальность вкуса. Посмотрите на этого кучера из богатого дома, в выездной ливрее и рукавицах с золочеными раструбами. Аппетит, с которыи он ест, показывает, что он явно предпочитает свой «Kiseel» (кисель) прочим лакомствам."

    DSCN3900.JPG
    "Всем известно, что в России простой народ не пьет на чаю, ни кофе с молоком, но выпивает огромное количество водки, а также «quas» (квас) и «sbiten» (сбитень). Le quas представляет собой смесь уксуса с медом, который продают на каждом углу. Le sbiten это вода, в которой кипятят мед и перец, его продают на улицах особые торговцы, которые называются «Sbitenschiki» (сбитенщики). И та, и другая жидкость стоят «kopeki» (по копейке) за стакан. Вторая фигура представляет Вам солдата, покупающего завтрак у Sbitenschik, который носит свой Sbiten в деревянном ведре, обернутом тканью, чтобы жидкость оставалась горячей. В правой руке у продавца сумка из грубой рогожки «Kulok» (кулёк), в котором он носит маленькие белые булки, «Kalatchi» (калачи), и круглые витые печенья «Krenteli» (Крендели), под мышкой бутылка с молоком (в скоромные дни в Sbiten добавляют молоко), на поясе прикреплен широкий кошель со стаканами. Его обувь изготовлена из полос древесной коры, такая обувь чрезвычайно распространена среди крестьян."

    DSCN3908.JPG
    "Какой резкий контраст между этим несчастным и Козаком с Дона! Спесивый вид офицера вполне сравним с чванливым видом парвеню (выскочки) «из благородных» и рисует Вам характерную черту большинства числа представителей высшего сословия, а именно тех, кто способен делить людей только на хозяев и рабов, и не помнят о человеческом достоинстве. К счастью, не все знатные люди здесь таковы. Многие из них заслуживают глубокое уважение своей человечностью и благородством чувств. Этот офицер хочет нанять «Iswoschtschik» (извозчик) или возницу, чей фиакр «Droschka» (дрожки), служит здесь основным средством передвижения, как и «Kibitken» (кибитка), о которых я уже упоминал. Все «Iswoschtschik» носят желтые пояса, а их зимние колпаки или летние шляпы одного цвета. За свою езду, очень быструю, они возьмут, если поторговаться весьма умеренную плату."

    DSCN3912.JPG
    "Торговец, которого я Вам представляю, продает орехи и порожные на меду – пряники, «Preniki». Эти пирожные выпекают в узорных вафельницах и украшены буквами, похожие на буквы в церковных книгах. Женщины простого звания обожают орехи и «Preniki», и на рисунке Вы видите, как одна из них собирается купить того и другого. Женщина внимательно следит за продавцом, и я не могу ее за это осуждать. В этой стране для всех торговцев, от простого «Rasnoschtschik» (разносчик) до крупного банкира, главное – выгода, и, за редчайшим исключением, все они прибегают к ловкому обману, осуществляя свои махинации. Вот Вам пример. «Rasnoschtschik» предлагает коробку чая даме. Дама проявляет осторожность: коробку взвешивает, открывают, дама пробует чай, высыпает его – ни признака обмана. Она предлагает цену, «Rasnoschtschik» не согласен. Он ссыпает чай в коробку и прячет за пазуху; наконец, после торга , уступает и отдает коробку даме. Вернувшись домой, дама обнаруживает в коробке песок, сверху присыпанный чаем."

    DSCN3913.JPG
    "Обратите внимание на этих двух мальчиков. Один из них продает помаду, другой – варенье. Продавец варенья что-то говорит другому мальчику, а тот обдумывает сделанное предложение. Держу пари, что в кармане первого карты. Эти мальчики всегда готовы сыграть с желающими. Они играют в фараон, в двадцать одно очко, марьяж, или в местные игры, такие, как «Turatschka» (в дурачка) или «игра для помешанных». Они ставят на кон свои товары, а их противник – деньги. Не стоит надеяться выиграть у них, они слишком искусные игроки. Мошенники! А как они смеются исподтишка над простодушным партнером! Вас восхищает их здоровый и цветущий вид? Но одежда мальчиков, не исключая и обуви, соответствует понятию подходящей одежды. Здесь лишь недавно забыли о купании детей в холодной воде и часто кладут детей в снег. Не знают они и сладостей. И почему у родителей, лишенных всякого понятия о том, как следует направлять воспитание, дети сильнее и здоровее наших? Мое мнение: потому что Русские пока не принялись , как мы, философствовать на тему воспитания."

    DSCN3919.JPG
    "Что за шум! Какое скопление возбужденного народа! Но крики слишком радостные, чтобы их причиной служило неприятное происшествие. Вообще Русские часто приходят в волнение из-за пустяка. Нет на свете народа более веселого, чем Русские, и более легкого на характеру, чем Французы и Русские, но последние любят еще и пошуметь. Русский народ настолько беден, что даже незначительный временной прибыток для него – источник неуёмной радости. Они живут одним днем, им и в голову не приходит бороться с жизненными обстоятельствами, и веселость не покидает их никогда. Но оставим дискуссии философам и подойдем вместе с этим офицером и этой дамой, посмотреть, что показывают. В руках у рыбака живая морская собака (один из видов тюленя – нерпа). Когда она попадается в сети, ее сажают в бочку с водой, кормят рыбой и показывают несколько дней за деньги, возя бочку по улицам."

    DSCN3923.JPG
    "В России официальная почти пользуется особой привилегией, и корреспонденция перевозилась со скоростью, почти неизвестной во многих других странах. Нередко русский курьер преодолевал расстояние в сто немецких миль за 48 часов. Правительственные курьеры одеты в форму светло-зеленого цвета с красным воротником, отворотами и обшлагами. Они перемещаются свободно, во всякое время на каждой почтовой станции для них приготовлена «Troika» (тройка). Все остальные путешественники обязаны получить в полиции почтовый билет «Podorischna» (подорожная). В России на каждой почтовой станции можно спросить еду, но кровать – никогда, поэтому все надо возить с собой, что и делается, даже в маленькой почтовой «Kipitki» (кибитка). В отдаленной провинции Россиинет строения более жалкого, чем почтовые станции; представте себе, есть даже помещения, вырытые в земле «Semlauki» (землянки)."

    DSCN3927.JPG
    "Перед Вами продавец птиц и торговец цветов. Тем, кого душевная склонность влечет к цветам и птицам, гораздо труднее, чем у нас, ее удовлетворить. Певчие птицы здесь также редки, как и красивые цветы. Большинство цветов, которые продают «Rasnoschtschiki» ( разносчики) – оранжерейные, что делает их гораздо дороже, чем в странах, где самых незначительных усилий достаточно для выращивания цветов в открытом грунте обширных садов. Что касается певчих птиц, Вы легко сможете судить об их цене, когда узнаете, что по весне птиц привозят из внутренних областей Германии, причем везут даже соек и, конечно, продавцы хотят не только компенсировать расходы на дорогу и пребывание в чужой стране, но и получить прибыль. Так канарейка обойдется Вам в 2 дуката, соловей будет стоить гораздо дороже. Торговец цветами несет свой товар на голове, и, чтобы не повредить самые ценные из цветов, заботливо обернул их бумагой."

    DSCN3932.JPG
    "Изображенный крестьянин выполняет функцию «Isvoschtchik» (извозчик). Таких извозчиков наградили шутливой кличкой «Wanka» (Ванька), то есть Жан. Невозможно проехать дешевле, чем запросит такой извозчик: за пять «kopeki» (копеек) он отвезет Вас за три «Verstes» (версты). Спереди у этих саней находится маленькая скамеечка, на которой Wanka ухитряется сидеть боком. Если местность становится холмистой, он спрыгивает на землю и, как только сочтет возможным, вновь устраивается на своей скамеечке – этот трюк он выполняет молниеносно. Его седоки – ремесленник с женой, возвращающиеся из мясной лавки."

    DSCN3937.JPG
    "На рисунке Вы видите колбасника и продавца дичи. Лучшие колбасы, которые едят в Петербурге, немецкого изготовления. Колбасы и копченую ветчину готовят исключительно мясники-немцы. Вы найдете у них колбасы любого качества и любой величины. Часто они ходят по улицам, предлагая свой товар, причем выкликают его по-немецки. На рынке в Петербурге полным полно дичи и стоит она очень дешево из-за огромного подвоза. Больше всего тетеревов, рябчиков и куропаток. Зайцы тоже не редкость. Нет необходимости говорить Вам, любителю натуральной истории, что зимой они белые, как во всех северных странах. Едят в России и медвежатину, но она считается изысканным блюдом и подается только в богатых домах."

    DSCN3941.JPG
    "Подойдем к этому «Plinnik» (блиннику); продавцу мягких галет. Эти галеты считаются здесь одним из самых изысканных блюд. Их готовят из сарацинской (гречневой) муки и жарят в смеси растительного и сливочного масла. Их едят на улице с солью, которая насыпана на тарелке у Plinnik. Вы спрашиваете, что наш продавец делает правой рукой? Для Вашего же спокойствия я воздержусь от ответа, и так же отвлеку Ваше внимание от его лохмотьев и ужасающе грязной тряпки, которой укрыты галеты. Впрочем, Вы легко убедитесь в наличие людей, способных есть эти галеты, и даже есть со вкусом. Лицо фонарщика, второй изображенной персоны, выражает удовольствие. Он представлен со всеми атрибутами своей профессии: лестницей, бутылкой с маслом и т.д. Несмотря на 17000 рублей, отпускаемых правительством для освещения улиц, освещены они скверно. Ничего удивительного: в эту же сумму входят расходы на фонари, а темное время суток составляет здесь 18 часов."

    DSCN3949.JPG
    "«Купите спички!» - обращение ко мне вызвало пристальное внимание, с которым я разглядывал зеленую одежду продавца. Вряд ли он мог предположить, что я просто хочу зарисовать русского матроса, продающего «Spitschki» (спички). Истины ради не скрою, что идет он медленно, да и шаги его не верны. Прежде чем обратиться к другому персонажу, приведу Вам маленькую справку. Среди множества ругатьльств, находящихся в постоянном обиходе здешних матросов, есть очень выразительное – «Swenszki Canaille» (сволочь шведская). Основой его происхождения служит память о последнем морском сражении, которое Русские проиграли шведам. Второй Русский, представленный на рисунке, продает в коробе из березовой коры кавьер, или «ikra» (икру), и соленого осетра. Его вылавливают в Волге и привозят сюда зимой. В этот сезон килограмм осетра стоит 30-40 Kopekis (копеек). В зажиточный домах на обед дают, вместе с бокалом вина, как тонкое блюдо, ломти белого хлеба, намазанные кавьером, смешанный с рубленным луком, маслом, уксусом и перцем."

    DSCN3945.JPG
    "Мне есть, из чего выбирать, если бы я захотел сделать покупку: поблизости от мясника я вижу молодого крестьянина, продающего яйца и кур. Мне приятен его опрятный вид. Он служит живым свидетельством тому, что здесь не все крестьяне – бедняки, как принято полагать. Люди этого класса вообще уже не те, что раньше, на многое ли можно возлагать надежды, если их судьба, по-прежнему, целиком зависит от мудрости и доброты или глупости и злобности хозяев, которым они принадлежат. Но следует признать – чаще они вызывают жалость. Крестьянин, за плечами которого что-то вроде старого чемодана, к которому привязана вторая пара обуви из коры, «Lapti» (лапти), пришел из деревни. Его летняя одежда сшита, как и у большинства здешних крестьян, из холста. Но, вероятно, одноцветного холста ему не хватило на все платье целиком, и по низу пришита ткань другого цвета. Вы, вероятно, удивлены, но я так часто это встречал, что уже привык."

    http://www.kolomnamuzej.ru/usadba-kuptsov-lazhechnikovykh/vystavki/89-vystavka-kostyumy-nravy-i-obychai-russkikh-iz-muzeya-usadby-arkhangelskoe

    0 0

    Оригинал взят у galik_123в Найдена гравюра Дюрера

    Новость из мира искусства


    Альбрехт Дюрер. Гравюра с изображением Девы Марии, младенца Иисуса и ангела, 1520

    По сообщению The Guardian, французский коллекционер, а в прошлом археолог, приобрел гравюру одного из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса Альбрехта Дюрера всего за несколько евро на блошином рынке во французском округе Сарбур. Медная гравюра "Дева Мария, коронованная ангелом" была создана в 1520 году.
    На гравюре изображена Дева Мария с младенцем Иисусом на коленях. Над ними парит ангел с венцом в руках. Эта лист был внесён в список утраченных произведений искусства, составленный немецким центром Kulturgutverluste. Считается, что произведение было утеряно после Второй мировой войны, возможно, его вывезли во Францию в 1945 году.



    На обороте покупатель обнаружил печать Государственной картинной галереи Штутгарта и решил вернуть уникальную находку музею. Французский коллекционер лично приехал с женой в Штутгарт, чтобы вручить администрации галереи ценнейшую гравюру. Несмотря на то что шедевр немецкого художника Альбрехта Дюрера относится к наследию эпохи Возрождения, гравюра сохранилась в очень хорошем состоянии. Сохранилось даже оригинальное паспарту
    из музейной коллекции. В музее пока еще не решили, где будет находиться шедевр Дюрера. Он входит в серию из 15 гравюр с изображениями Марии и младенца Иисуса, созданных Дюрером в разное время. В собрании Государственного музея в Штутгарте хранятся около 250 работ этого мастера, которые он сделал на протяжении всей своей карьеры.
    Альбрехт Дюрер (1471-1528) - немецкий живописец и график, один из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. Крупнейший мастер ксилографии. Первый теоретик искусства среди североевропейских художников, Известен множеством автопортретов, гравюр, рисунков и витражей. Его работы хранятся в крупнейших музеях и картинных галереях Германии, Италии, Франции, Англии, России, США и Австрии.
    По материалам artnet News.



    0 0
  • 08/14/16--11:56: Кинкейд
  • Оригинал взят у niktoinikakв Кинкейд

    Томас Кинкейд извеcтен как король китча. Однако начинал он как импрессионист, имхо - высокого уровня.



















    И 1-ая любовь заметна и во многих его китчевых вещах:

















    0 0

    Оригинал взят у virginianв ТПортреты Савелия Сорина

    "Сорина знали в Европе и Америке, а он мечтал об известности в России (cтрочка в Википедии).


    Савелий Сорин, автопортрет, 1920

    1.3-Avtoportret-iz-alboma-V.-Sudejkinoj-ok.1920g.bum.kar.-akv.-ryadom-stihi-Nimfy-Bel-Kon-LyubomirskojTbilisi1-766x1024


    Кем же был Савелий Сорин? Ученик Репина, ставший модным портретистом еще на закате серебряного века, Сорин оставил целую галерею портретов знаменитостей. Сориным были выполнены портреты Ф. И. Шаляпина, А. А. Ахматовой, С. А. Лурье, Т. П. Карсавиной, князя С. М. Волконского, княгини О. К. Орловой и многих, многих других.



    На одном из его первых портретов оказался не кто иной, как наш Буревестник

    Gorky



    Портрет понравился М. Горькому и он так подружился с Сориным, что даже повесил фотографию молодого художника в рамке на стену своего кабинета среди фотографий других близких ему людей.



    Фотография Сорина внизу слева.


    Заодно Сорин и портрет супруги Горького написал

    131-Portret-Ekateriny-Peshkovoj-1902-h.m.-muzej-M.Gorkogo-Moskva-711x1024


    У портрета Буревестника была интересная судьба, Сорин написал его в 1902-ом году, а в 1904-ом году Сорин, несмотря на то, что он был тогда еще студентом, принял участие с этим портретом в своей первой международной выставке. Это была Всемирная выставка в Сент-Луисе США. Там портрет был куплен одним коллекционером. В последствии портрет несколько раз менял владельцев, пока не оказался на стене художественного музея в Сан Франциско. Так что, у меня есть шанс его увидеть.


    Анна Ахматова

    Anna_Akhmatova_1913-1914_by_Savely_Sorin



    Сорин, Качалов и Станиславский в студии художника

    stanislawski-savely-sorin-katschalow


    Оказавшись, как и многие деятели культры в эмиграции, Сорин быстро приобрел известность, выставлял свои работы в Осеннем салоне. В этот период Сорин выполнил портреты Шаляпина, Джорджа Баланчина, Сержа Полякова, Надежды Тэффи, Льва Шестова и Анны Павловой, практически весь цвет русской эмиграции оказался на полотнах художника.


    Портрет Шаляпина


    SHalyapin-F.I.



    Портрет Анны Павловой

    anna-pavlova-3



    Тамара Карсавина в балете Сильфида

    tamara-karsavina-as-sylphid



    Портрет князя Сергей Оболенского

    prince-serge-obolensky




    Elizabeth Angela Marguerite Bowes-Lyon, Queen consort of the United Kingdom,

    her-majesty-queen-consort-elizabeth-bowes-lyon



    Дама с терьером

    a-lady-with-a-terrier



    Портрет Анатолия Дюбуа

    18-Portret-Anatoliya-Dyubua-muzhchina-v-shlyape-1942-bum.-na-h.-akrilovaya-kraska-137h91-GTG-671x1024




    Портрет Марины Шаляпиной, "мисс России" 1931 года

    marina-chaliapina-freddi-miss-russia-1931



    Портрет актрисы из постановки "Великий Гэтсби"

    114Portret-aktrisy-iz-postanovki-Grate-Gatsby-Era-Deco-1024x911



    Портрет Авы Мюриел Астор, княгини Оболенской

    ava-alice-muriel-princess-obolensky



    Судьба благоволила художнику, выставки в Европе и Америке, многочисленные заказы от сильных мира сего. Когда началась война в Европе, Сорин смог уехать в Америку буквально на последнем пароходе. Вместе с другими деятелями русской эмиграции Сорин неоднократно делал взносы в Фонд помощи СССР и получил от Советского правительства грамоту "За вклад в победу над врагом", подписанную от лица страны А. Громыко — в то время послом СССР в США. После войны Сорин продолжает активно работать, много ездит, готовит к изданию большой альбом со своими лучшими работы.

    Принцесса Елизавета, 1948, прелестный и наверное один из лучших портретов будущей королевы

    48-Printsessa-Elizaveta-sejchas-koroleva-Velikobritanii-1948-bum.-akv.-133x112-Klarens-haus-London-828x1024



    Портрет Шаховского, архиепископа города Сан Франциско

    19Potret-arhiepiskopa-San-Frantsisko-I.-SHahovskogo-1950-bum.-na-h.-smesh.-tehn.64h48-GTG-770x1024



    Портрет Ирины Оболенской
    130031427_1948_Portret_knyagini_Irinuy_Obolenskoy__Portrait_of_Princess_Irina_Obolensky__805_h_645_bumaga_na_holste_akvarel_i_karandash_CHastnoe_sobranie


    Мария Рассел, Герцогиня Бедфодская

    marya-russell-duchess-of-bedford



    Вивьен Ли

    8.-portret-Viven-Li-h.m-.47.5x4676x54-...-979x1024


    К сожалению, многим планам художника было не суждено осуществиться, в 1951 году, находясь в Париже, семидесятитрехлетний художник почувствовал себя плохо, он был помещен в госпиталь, но врачи не смогли поставить диагноз и отнесли его плохое самочуствие к обычному переутомлению, прописав длительный отдых. Выйдя из госпиталя, Сорин с женой отправились отдыхать в Швейцарию и Италию, а в октябре 1951 года вернулись в Нью-Йорк, там болезнь вернулась снова, на этот раз диагноз был неутешительный - рак. Сорину сделали операцию, но уже было поздно. Последний месяц художник провел в Вестпорте, маленьком городке в штате Коннектикут.

    Последний автопортрет художника, как и в юности не выпускающего сигареты изо рта.

    3.1-Avtoportet-v-sadu-h.-m.1952g.645x535-870x1024



    В какой-то степени мечта Сорина сбылась, перед смертью он завещал отправить на Родину 30 портретов деятелей русского искусства, исполненных им в 1920—1940 годы и картины в концов-концов очутились в России, но история их возвращения оказалась настоящей фантасмагорией. В течение двадцати лет Анна Степановна обращалась в ведомства правительства СССР с просьбой принять завещанные Родине картины мастера, но не была удостоена даже ответом.

    Лед тронулся, когда вдова художника смогла встретиться с Екатериной Фурцевой, бывшей по своим делам в Нью-Йорке, и ей удалось рассказать министру о завещании своего мужа.

    У Анны Степановны уже было настойчивое предложение Великого князя Монако Ренье III передать картины в его дворец для устройства там музея Савелия Сорина с тем, чтобы сама Анна Степановна пожизненно находилась бы на полном содержании правительства Монако. Но она не могла согласиться на это, так как художник завещал все свои картины Родине.

    Фурцева решила устроить показательное шоу о том, как трепетно советское правительство относится к людям, сделавшим вклад в знаменитую Русскую культуру и достойно представлявшим ее за рубежом. Она собрала пресс-конференцию с телевидением и журналистами. Ролик снятой тогда телехроники существует и демонстрируется иногда и теперь в передачах о Фурцевой. А вот и фото, обошедшее множество газет:

    Министр культуры СССР Е. Фурцева в мастерской покойного русского художника С. Сорина, слева с гвоздиками в руках вдова художника. Фурцева предложила Анне Степановне переехать в СССР вместе со всеми картинами Савелия Сорина и заверила ее, что завещание художника будет выполнено.

    Resize of 4.-E.Furtseva-u-A.S.Sorinoj


    Анна Степановна поверила Фурцевой и, собрав все остававшиеся в мастерской картины, отправилась в Москву.

    Два портрета грузинских красавиц были по завещанию отправлены в Тбилиси, а остальные портреты, согласно завещанию, должны были все вместе храниться и экспонироваться либо в Третьяковской галерее, либо в Русском музее.

    Княгиня Чолокаева — Мелита Чолокашвили, 1927, Тбилиси, художественный музей


    anna-pavlova



    Вдове художника был устроен царский прием, ее катали по городу в автомобиде "Чайка", и как водится, приставили сопровождающих в штатском. Однако полностью изолировать вдову художника от контактов не удалось, и Анна Степановна вскоре узнала, что портреты уже отправляются в различные периферийные музеи СССР. Обещания министра культуры СССР о том, что завещание художника будет в точности выполнено, оказались пустыми словами. Она тут же заявила, что забирает картины, так как не выполняется завещание художника, и пригрозила вмешательством принца Ренье. Упоминание принца Ренье подействовало, поэтому ей дали уехать и увезти с собой часть картин. Тридцать же картин, уже распределенных по музеям, остались в СССР.

    Остаток своих дней, воспоьзовавшись гостепреимством князя Ренье, Анна Степановна провела в Монако, недалеко от княжеского дворца, в четырех залах которого был устроен музей Савелия Сорина.
    После смерти принца Ренье III доступ зрителей к картинам был прекращен...

    Resize of 3.68-A.S.Sorina-u-sebya-doma-v-Monakko



    Шесть картин Сорина оказались в шахтерском городе Донецке на Украине, где есть небольшой художественный музей.


    Портрет певицы

    22-Portret-pevitsy.bum.-na-h.-smesh.-tehn.65X62-Donetsk-Ngr2318



    Казачка

    137-Kazachka-1937h.m.84X74Donetsk-N1361-899x1024



    Портрет балерины Ирины Бароновой

    83Portret-baleriny-Iriny-Baronovoj-1939-h.m.176x141-Donetsk-816x1024



    Портрет актрисы немого кино Натальи Кованько

    silent-movie-actress-natalia-kovanko




    "Портрет артиста", Луганский художественный музей

    52-Portret-artista-Luganskij-h.m-108x118.ot-Kornilovskoj-M.I.v-1962g.-1024x937



    За картинами бережно следила бессменная сотрудница музей Татьяна Панова. Уже выйдя на пенсию, она написала книгу о музее, посвятив перипетиям с картинами Сорина целую главу, "Путешествие шедевров Сорина в донецкую "Третьяковку".

    Resize of Iz-knigi-Panovoj1


    Эссе Татьяны Пановой в художественном журнале "Дикое поле, донецкий проект".

    Тайна соринского портрета

    В статье использовались материалы из публикации Великий портретист возвращается на Родину


    0 0

    Уважаемый nickfilinнашел интересную версиюпроисхождения знаменитой шапки Мономаха.
    Вероятно, что главная регалия русских царей, это не просто подарок хана Узбека Ивану Калите, а татарский женский головной убор. Возможно, он принадлежал сестре хана Узбека Кончаке, вышедшей замуж за московского князя Юрия Даниловича.
    Ранее, я писал в статье Про женскую красоту в Московиио том, что макияж женщин на Руси был также заимствован из Золотой Орды

    >>>>По нашему мнению, шапка Мономаха до того, как попала к русским князьям, была женской, принадлежала знатной татарской особе. Доказательством этого являются, во-первых, существовавшие ранее подвески (свидетельство С. Герберштейна), которые были характерными для женского головного убора тюркских народов. Во-вторых, детали золотоордынских женских головных украшений из знаменитого Симферопольского клада, находящегося в фондах Государственного исторического музея в Москве. В кладе были найдены фрагменты золотого женского головного убора и серебряного навершия от головного украшения, декорированные жемчугом и драгоценными камнями. Поражает сходство крепления камней к навершию и в гнезда шатонов, а также орнаментация шатонов скаными завитками в виде кругов на деталях головного убора из клада и шапки Мономаха.




    Ибн-Баттута - арабский путешественник, побывавший в городах Золотой Орды, сообщает, что "знатные татарские женщины на верхушке шапки носили золотой кружок, украшенный павлиньими перьями и усыпанный драгоценными камнями" (27). Испанский посол Рюи Гонзалес де Клавихо, побывавший в ставке Тимура, оставил описание головного убора старшей царицы - Сараи-Мульк-ханым. Это был род высокого шлема, красиво убранный разными самоцветами, над которыми была точно "маленькая беседка" с тремя рубинами, Откуда исходил белый султан, чьи перья были перевязаны золотой нитью с кистью из птичьих перьев, с каменьями и жемчугами на конце (28). Описание навершия напоминает форму навершия из драгоценных камней шапки Мономаха. Примечательно, что оборотные стороны блях-медальонов от шапки Симферопольского клада также были украшены изображениями лотоса, что подтверждает версию о знаковом характере данного мотива, имеющего по всей вероятности этносоциальное содержание.

    Исходный вид шапки Мономаха.


    Женский головной убор из Монголии. Как видим, форма, орнамент и изображение лилии почти идентичны шапке Мономаха.


    Шапка с подвесками или в виде усеченного конуса полусферической формы соответствует форме тюркских головных уборов, известных у татар под названием такъя, у туркмен - тахья. Встречается такая форма и у других народов Поволжья - удмуртов, чувашей, башкир, у которых она также носит название такъи или хушпу. Подобная форма головного убора, с нашитыми монетами и укрепленным на макушке серебряным куполком, была известна ногайцам как девичья шапочка-такъыя.

    Туркменская тахья.


    Основным украшением тахьи туркмен была гупба - серебряное навершие в виде куполка, с торчащей вверх трубочкой посередине, и серебряные подвески. Этот головной убор туркменские женщины носили до выхода замуж и замены его женским головным убором. В трубочку купба вставлялись перья совы или филина. Если в девичьей шапочке не было перьев, это означало, что девушка засватана (29). По мнению исследователей, манера украшать шапочки перьями совы и филина, известная также казахам, киргизам, полукочевым узбекам, связана с кипчакским этническим пластом этих народов (30).

    Гупба - основа туркменского женского головного убора. Сходство этого элемента головного убора туркмен с шапкой Мономаха очевидно.


    >>>>Более достоверной представляется версия о том, что шапка попала в наследство к Ивану Калите после смерти его родного брата - московского князя Юрия Даниловича. Принадлежала же она Кончаке - сестре татарского хана Узбека. Кончака, в крещении Агафия, была выдана замуж за Юрия московского. Он жил в Орде, "умел сблизиться с семейством хана и женился на сестре его, Кончаке... Ханский зять возвратился в Русь с сильными послами татарскими...". Кончака умерла в Твери в 1317 году, попав в плен к тверскому князю Михаилу, где ее, по слухам, отравили. Юрий Данилович был убит позднее, в 1325 году, тверским князем Дмитрием Михайловичем, который, дабы оправдать себя, сообщил хану Узбеку, что Юрий собирал дань и удерживал ее у себя. Наследником Юрия Даниловича, поскольку у него не было детей, мог быть только его брат - Иван Данилович - Калита. Таким образом, предположение, впервые высказанное Г. Вернадским, о том, что шапка принадлежала хану Узбеку, имеет под собой достаточно веские основания.
    Г.Ф.Валеева-Сулейманова / Кандидат искусствоведения, с.н.с. Института языка, литературы и истории АН РТ. "Царские шапки"



    Тахья у туркменок может носиться и с золоченным кокошником.


    Монгольский женский головной убор сходный с туркменским.




    Туркменская тахья.

    0 0

    юсупова в русском костюмеОдна из участниц знаменитого императорского бала-маскарада 1903-го года - княгиня Зинаида Николаевна Юсупова, была любительницей русской старины и большой мастерицей танцевать русский. В день собственно бала обычные вальсы, кадрили и мазурки начались только после исполнения специально подготовленных трёх танцев: русского, хоровода и плясовой. В "русском"танце принимали участие двадцать пар, а солировали великая княгиня Елизавета Фёдоровна и княгиня Зинаида Николаевна Юсупова. Ужин после бала сопровождался знаменитым Архангельским хором.
    В своем доме княгиня Юсупова устраивала костюмированные приемы и любительские спектакли, где блистала в старинных русских нарядах. В кабинете князя Феликса Феликсовича Юсупова, графа Сумарокова-Эльстон - мужа Зинаиды Николаевны, висел её портрет в русском костюме, написанный Константином Егоровичем Маковским. Теперь портрет хранится в Государственном Историческом музее.


    Смотреть далее

    0 0

    Оригинал взят у galik_123в Картины на картине


    Виллем ван Хахт (Гехт). Апеллес рисует Кампаспу (Александр Македонский в мастерской Апеллеса), ок. 1630. Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага

    Такие картины с подробным изображением картинных галерей были особенно популярны в Антверпене в XVII веке, сейчас они представляют собой очень ценный источник по истории искусства. На картине фламандского художника Виллема ван Хахта (1593-1637) изображены люди в псевдоантичном и псевдовосточном одеянии, главная модель - Кампаспа, одета скорее по моде XVI века. По легенде, античный художник Апеллес так хорошо изобразил по просьбе Александра Македонского его любовницу Кампаспу, что царь в восхищении отдал любовницу художнику, а себе забрал её портрет, полюбив изображение больше натуры. Апеллес считается великим и первым художником античности (IV век до н.э.), но, к сожалению, не сохранилось ни одной его работы. Они известны только по свидетельствам античных авторов.

    Сеанс происходит в комнате, полной картин, каждая из которых реально написана фламандскими, немецкими и итальянскими художниками XVI-XVII веков. Среди них изображены и знаменитейшие шедевры, например "Смерть Клеопатры" Гвидо Рени (в центре слева), или "Битва греков с амазонками" Рубенса (в центре над столом)", или "Меняла с супругой" Квентина Массейса (внизу справа). Посмотрим внимательно на эти шедевры.
    Слева на стене над столом висит большое полотно Питера Пауля Рубенса (1577-1640). Это одна из самых драматических картин европейской живописи, на ней изображен сюжет мифологической битвы аргонавтов с воинственными женщинами - амазонками. Картина представляет собой переплетение человеческих и животных тел, и в конечном итоге всё на картине сплетается в единое целое - эллипс. В картине содержится намёк на тогдашнюю политическую ситуацию в Европе - объявление Тридцатилетней войны (1618-1648). Картина была заказана знатным антверпенским купцом и меценатом Корнелисом ван дер Гестом, который первым признал талант художника.


    Питер Пауль Рубенс. Битва греков с амазонками, 1618. Старая Пинакотека, Мюнхен

    Выше висит картина мастера болонской академической школы живописи Гвидо Рени (1575-1642). На ней изображена Клеопатра (69-30 годы до н.э.), последняя царица Египта из династии Птолемеев. Клеопатра с 51 года была любовницей Юлия Цезаря, после 41 года - Марка Антония (с 37 года - жена). После поражения в войне с Римом и вступления в Египет римской армии Октавиана (Августа) покончила жизнь самоубийством. Считается, что после неудавшейся попытки прельстить своей красотой Октавиана, Клеопатра отравилась ядом или, быть может, приложила к своей груди ядовитую змею. После смерти Клеопатры Египет был обращен в римскую провинцию.


    Рени Гвидо (1575-1642). Смерть Клеопатры, 1625. Новый дворец, Потсдам

    В нижнем правом углу стоит на полу картина фламандского живописца Квентина Массейса (1466-1530) "Меняла с женой". Глава семьи - меняла, сосредоточенно следит за равновесием чашечек весов, от которого напрямую зависит его собственное благосостояние. Его молодая жена, переворачивая страницу молитвослова, на мгновение обратила взгляд на чашечки весов, приковавшие к себе внимание мужа. В ее глазах читается сожаление о несоответствии реального мира христианским ценностям, представление о которых она берет из книг и церковных служб. А в небольшом круглом зеркале, лежащем на столе и повернутом к зрителю, отражается другая сцена: сидящий у окна человек погружен в чтение, а в окне виднеется церковный шпиль. Эта "картина в картине" иллюстрирует идеальный образ жизни, к которому искренне стремится молодая жена менялы, но ее отрывают постоянные насущные заботы.


    Квентин Массейс (1465-1530). Менялы, 1514. Лувр, Париж

    Ещё несколько полотен, изображённых на этой замечательной картине. В левом верхнем углу висит натюрморт фламандского художника Франса Снейдерса (1579-1657), одного из крупнейших мастеров этого жанра в мировой живописи.


    Франс Снейдерс. Натюрморт с попугаем, 1600-1630. National Trust, Charlecote Park

    В третьем ряду, считая сверху, висит на стене картина фламандского художника Пауля Бриля (1553-1626). Бриль стремился к единству освещения на своих картинах и тем самым значительно развил искусство пейзажа под влиянием итальянских мастеров. Цветовая гамма его картин в основном осталась по-голландски холодной с преобладанием голубых и зелёных оттенков.


    Пауль Бриль. Паломники в Эммаусе, 1617. Лувр, Париж

    Ниже, крайняя левая - картина "Аполлон и Дафна" итальянского художника Франческо Альбани (1578-1660).


    Франческо Альбани. Аполлон и Дафна, 1615-1620. Лувр, Париж

    Стоит на полу справа цветочный натюрморт фламандца Даниеля Зегерса (1590-1661).


    Даниель Зегерс. Цветы в вазе, 1629-1661

    На правой стене в верхнем углу висит "Пьяный Силен".


    Мастерская Рубенса. Пьяный Силен. поддерживаемый сатирами, 1620

    И даже представлен в этой коллекции итальянский живописец эпохи Высокого Возрождения Себастьяно дель Пьембо (1485-1547).


    Себастьяно дель Пьембо. Портрет Ферри Каронделет с его секретарями, 1510/1512, музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид

    Ещё картина одного из крупнейших представителей Антверпенской школы живописи Квентина Массейса. Его живопись знаменует в нидерландском искусстве переход от поздней готики к Возрождению.


    Квентин Массейс. Портрет ученого, 1520-1525. Городской музей Франкфурта

    Такая богатая на шедевры коллекция была у антверпенского коллекционера и мецената Корнелиса ван дер Геста, а картины с изображением этой коллекции написал художник Виллем ван Хахт. Виллем ван Хахт родился в семье художника-пейзажиста Тобиаса Верхахта. Первоначально учился у своего отца, затем в мастерской Питера Пауля Рубенса. В 1615-1619 годах работал в Париже, затем отправился в Италию, где прожил около семи лет. В 1626 году ван Хахт стал мастером живописи гильдии Святого Луки в Антверпене. В своих полотнах в приукрашенной манере изображал коллекции антверпенских любителей искусства.
    С 1628 года Виллем ван Хахт стал хранителем коллекции произведений искусства, принадлежащих настоятелю церкви Сант-Валбург Корнелису ван дер Гесту (1555-1638). Ван дер Гест был торговцем пряностями, известным антверпенским коллекционером и покровителем искусств. В 1615-1620 гг. он заказал Антону ван Дейку портрет, хранящийся сейчас в Лондоне.


    Антонис Ван Дейк (1599-1641). Портрет Корнелиса ван дер Геста, 1620. Британская Национальная галерея

    Продолжение следует...



    0 0

    Александр Головин. Эскизы костюмов к постановке "Маскарада" Лермонтова в 1917 году. (Из фондов Бахрушинского музея).

    Последняя премьера царской России с бюджетом в 300 тысяч рублей золотом состоялась 25 февраля 1917 года на сцене Александринского театра.
    Спектакль объединил разные жанры (драму, трагедию, пантомиму, оперу, балет). Головин, по собственным словам, сделал к спектаклю около 4 тысяч рисунков. Над постановкой «Маскарада» режиссер Мейерхольд, исполнитель главной роли Юрий Юрьев и Александр Головин работали в течение шести лет. Музыку написал А. Глазунов..


    Вот костюмы ко 2-й сцене, самой эффектной - маскараду.






    Неизвестный (в венецианской бауте)


    Амуры






    Цветочницы



    Жираф



    Incroyable




    Дама в зеленом



    Черная дама




    Дама с круглой маской



    Маркитантка



    Фантом



    Ночь



    Игральная карта


    Дама треф



    Тирселин



    Домино Нины

    Домино баронессы Штраль (с элементами клоунессы)




    Домино - различные.









    Маг



    ПЕРСОНАЖИ С ЖЕНСКИМИ ИМЕНАМИ (ПЕРСОНАЖИ КНИГ?)


    Алина



    Олетта



    Лолотта



    Норма




    Амандина



    Мишелин



    Долорес



    Инесс



    Мария



    Эффи



    Илис



    Сюзанна



    Перикола



    Симонетта



    ЕВРОПЕЙСКИЙ НАРОДНЫЙ КОСТЮМ

    Итальянка



    Испанка



    Нормандка



    Гитана



    Тиролец



    Крестьянка



    ВОСТОЧНЫЙ НАРОДНЫЙ КОСТЮМ


    Китаец



    Татарка



    Черкешенка



    Бухарец и бухарка



    Монта (не знаю, что значит)



    Могол



    Бадруль-Будур (имя жены Аладдина из настоящей сказки)



    Восточная ночь



    Нураддин




    Дама из Кашмира



    Первис



    Индус





    Карлик



    КОММЕДИА ДЕЛЬ АРТЕ

    Голубой Пьеро



    Арлекины



    Джангурголо



    Полишинель



    Ковьелло



    Смеральдина



    Шут



    Горбатый шут



    Вот фото сохранившихся в музеях костюмов (отсюда)



    А тут - костюмы к 8-й картине - сцене бала. Изящные бальные платья "николаевской эпохи".


    0 0

    Оригинал взят у winter_borealisв Норвежский художник Харальд Сольберг (1869 - 1935), забытый нео-романтик

    Harald Sohlberg med tre søstre
    Харальд Сольберг и его сёстры Анна, Рагна и Зигрид, 1894 год.
    Фотограф: Maartmann, Hans d.e.
    Фото взято с сайта oslobilder.no


    Харальд Оскар Сольберг (норв. Harald Oskar Sohlberg, 29 сентября 1869, Христиания — 19 июня 1935, Осло) — норвежский художник-пейзажист. Считается наиболее ярким представителем символистического пейзажа в норвежской живописи конца XIX века. Его картины обозначаются как «пейзажи для души». Известны его картины гор Рондана и улиц Рёруса, самая известная его картина "Зима в горах" 1914 года. Харальд Сольберг родился в семье торговца мехами Йохана Мариниса Вильгельма Сольберга (Johan Marinius Wilhelm Sohlberg, 1831-1909) и Йоханны Ларсдаттер Викер (Johanne Larsdatter Viker, 1837-1902). Был женат на Лилли, урожденной Хеннум (Hennum, 1878-1967). Получил правительственную стипендию незадолго до его смерти.

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)
    Blomstereng i nord, 1905. Nasjonalgalleriet, Oslo.


    Биография

    Сольберг с раннего возраста решил стать художником. Сначала он под давлением родителей получил профессию художника-декоратора, затем посещал Королевскую школу искусств в Кристиании (ныне Осло). После 1889 года он работал в основном самостоятельно, хотя короткие промежутки времени учился у различных норвежских художников, наиболее известными из которых были Эрик Вереншёлль и Эйлиф Петерсен. В 1892 году он учился в Копенгагене в художественной школе Кристиана Зартманна. Однако его художественный стиль сложился под влиянием посещения выставок и знакомства с произведениями Поля Гогена и Йенса Виллумсена. Умер в Осло в 1935 году в безвестности.

    Творчество

    Первая выставка работ Сольберга в 1893 году, а в 1894 году к нему пришёл успех критики после завершения пейзажа «Ночное сияние». Он смог получить стипендию, на которую поехал в Париж и Берлин, а затем в 1897 году учился в Дрездене у Карла Фритьофа Смита. По всей видимости, именно в Дрездене Сольберг познакомился с творчеством немецких художников-романтиков, в первую очередь, Каспара Давида Фридриха, влияние которых на его произведения просматривается довольно явственно, вплоть до того, что Сольберга причисляют к нео-романтикам. В том же 1897 году из-за финансовых трудностей художник вернулся в Кристианию. В следующие несколько лет он написал некоторые из наиболее известных своих произведений, а затем, найдя мецената, смог провести два года в горах Рондане в средней Норвегии, и затем ещё два года в находящемся чуть севернее Рондане городе Рёрус. Пейзажи Рондане и улиц Рёруса стали визитной карточкой творчества Сольберга. В 1905 году художник с семьёй вернулся в Христианию. Он многократно возвращался к мотивам пейзажей Рондане в своём творчестве и завершил последнюю версию в 1914 году.

    Стилистика

    Свет был для Сольберга главным компонентом картины, всё остальное подчинялось ему. Он очень хорошо прорабатывал рисунок, так что иногда его пейзажи напоминают японские гравюры. Сам художник постоянно отрицал, что кто-либо оказал влияние на его творчество. Сам он высказался о своём творчестве так: "По-видимому, действительно мои работы вызывали симпатию по простым и наивным причинам. Однако я настаиваю, что они никоим образом не были правильно поняты в смысле их художественных и духовных ценностей, над которыми я постоянно работал в течение многих лет."

    Увековечение памяти

    В Рёрусе именем Сольберга названа площадь (Harald-Sohlberg-Plass), на которой ему установлен памятник.

    Harald Sohlberg foto
    Харальд Сольберг на фото.

    Byste av Harald Sohlberg i Spell-Olaveien på Røros, ved Harald Sohlbergs plass

    Гранитный бюст художника в Рёрусе, поставленный в 1981 году на площади, названной его именем (Harald-Sohlberg-Plass).

    Harald Sohlberg blå plakett General Birchs gate 32 Oslo
    Памятная таблица на доме в Осло, где художник остался жить с 1911 года и где умер.

    Harald Sohlbergs vei Oslo (2013)
    Имя художника на табличке.

    Statuen av maleren Harald Sohlberg

    Фото с сайта retten.no

    Harald Sohlbergs plass på Røros
    Тот самый Рёрус сегодня, который был так дорог сердцу Харальда Сольберга, у стены виден памятник художнику.

    Røros kirke
    Та самая церковь в Рёрусе с картины Х.Сольберга "Ночь".

    Harald Sohlberg gravminne
    Могила художника на кладбище Спасителя в Осло (Христиании). Кладбище Спасителя, или Спасское кладбище (Vår Frelsers gravlund) — историческое мемориальное кладбище в Осло, расположенное недалеко от центра города, в квартале Гамле Акер (часть района Сент-Хансхауген, St. Hansaugen).





    Галерея

    Sohlberg - selvportrett
    Автопортрет художника 1896 года.

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)

    Harald Sohlberg - Evening Glow
    Evening Glow, 1883

    Harald Sohlberg - Summer Night
    Sommernatt, 1899

    Harald Sohlberg - Street in Røros
    Gate i Røros, 1902.


    Harald Sohlberg - Street in Røros in Winter
    Efter snestorm, Lillegaten Røros (After the snowstorm), 1903. Eid av Nasjonalgalleriet i Oslo.

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)
    Storgaten Røros, 1903.


    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)
    Natt, Røros kirke, 1903. Ночь, церковь в Рёрусеи церковное кладбище.

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)
    Natt (Ночь), 1904. Trondhjems Kunstforening.

    Sohlberg - Solgløtt
    Solgløtt


    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935) - Modne jorder

    Harald Sohlberg - Flower Meadow in the North
    Blomstereng i nord, 1905. Nasjonalgalleriet, Oslo.




    Разные версии работы "Зима в горах"

    Картина "Зима в горах" или "Зима в Рондане" - самая известная картина художника. Картина имеет множество изданий и вариантов, всего 20, здесь же приведены три основных версии картины. Версия 1914 года - основная, хранится в Национальной галерее.

    Sohlberg - Vinternatt, 1901
    Версия 1901 года. Звезда над горой светит ярко, озаряя все вокруг. На первом плане перед горой мы видим грязную каменистую землю и коряги.

    Vinternatt i fjellene, 1914
    Версия 1914 года (работа над ней шла с 1911 по 1914 гг.) Звезда светит более тускло и она стала меньше, как будто холоднее. Здесь на первом плане мы видим сугробы и сломанные деревья, бросается в глаза лежащая в снегу коряга.


    Vinternatt i fjellene III
    Третья версия картины, работа над ней шла с 1918 по 1924 гг. Звезда над горой огромна и светит ярко. Здесь сугробы более чистые, плавные и более ярко прорисованы, лежащая в снегу коряга со второй версии картинв стала бегущей рыжей лисой.

    Разные варианты картины из Инета

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)


    Vinternatt. Зимняя ночь в Рондане (1914), Национальный музей искусства, архитектуры и дизайна, Осло

    Harald Sohlberg - Winter Night in the Mountains




    Миниатюра

    Harald Sohlberg-Solskin (Nordre Langø)

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)

    Oslo fra Akershus Sohlberg
    Oslo fra Akershus Sohlberg

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)

    Harald Sohlberg (Norwegian, 1869-1935)




    Видеообзор






    0 0

    Оригинал взят у galik_123в Кунсткамеры Виллема ван Хахта


    Виллем ван Хахт. Галерея Корнелиса ван дер Геста, 1628. Антверпен, Дом Рубенса

    Творчество фламандского художника Виллема ван Хахта известно в основном по нескольким картинам, на которых представлены собрания картин, скульптур и других произведений искусства, то есть так называемые "кунсткамеры". Самые знаменитые картины в настоящее время хранятся в Королевской галерее Маурицхёйс в Гааге, в доме Рубенса в Антверпене и в национальной галерее Шотландии. Первую из этих картин я уже показала, а вот и вторая - похожа, но ней другие полотна и другое событие. На этих картинах не только произведения искусств настоящие, но и все персонажи - конкретные исторические личности, и можно представить каждого поимённо. Вот например, познакомимся с группой в левой нижнем углу картины, где показаны наиболее известные персонажи.

    На картине - исторически зафиксированный факт: посещение соправителей Испанских Нидерландов Изабеллы Клары Евгении и её супруга Альбрехта VII дома известного антверпенского коллекционера и покровителя искусств Ван дер Геста 23 августа 1615 года. Герб Корнелиса ван дер Геста и девиз Vive l'esprit (Да здравствует дух) изображены над входной дверью, хозяин галереи показывает картину фламандского живописца Квентина Массейса (1465-1530) "Мадонна с младенцем".


    Фрагменты картины Виллема ван Хахта



    Квентин Массейс. Мадонна с младенцем, 1529. Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага

    На фрагменте слева - Изабелла Клара Евгения, испанская инфанта и правительнице Нидерландов (1566-1633). Изабелла проявляла большой интерес к искусству, её двор был магнитом, притягивающим к себе художников и людей искусства. Особенное внимание она оказывала Питеру Паулю Рубенсу, который был не только придворным живописцем, но также послом и посредником при ведении мирных переговоров.


    Хуан Крус (1553-1608). Изабелла Клара Евгения, 1598-1599. Музей Прадо, Мадрид

    Рядом с ней её супруг и соправитель Альбрехт VII, эрцгерцог Австрийский (1559-1621). Альбрехт был пятым сыном императора Священной Римской империи Максимилиана II. Он был отправлен к испанскому двору в возрасте 11 лет, где его дядя, король Испании Филипп II, руководил его образованием. Альбрехт был известен не только как государственный деятель и военачальник, но и как щедрый покровитель искусства.


    Питер Пауль Рубенс. Портрет эрцгерцога Альбрехта VII, правителя Южных Нидерландов, 1609. Музей истории искусств, Вена

    Рядом с эрцгерцогом Альбрехтом что-то объясняет ему художник Рубенс.


    Питер Пауль Рубенс. Автопортрет, 1628-1630. Дом-музей Рубенса, Антверпен

    За Рубенсом стоит Владислав IV Ваза (1610-1613) - король польский и великий князь литовский, старший сын Сигизмунда III. По договору 4 февраля 1610 года, который был заключен под Смоленском между королём Сигизмундом и московским посольством, королевич Владислав должен был занять после принятия православия Русский престол. После низложения Василия Шуйского летом 1610 года московское правительство (Семибоярщина) признало Владислава царём и чеканило от имени «Владислава Жигимонтовича» монету. Владислав православия не принял, в Москву не прибыл и венчан на царство не был. В октябре 1612 года в Москве было низложено боярское правительство королевича Владислава; в 1613 году царём был избран Михаил Фёдорович. До 1634 года Владислав продолжал пользоваться титулом Великого князя московского. Есть на картине историческая неточность: Владислав приезжал в Антверпен, когда Альбрехт уже умер. Иными словами, картина не является изображением конкретного события, хотя и основывается на историческом факте.


    Питер Пауль Рубенс. Портрет Владислава Вазы, 1624. Вавель

    Справа от короля - Ян ван Монтфорт, казначей эрцгергской пары, а между ним и хозяином - Антонис ван Дейк, который удостоился чести быть изображенным как придворный художник на момент завершения картины в 1628 году.


    Антонис ван Дейк 1599-1641). Портрет Яна ван Монфорта, 1628. Музей истории искусств, Вена



    Антонис ван Дейк. Автопортрет, 1632. Галерея Уффицы, Флоренция


    0 0

    Фотографии конца XIX - начала XX века армянских церквей и монастырей существовавших на востоке нынешней Турции. Ныне почти все эти сооружения полностью разрушены.
    Армянские церкви из Восточной Анатолии по стилистике сильно отличаются от тех, что можно увидеть в самой Армении. В них очень много общего с исламскими мечетями, в сущности, они своими шатровыми крышами и кубическими формами больше похожи на персидские погребальные комплексы имамзаде. Византийского в них почти ничего нет, что удивительно, ведь, кажется, что Западная Армения ближе к Византии географически.

    Монастырь Иоанна Предтечи (Сурб Карапет) недалеко от города Муш. (Почти все фото кликабельны)


    Можно предположить, что монастыри в Западной Армении, находясь на территории Османской империи, имели значительные финансовые возможности, поэтому часто перестраивались, каждый раз все больше приближаясь к канонам исламской архитектуры. В то время как армянские общины на территории нынешней Армении, начиная с 13 века, стали подвергаться постоянным ударам завоевателей, и их численность существенно снизилась, фактически нормально функционировал только один католикосат в Эчмиадзине.У большинства монастырей не было финансов на перестройку своих церквей, как известно, главный разрушитель старых храмов - это сами верующие, которые постоянно пытаются подновлять свои святилища. Если же религиозная община исчезает, то храмы остаются в своем изначальном виде. Поэтому самые древние армянские церкви сохранились именно на территории Армении (и прилегающих областях - Ани, Карс), в Малой Азии (нынешней Турции) древних церквей даже в 19 веке осталось уже очень мало.

    Церковь Святого Креста (Сурб Хач) на острове Ахтамар, 915-925 гг. Это самый древний и единственный сохранившийся храм из всех здесь представленных.


    Процессия в храме Святого Креста.


    Монастырь Варагаванк рядом с озером Ван. Он был основан царем Васпуракана Сенекиримом Арцруни в 11 веке.


    Монастырь Варагаванк


    Монахи монастыря Варагаванк показывают трон царя Синакерима Арцруни.


    Шатровые главы церквей монастыря Варагаванк.





    Монастырь Нарекаванк (основан в начале 10 века) у южного берега озера Ван.


    Монастырь Нарекаванк



    Монастырь Нарекаванк


    Тебризские ворота крепости в городе Ван.


    Армянки из района озера Ван.




    Монастырь Иоанна Предтечи (Сурб Карапет) недалеко от города Муш. Считался самым важным религиозным центром в Западной Армении, с 12 веке здесь находилась резиденция епархии области Тарон.


    Церкви монастыря были возведены в 16 веке.


    Монастырь Иоанна Предтечи зимой.


    Колокольня монастыря Сурб Карапет была возведена в 1788 году.






    Армяне области Ван.




    Монастырь Святых Апостолов (Сурб Аракелоц) в 11 км от города Муш. Монастырь был основан в 11 веке, крепостную стену возвели в 1791 г.


    Монастырь Святых Апостолов.


    Кладбище с хачкарами монастыря Святых Апостолов.


    Армянский воин в полном вооружении, район озера Ван.


    Армянская семья.


    Монастырь Святого Григория (Сурб Григор) на острове Лим озера Ван. Церковь Св.Григория интересна своим коническим куполом, он в точности похож на купол гробницы знаменитого Мевляны - поэта Джалаладдина Руми в Конье. Гробницу Мевляны закончили в 1274 году, купол церкви Св. Григория более поздний - самая ранняя дата 1310 год. Подобная "гофрированность" стен была хорошо известна и ранее, наиболее масштабно ее применили при строительстве самого большогобашенного мавзолея - Гумбад-и Кабуса.


    Монастырь Лим


    Монахи монастыря на острове Лим.


    Монастырь Святого Варфоломея в Башкале, 13 век.


    Входной портал церкви Святого Варфоломея.


    Киликийский католикосат Армянской церкви в Сисе, здесь он распологался с 1282 года.


    И несколько неопознанных мной армянских монастырей.






    Армянские монахини.


    Армяне области Ван.






    Армянская девочка из Восточной Анатолии, 1900-1915 гг.


    Еще Армения на старых фото:
    Армянские церкви на старых фото
    Путешествие по Армянскому нагорью в 1890-х гг.

    0 0

    Оригинал взят у ronner_knipв Свидание на троих

    Кого выберет девушка с картины английского живописца Чарльза Хей-Вуда (Charles Haigh-Wood,1854-1927)? Того, кто понравится коту.


    0 0

    Оригинал взят у galik_123в Рафаэль в Москве

    Новость из мира искусства


    Рафаэль Санти. Фрагмент работы "Мадонна Грандука", 1504, Палаццо Питти, Флоренция

    Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина представит в сентябре первую в России выставку нескольких шедевров Рафаэля Санти. Выставка откроется 13 сентября и продлится до 11 декабря 2016 года. Одиннадцать произведений одного из величайших мастеров итальянского Возрождения - восемь картин и три графических листа, из итальянских музейных собраний, в том числе из галереи Уффицы, будут показаны в Москве.
    Организаторы, несмотря на небольшое количество произведений на выставке, постарались подобрать их таким образом, чтобы максимально полно отразить разные периоды творчества Рафаэля.

    В паре с наброском покажут "Мадонну с младенцем (Мадонну Грандука)" из галереи Уффици, написанную вскоре после переезда Рафаэля во Флоренцию и относящуюся к раннему периоду его творчества. Считается, что в этой картине особенно явственно прочитываются связи с манерой Леонардо да Винчи, а известно о ней стало в конце XVIII века, когда директор галереи Уффици Томмазо Пуччини сообщил правителю Тосканы, великому герцогу Фердинанду III Лотарингскому, о возможности приобрести работу Рафаэля. Тот был настолько впечатлен картиной, что разместил ее в своей спальне, так она стала "Мадонной великого герцога".


    Рафаэль Санти. Мадонна Грандука,1504

    Галерею портретов откроет небольшой "Автопортрет" Рафаэля, который он написал в возрасте 23 лет, а продолжат парадные портреты Аньоло Дони и его супруги Маддалены Строцци, портрет Элизабетты Гонзага (все из галереи Уффици) и женский портрет, известный как "Немая" из Национальной галереи Марке (Урбино).


    Рафаэль Санти. Автопортрет, 1504−1506



    Рафаэль Санти. Портрет Аньоло Дони, 1506



    Рафаэль Санти. Портрет Маддалены Дони, 1506



    Рафаэль Санти. Портрет Элизабетты Гонзага, 1505



    Рафаэль Санти. Женский портрет (Немая), 1507

    В ГМИИ представят и две алтарные работы художника - картину "Святая Цецилия", которая была выполнена для церкви Сан-Джованни-ин-Монте в Болонье (ныне находится в Национальной пинакотеке, Болонья) и "Голову ангела" - одну из трех сохранившихся деталей алтаря "Коронация святого Николая", заказанного Андреа Барончи для своей домашней капеллы церкви Сан-Агостиньо в Читта-де-Кастелло. Она датируется 1501 годом и является самой ранней работой Рафаэля на московской выставке, в то время как "Святая Цецилия", напротив, - самой поздней.


    Рафаэль Санти. Экстаз Святой Цецилии, 1517



    Рафаэль Санти. Святая Мария Магдалена, фрагмент алтаря "Экстаз Святой Цецилии"

    "Ангела" привезут из Художественной галереи Тозио Мартиненго в Брешии.


    Рафаэль Санти. Ангел,1501

    В 2020 году во всем мире будет широко отмечаться 500-летие со дня смерти Рафаэля Санти. Выставка в ГМИИ им. А. С. Пушкина станет первой в череде знаменательных событий, приуроченных к этой дате. Подготовка выставки Рафаэля проходит под патронажем посольства Италии в РФ и лично посла Чезаре Марии Рагальини.
    "Вряд ли что-то подобное этой выставке мы сможем повторить в ближайшие пять лет, некоторые из картин никогда не покидали пределы Италии. Мне кажется, что по научному уровню выставка будет крупнейший и важнейшей выставкой Рафаэля во всем мире. Она станет важным этапом в нашей культурной дипломатии в России", - сказал посол Италии в РФ Чезаре Мария Рагальини.

    Ранее лишь немногие работы художника экспонировались в ГМИИ им. А. С. Пушкина в рамках различных выставок. В 1989 году в ГМИИ выставлялась "Донна Велата" Рафаэля Санти из собрания Галереи Палатина (Палаццо Питти, Флоренция). В 2004 году это полотно вновь привозили в Москву в рамках выставки "Италия - Россия".


    Рафаэль Санти. Донна Велата (Женщина под покрывалом, портрет Форнарины),1516

    В 2011 году Пушкинский показывал "Даму с единорогом" из галереи Боргезе в Риме.


    Рафаэль Санти. Дама с единорогом, 1504

    В России хранятся две ранние картины Рафаэля, обе - в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге.


    Рафаэль Санти. Мадонна Конестабиле. 1502-04



    Рафаэль Санти. Святое семейство (Мадонна с безбородым Иосифом), 1506

    По материалам ТАСС и сайта ГМИИ им. Пушкина