Новость из мира искусства


Джеймс Тиссо. Весна, 1865

Художник Джеймс Тиссо творил во второй половине XIX века, в период расцвета импрессионизма, во многом определившего развитие искусства, но он не примкнул к этому направлению. У него был свой собственный стиль, о котором до сих пор дискутируют историки искусства. Тиссо родился во Франции, но прожил много лет в Англии. Темой для своих картин Тиссо выбрал жизнь высшего класса. Его картины в Лондоне, так же как и в Париже, быстро стали популярными.
Тем не менее, некоторые критики отзывались о творчестве Джеймса Тиссо негативно. В частности, влиятельный теоретик искусства Джон Рёскин называл картины живописца"всего лишь раскрашенными фотографиями вульгарного общества". Но такая оценка критиков не смогла повредить его популярности. Он был прекрасным портретистом и тонким колористом. Увлекаясь фотографией, Тиссо умел с поразительной точностью прорисовывать черты лица и мягкость тканей, фактуру материалов, блеск украшений и интерьеров. Выставка Джеймса Тиссо проходит сейчас в Риме в Кьостро дель Браманте.

Кьостро дель Браманте - внутренний дворик, построенный в 1500 году архитектором Браманте, является частью церкви Санта-Мария-делла-Паче.




После реставрации 1997 года здесь проводятся многочисленные международные художественные выставки, конференции и семинары.




Церковь Санта-Мария-делла-Паче находится недалеко от Пьяцца Навона.




На выставке представлено 80 работ из Лондона и Парижа. В разных залах можно прочитать интересные факты о костюмах эпохи, прикоснуться к тканям, узнать, в каких картинах они присутствуют. Недаром Тиссо называли художником моды. По работам Тиссо можно изучать одежду того времени, настолько тщательно прописаны мельчайшие детали платьев и многочисленные аксессуары.




Жак-Жозеф Тиссо (1836 -1902) родился во французском городе Нант, в семье успешного торговца тканями Марселя Теодора Тиссо. Мать, Мари Дюран, помогала мужу в семейном бизнесе и разрабатывала фасоны модных шляпок. По-видимому, знакомство с детских лет с миром моды позволило художнику достичь такой точности в изображении мельчайших деталей женской одежды.
Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена. В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, серия работ  "Парижанки".
Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины.


Джеймс Тиссо. Встреча Фауста и Маргариты, 1860. Музей Орсе, Париж, Франция



Джеймс Тиссо. Пикник, 1870



Джеймс Тиссо. Плохие новости (Прощание),1872. Национальная галерея Уэльса



Джеймс Тиссо. Выздоравливающая, 1876. Sheffield City Art Galleries



Джеймс Тиссо. Покой, 1881. Частное собрание



Джеймс Тиссо. На корабле, 1882. Художественный музей, Денвер, США



Джеймс Тиссо. Садовая скамейка, 1882. Музей изящных искусств, Лилль, Франция



Путешественница, 1885. Художественная галерея, Лидс, Великобритания



Джейм Тиссо. Портсмудская верфь, 1886. Частное собрание

В Лондоне художник жил с 1871 по 1882 год. В 1870-е годы Тиссо встретил разведённую молодую даму Кэтлин Ньютон, имевшую двоих детей. И она стала его спутницей и натурщицей, а главное - музой. Но его личная жизнь окутана тайной, в свой дом он не допускал даже друзей. Кэтлин переехала в его дом, родила сына и жила с ним до своей смерти, наступившей в 1882 году в возрасте 28 лет. Причина смерти её осталась неизвестной - называют и самоубийство, и туберкулёз.


Зимняя прогулка (Портрет Кэтлин Ньютон)


Джеймс Тюссо. Летом. Портрет Кэтлин Ньютон, 1878

После смерти своей музы художник уехал в Париж, однако вскоре отправился в Палестину, чтобы сделать наброски для задуманной им серии иллюстраций к Евангелию "Жизнь Господа нашего Иисуса Христа". Результатом двух поездок на Ближний Восток явилось создание семисот акварелей, иллюстрирующих библейские сюжеты. В 1896 году серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год - в Лондоне. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.


Портрет Джеймса Тиссо

Коллекция библейских сюжетов

Продолжу публикацию рисунков из журнала "Нива"за 1892 год.
Преследование русской одежды.

Вновь рисунки из журнала "Нива"за 1892 год.
Маленькая любительница кошек.

Авторы котоальманаха "Коты через века" alise84, dhyul, marinagra, archigenova, ekolovratпредлагают вашему вниманию  выпуск, посвященный египетскому коту, и желают вам, друзья, приятного чтения! Котоальманах можно полистать ЗДЕСЬ.



Путешествуя по странам и континентам, мы с вами видели, как любят кошек в Японии и в России, в Англии и во Франции, как вдохновляют кошачьи образы художников и поэтов всего мира. Однако нигде и никогда почитание кошек не было столь глубоким и безусловным, как в Древнем Египте. Почему египтяне обожествляли кошек и поклонялись им?



Религиозные воззрения древних египтян - это та сторона древнеегипетской истории, которая, похоже, больше всего интересует современного человека. Ментальность современной Европы выросла из верований и мировоззрения совсем других культур Древнего мира – с одной стороны, иудейской, с другой – греко-римской. Египетская же культура и ее основа, религиозное мировоззрение, – явление абсолютно уникальное.




Дикий кот. Фрагмент  сцены охоты.
Гробница Небамун,  Фивы, XVIII династия, ок. 1400-1350 гг. до н.э.


Сцена охоты на птиц, фрагмент.
Гробница Менны, Новое царство, XVIII династия, ок. 1400-1350 гг. до н.э.

Уникально оно, в том числе, и своим зооморфизмом. Обожествление сил природы, животных и растений достигло в Египте уровня, не сопоставимого ни с одной другой древней культурой. Яркие зооморфные образы, созданные египетскими художниками, поражают даже больше, чем демоны Шумера и Вавилона.
Удивительно и то, что художественная яркость и фантастичность образов египетских богов достигаются при использовании минимума фантастических средств, в отличие от тех же Шумера и Вавилона, и это  одна из отличительных черт египетских верований.



Дикая кошка в зарослях папируса. Роспись из некрополя  Бени-Хасан. Среднее царство, ок. 20 в.до н.э.

Вторая важная черта религиозной системы Древнего Египта – ее консервативность. Крайне медленное развитие государства, практически неизменный общественный уклад способствовали длительному сохранению древнейших культов.
В-третьих, говоря о религии Древнего Египта, нельзя не заметить, что она весьма символична, и ее символизм тесно связан с культом природы и естественных сил. Изучая древнеегипетские верования, мы постоянно сталкиваемся с одной стороны с отголосками далекого прошлого древних египтян, а с другой – с достаточно высоким уровнем абстракции, присущим религии общества, имеющего письменность, литературу и искусство.


Бронзовая голова кошки. XXV-XXX династии, 716-311 гг. до  н.э.

Географическая среда, в которой жили египтяне, фауна, игравшая многообразную роль в их жизни, были существенным фактором возникновения конкретных форм египетского тотемизма и его последующего превращения в культ животных. Так, например, скотоводство занимало важное место в хозяйственной жизни народа еще задолго до объединения Египта, поэтому уже в глубокой древности началось обожествление крупного рогатого скота: во времена Первой династии существовал культ быка Аписа. Весьма распространен был культ крокодила, олицетворявшего бога Себека, который возникал в местах, изобилующих этими животными.


И наконец, очень широко был распространен  культ кошки. Древний Египет являлся преимущественно аграрной страной, а к тому времени человек научился выращивать достаточно зерна, чтобы запасать его впрок. Крысы и мыши наносили большой урон запасам зерна, а кошки, уничтожая грызунов,  помогали сберечь урожай. Кроме того, кошки устраняли такую смертельную опасность, как заползающие в жилища ядовитые змеи.


Голова кошки. XXVI-XXXI династии, 666–44 г. до н.э.


Голова богини Баст. XXVI династиия. Ок. 600 г. до н.э.

Кот считался у египтян одним из воплощений бога Солнца Ра - одного из важнейших богов египетского пантеона. В знаменитой 17-й главе «Книги мертвых», Ра выступает как «великий кот»: он сражается со змеем Ими-Ухенеф. В надписях из гробниц царей XIX и XX династий восхваляется царственный Ра и приводится следующая поэтическая устойчивая формула: "Ты - великий кот, мститель богов".


Рисунок на папирусе из 17-й главы "Книги мертвых". Солнечный бог Ра убивает змея Ими-Ухенеф под деревом ишед  - священной сикиморой Гелиополя.



Культ кошек сложился в древний период египетской истории (Вторая династия, около 2 800 лет до н.э.) и продолжался до 1 века до н.э. Древнейшее захоронение кошки датируется концом XVIII династии (14 в. до н. э): сохранился кошачий саркофаг, сооруженный по приказу верховного жреца Мемфиса. Около 2 500  лет до н.э. в надписях пирамид V и VI династий встречаются символы, обозначающие кошек.





Бронзовая статуя  Баст. XXI-XXIII  династии, ок. 1069-702  гг. до н. э.
Бронзовая фигура богини Баст. Эпоха Птолемеев, ок.  311-30  гг. до н. э.

Религиозным центром поклонения кошкам был город Пер-Бастет (греки называли его  Бубастис) на востоке дельты Нила, где, по свидетельству греческого историка Геродота, находился прекрасный храм, посвящённый богине Баст, дочери бога Солнца Ра и богини Луны  Хатхор.
Баст или Бастет — в Древнем Египте богиня радости, веселья и любви, женской красоты, плодородия и домашнего очага, защиты от заразных болезней и злых духов. В период ранних династий, до одомашнивания кошки, Баст изображали в виде львицы, позднее - в виде  женщины с кошачьей головой. Считается также, что Баст имеет два воплощения: женщина с кошачьей головой - добрая сущность,  с львиной - агрессивная.


Бронзовая статуя Баст. 600-300 гг. до н.э.

Атрибутом Баст был музыкальный инструмент систр - трещотка, состоящая  из рамки с металлическими подвижными стержнями.  Часто котоголовая богиня изображается с систром в руках, а у её ног играют четыре котёнка. Расцвет культа Баст (и культа кошек)  относится к XXII династии Бубастидов  (10 — 8 века до н. э), когдафараон ливийского происхождения Шешонк I возвёл Пер-Бастет до статуса столицы.



Львиноподобная богиня Бастет-Уаджит

В главном святилище города  возвышалась огромная статуя богини. Во время ежегодных весенних праздников статую выносили из храма и торжественно провозили на ладье вдоль берегов Нила. Люди со всех уголков Египта стекались к месту паломничества, даже фараоны совершали жертвоприношение в храме Баст. Хотя приведённую Геродотом цифру в 700 тысяч празднующих историки считают преувеличенной, празднество, вероятно, было очень значительным. Даже в самых маленьких деревнях имелся храм Баст, в котором жила священная кошка.


Саркофаг  Та-миу, кошки принца Тутмоса. Известняк,  высота 64 см
14 в. до н.э. Новое церство,  XVIII династия,  правление Аменхотепа III.

Священными кошками самой Баст были животные черной масти; изображение черной кошки помещали на своих домах египетские врачи, как символ профессии.
Баст, защитнице дома, семьи, женщин и детей, посвящались молитвы: «Она может даровать жизнь и силу, здоровье и радость сердца» или «Я кошка, мать жизни».



Кошачьи мумии. Египетский музей, Турин

При храме Баст в Бубастисе разводили священных кошек, и именно там сохранилось наибольшее количество кошачьих мумий. Животных приносили в жертву богине, их тела мумифицировали и продавали паломникам как реликвии. Только жрецы могли приносить в жертву кошек! Остальным египтянам грозила за это смертная казнь. Паломники покупали мумии кошек и преподносили их жрецам и жрицам Баст, которые погребали их в специальных камерах. По всей видимости, в загробном мире кошки должны были передать богине просьбы паломников — об удачном браке, о рождении ребенка, выздоровлении родственника.



Кошачьи саркофаги. Египетский музей, Турин

Статуэтки и "кошачьи" амулеты должны были принести их обладателю успех в любви и уберечь от зла и темных сил.


Аметистовый амулет эпохи Птолемеев, 311-44 вв. до н.э.

Кошки жили при храмах, их кормили  самой лучшей пищей, специально для них разводили в резервуарах рыбу, не имеющую чешуи. Кошкам служили особые жрецы, уход за ними считался почетным делом, переходящим от отца к сыну. Жрецы ждали, когда богиня через посредничество кошек что-то сообщит им, чтобы потом истолковать это сообщение. По состоянию значков кошки и ее движениям жрецы предсказывали погоду, разливы Нила, виды на будущий урожай. Паломник, добивающийся помощи богини или желающий дать обет, приносил в храм свои  остраженные  волосы или волосы своего ребенка. Волосы, которые высоко ценились в Египте, клали на чашу весов и уравновешивали серебром. Верующий жертвовал серебро смотрителю священных кошек, который отрезал для них порцию рыбы.



После того, как в 380 году христианство стало официальной религией Римской империи, в которую тогда входил и Египет, культ Баст, а вместе с ним и культ кошек, был запрещён императорским указом.  Хотя кошки  остались для египтян любимыми домашними животными, они перестали быть объектами поклонения в храмах.




Покинем храм богини Баст и посмотрим, как относились египтяне к кошкам в повседневной жизни.
В Египет кошки были завезены как военный трофей из Нубии вместе с золотом, рабами и слоновой костью. Принято считать, что они была впервые приручены именно в Древнем Египте в течение 3-го тысячелетия до н.э: на росписях в гробницах Саккараха (2750-2650гг. до н. э.) кошки изображены с ошейниками, что свидетельствует об их одомашнивании. Первые иероглифические знаки, обозначающие слова «кот» и «кошка», датируются примерно 2300 годом до н. э. и читаются как "минт" и "миу" ( по другой версии, «мант» и «мау»).





Кошка с котятами. 630 г. до н.э. или ранее

Египетские кошки были не только священными животными богини Баст, но и любимыми членами семьи. Тому, кого  уличали в убийстве кошки, карой была смертная казнь. Возницу, случайно задавившего кошку, насмерть забивали камнями. Греческий историк Диодор Сицилийский описал увиденную им сцену, произошедшую в 60 году до н. э.: римская повозка случайно переехала египетскую кошку и, вопреки законам  царя Птолемея XII, египетский солдат убил возчика. «Один римлянин убил кошку, и сбежалась толпа к дому виновного, но ни посланные царем для уговоров власти, ни общий страх, внушаемый Римом, не мог освободить от мести человека, хотя он и совершил это нечаянно.»



Эдвин Лонг. Посвящение Баст. 1888

Кошек  окружали заботой и вниманием. На улице люди почтительно уступали кошкам дорогу. При пожаре египтянин был обязан сначала вынести из дома кошку и лишь после этого тушить огонь. Геродот описывал, как египтяне бросались в пылающие дома, чтобы убедиться, что внутри нет ни одной кошки. Похороны кошки проходили с большими почестями. Члены семьи, скорбя об утрате, брили головы и сбривали брови в знак траура. Траур длился семьдесят дней — время полной мумификации. Тело кошки бальзамировали, на ее морду накладывалась маска с ушками. Провожая кошку в загробный мир, рядом клали мышь, чтобы ей было чем развлечься и питаться в иной жизни. Мумию зашивали в льняной саван, заключали в саркофаг и хоронили в одном из бесчисленных некрополей, специально предназначенных для кошек и выстроенных вдоль берегов Нила. Археологи до сих пор находят кошачьи некрополи с десятками тысяч захоронений, в музеях хранятся тысячи кошачьих мумий и саркофагов. Иногда кошка сопровождает своего хозяина в загробную жизнь в виде статуэтки или изображения на саркофаге. Многочисленные фигурки кошек можно увидеть на вазах, драгоценностях и посуде, найденных в гробницах.



Джон Рейнхард Вегелин. Похороны египетского кота.1886

Кошка была для египтян символом вечности, потому что во сне она лежит, свернувшись так, что голова и хвост соприкасаются. Влияние освещения на размеры кошачьего зрачка ассоциировалось у древних египтян с движением Бога Солнца на колеснице по небесным рекам. Горящие в темноте кошачьи глаза, согласно верованиям египтян, излучают дневной свет — свет огненной колесницы. Символичным считалось и то, то кошка за свою жизнь рожает 28 котят - число дней в лунном месяце. Изображение кошки, окруженной котятами, служило амулетом для молодоженов, желающих завести много детей.



Эрвинг Лонг. Боги и их творцы. 1878

Бернар Брие в книге "Дикие кошки" пишет о том, что поклонение кошке в Египте в 525 г . до н.э. имело ужасные последствия. Предание гласит, что персидский царь Камбиз решил захватить долину Нила. Персы не умели штурмовать укрепленные города и были вынуждены остановиться у стен города Пелусия. Камбизу пришла в голову  оригинальная мысль: по его приказу каждый солдат укрепил на груди живую кошку так, чтобы она хорошо была видна. Армия двинулась вперед, защищенная живыми щитами. Египтяне побоялись ранить или убить священных животных и сдались. Камбиз завоевал Египет и основал 27-ю династию.
Экспорт кошек был в Древнем Египте запрещен, но финикийские  контрабандисты вывозили животных и продавали их в странах Средиземноморья.


Фрагмент стеллы. XVIII династия, ок. 1450 г. до н.э.


Кошка, поедающая рыбу.  Копия настенной росписи в гробнице.





Остракон (черепок египетского сосуда) с росписью  "Кот и мышь"

"О, чудесная кошка, дарованная навеки"  гласит надпись на древнеегипетском обелиске в Небре. Искусство Древнего Египта подарило нам чудесные образы кошек, которые и сегодня поражают реалистичностью  и величием, точностью деталей и обобщением.  Египетские котопортреты - это  мастерские  изображения не просто животных, но высших существ, посредников  между человеком и божеством.



Фигура кошки из Мемфиса. Среднее царство, XII династия, ок.  1981–1802  гг. до н.э.




Фильм "Кошки Египта: от божества до убожества" (Бельгия, 2004 г.).



Цивилизация Древнего Египта внесла огромный вклад в развитие мировой культуры и искусства. Это связано с тем, что египетское искусство строго следовало определенной традиции и создало характерные и запоминающиеся образы: пирамиды, обелиски, сфинксы, крылатые диски, мумии, саркофаги, скульптуры, иероглифы, стилизованные рисунки. Для европейской архитектуры и искусства обращение к наследию древней цивилизации было столь же важным, как и усвоение элементов античной  культуры. Более того, Греция и Рим, опиравшиеся на древнеегипетскую культуру, стали посредниками для европейского восприятия Древнего Египта. Начиная с XVI в. в атмосфере увлечения античностью рос интерес  и к Египту.



Бронзовый кот. XXVI династия, ок. 600 года  до н.э.

В целом можно сказать, что «египетский стиль» формируют три важнейших источника: археологический, художественныйе и эзотерический, где Древний Египет предстает носителем универсального, тайного знания.
Первая волна европейской "египтомании", как ни странно, связана с античной Грецией, в которой Египет, в отличие от враждебной Персии, воспринимался как далекая страна мудрости и тайных знаний.
После походов Александра Македонского многие черты египетского искусства проникают в греческое, а оно уже передает их в своей интерпретации культуре Римской империи. Так, например, обелиски, возводимые в Египте парами перед входом в храмы и изначально связанные с солнечным культом, в Риме  становятся памятниками воинской доблести римских цезарей и частью языка римской классической архитектуры и декора.


Статуя кота. XXVI династия, 663-525  гг. до н.э.

После падения Рима образ Египта у средневековых европейцев связывается в основном с библейскими текстами, но как только наступает Новое время, в  искусстве снова появляются египетские мотивы.
Например, во Франции в эпоху Людовика XVI возникла живописная фаза рококо, для которой характерно использование египетских элементов в неегипетской манере. Элементы египетского декора присутствуют во внутреннем убранстве (покои королевы Марии Антуанетты в Версале и Фонтенбло) и мебели. Зал папирусов и Галерея ковров в Ватикане стали примером таких же тенденций в Италии, которые позднее обнаруживаются в Англии и Германии. В конце XVIII в. египетские темы и формы уже широко присутствовали в искусстве и архитектуре и даже стали объектом исследования (Катремер де Кьянси, «Какой была архитектура египтян, и что греки у нее позаимствовали», 1785).


Фонтан дю Пальмер. Париж, 1806

Нельзя забывать и о том, что египетскую символику широко использовали различные масонские ложи.
Французская революция 1789 года принесла новое отношение к египетской символике. Она должна была заменить старую, христианскую. Обелиск и пирамида стали одними из самых распространенных архитектурных сооружений.
Стратегический и научный интерес Наполеона к Египту, участие в египетском походе (1798-1799), археологической экспедиции под руководством Д.- В. Денона и издание «Описания Египта» (1802) определили особое внимание эпохи к культуре Египта.
В этот период наряду с римскими цитатами, египетские мотивы используются в архитектуре, декоре, живописи, скульптуре, в оформлении интерьеров, малых архитектурных формах. В украшении мебели повсеместно встречаются изображения сфинксов, пирамиды, пилоны, лотосы и иероглифы. Во Франции египетские мотивы стали частью патриотической символики. Они использовались при строительстве объектов для прославления Бонапарта (Париж «Фонтан Феллаха», «Фонтан Победы», «Фонтан Мира»). Уникальным примером «египтомании» является заказанный Наполеоном севрский "Египетский сервиз".
Научный интерес к Египту должен был укрепить государственную идеологию, показав Францию преемницей древнейших цивилизаций и великих империй прошлого. «Египтомания» эпохи Империи подтолкнула Францию к формированию египтологии как науки о древностях, важнейшей вехой которой стало эпохальное открытие Шампольона – дешифровка иероглифов (1822).


Древнеегипетская статуя кота


Теодор Дек, Франция. Керамический кот в египетском стиле.  Конец 19  в.

Следующий период "египтомании" приходится на эпоху модерна. В этот время египетский стиль применяется в строительстве самых разных по назначению зданий, Строгие монументальные формы используются во всех областях архитектуры и интерьера, египетские цитаты придают постройкам и интерьерам оригинальность и красочность.  Примером внесения египетских элементов в стиль «модерн» могут служить Египетские павильоны на Парижских выставках 1889 и 1900 гг. Сфрормировался стиль, названный "Ретурн д' Эжипт" (Возвращение Египта). Интересно, что он широко использует  мотивы африканского искусства. Для модерна Египет  - не обломок Римской империи, а загадочная и экзотическая африканская страна.




Древнеегипетская статуя кота


Подставка для книг в стиле арт-деко, 1920-30-е гг.

Последний всплеск "егоптомании" связан с открытием гробницы фараона Тутанхамона в 1922 году.  Интерес к  раскопкам в Египте  был во многом инспирирован и далекими от искусства факторами. Египет обрел независимость, Османская империя распалась на множество государств, Восток перестал восприниматься как нечто культурномонолитное. Во-вторых, большую роль в "египтомании", да и в увлечении Востоком в целом, сыграли "Русские сезоны" в Париже с их ориенталистскими балетами. В-третьих, сама по себе ситуация  межвоенной Европы заставляла искать опору в чем-то древнем и неизменяемом. Ну и наконец, приближалось то время, которое в 1932 году будет охарактеризовано фразой "Что же дальше, маленький человек". В Европе становилось холодно, хотелось спрятаться в Египет, в Китай, как Пуччини в его последней опере "Турандот", в "бананово-лимонный Сингапур". Именно поэтому египетский стиль прочно укоренился в арт-деко, использовался в мебели, ювелирных украшениях, в одежде, отразился на искусстве книжной иллюстрации и театральных декорациях.В моде были геометрические стрижки, напоминющие  египетские  парики, подведенные глаза, худоба, смуглый цвет кожи. Модницы даже принимали ванны с йодом, чтобы жемчуга на темной коже выглядели особенно шикарно.



Древнеегипетская статуя кота


Бывшая табачная  фабрика Каррерас в стиле арт-деко, Лондон, 1920-е гг. 

Не обошла египтомания и Россию.  Россия познакомилась с Египтом через культуры-посредницы: византийскую (вплоть до конца XVII в.) и европейскую (начиная с Петровской эпохи), а затем  выработала собственную интерпретацию египетского стиля.


Древнеегипетская статуя кота, XXVI династия, 664-525 гг. до н.э. 


Сфинксы в саду Горного института в Санкт-Петербурге, 1810-е гг.

Сведения о Древнем Египте попали на Русь  вместе с принятием христианства и появлением письменности. Они  содержались в Библии, агиографической литературе, апокрифах, средневековом романе «Александрия», «хождениях» - средневековом жанре паломнической литературы. Источником служили также сочинения античных историков (Геродота, Иосифа Флавия, Плутарха) и византийские хроники.


Древнеегипетская статуя кота, XXVI династия  ок.  664 - 525  гг. до н.э.




Вьездные чугунные ворота усадьбы "Кузьминки" в Москве, середина 19 в.

Первые объекты, в которых встречаются египетские формы и мотивы, появляются в русском искусстве в петровскую эпоху, в русле общего усвоения европейского художественного опыта. Превращение России в империю и возведение Петербурга вызвало подлинный всплеск в развитии архитектуры. Именно тогда в ней и появляются элементы, восходящие к египетской архитектуре: пирамиды и обелиски. Одна из первых пирамид, построенных в России, - это фонтан в первой императорской загородной резиденции Петергофе (арх. Н. Микетти, 1721).





Древнеегипетская статуя кота. Эпоха Птолемеев, 311–30  гг. до н.э.


Египетский мостик в  Санкт-Петербурге, 1826

Распространению элементов египетской культуры и появлению стилизаций чрезвычайно способствовало русское масонство. В масонской символике важное место занимала пара Осирис и Исида, изображение и описание которых становится особенно частым. Египетские элементы стали появляться в декоре зданий наряду с масонскими символами.
Создание Академии художеств (1757) поставило изучение истории искусства и архитектуры на серьезную основу. Для процесса обучения в Россию доставляются копии произведений античности, в том числе сделанные с египетских подлинников. Появляются фигуры сфинксов, которые в последние десятилетия XVIII в. стали
устанавливаться в Петербурге и пригородах. Сфинксы предстают мифическими существами женского рода, а не мужского, как это было в Древнем Египте. Одни из первых в России фигуры сфинксов появились перед Строгановским дворцом на Полюстровской набережной (1794-1796, арх. А. Н. Воронихин) и перед загородной дачей князя А. А. Безбородко.


Древнеегипетская статуя кота, ХXVI  династия, 663-525 гг. до н.э.



Египетский сфинкс, перевезенный в Петербург в 1839 году

Пирамида, строившаяся в древности как гробница фараона, превращается в Европе XVIII в., а затем и в России, в элемент садово-парковой архитектуры, осмысленный как Храм Хроноса – времени и вечности. Египетская тематика используется в русле общих тенденций эпохи при оформлении усадеб (Египетский вестибюль в Архангельском). В Останкинском дворце графа Шереметева «египетские фигуры» украшают портал «Голубого зала», а «Египетский павильон» (арх. В. Бренна) украшают сфинксы.
Обелиски по европейской традиции стали возводиться в честь военных побед и выдающихся полководцев. Кагульский обелиск (1771-1772 арх. А. Ринальди) был первым памятником воинской славы в Царском Селе. По проекту арх. В. Бренны на Марсовом поле был возведен обелиск «Румянцева победам» (1799).


Одна из шестисот кошачьих статуй, найденных в храме Баст в Александрии.

В эпоху модерна возникает качественно новое использование основных египетских символов, основанное на развитии египтологии. Философия В. Соловьева оказала решающее влияние на широкое использование в живописи египетских символов, в первую очередь образа пирамиды.
В мистическом видении, явившемуся ему в Египте, Соловьев увидел божественную основу мира, что затем широко отразились в поэзии (лирика К. Бальмонта, В. Брюсова, Д. Мережковского, З. Гиппиус, М. Кузмина, И. Бунина).
К мировоззрению древних египтян и их искусству проявил пристальный интерес и религиозный философ и писатель В. Розанов (1856-1919). Его позиция во многом противоположна концепции В. Соловьева. Религия египтян предстает в его изложении живой, полнокровной, побеждающей смерть. Розанов пытался понять глубину содержания традиционных для египетской культуры символов и образов (иероглифов, Исиды, Осириса, скарабея, пирамиды, лотоса и др.).


Древнеегипетская терракотовая статуэтка кошки.
Эпоха Птолемеев, 305-30  гг. до н.э.

Одной из примет российской "египтомании"  стало возвращение к образу Клеопатры после "Египетских ночей" Пушкина. Было ли это предчувствием распада империи (а ведь судьба Клеопатры - это еще и иллюстрация к триумфу и трагедии Рима), или нет, мы достоверно сказать не можем, но мотив судьбы Клеопатры в эпоху русского модерна получил дальнейшее развитие и новую интерпретацию в живописи и в балетном спектакле.  К трактовке ее личности и судьбы обращались выдающиеся мастера из разных  сфер  искусства (М. Врубель, М. Фокин, И. Рубинштейн и др.).



Древнеегипетская  статуэтка кошки


Современное украшение в египетском стиле от Марка Лорена

В мае 1912 г. было открыто здание Пушкинского музея на Волхонке, построенного по проекту архитектора М.  Клейна. Парадный вход и зал для египетской коллекции оформлен им в соответствующем стиле. В 1913-1914 году архитектором А. Чернышовым был перестроен в египетском стиле даже Красноярский краеведческий музей.
1917 год принес с собой новые виды искусства и новые формы, среди которых, как и в эпоху Французской революции, оказались не забыты обелиск и пирамида. Но это уже совсем другая история, мы же вернемся к нашим котам... к тем самым котам, которыев древностибыли посланцами богов и  до сих пор помнят об этом!


ЛеслиЭннАйвори, Великобритания. Египетский кот. Конец 20 в.

ПродолженIе будетъ!

Нажми, чтобы прочитать!

   

Новость из мира искусства


Auguste Renoir. Monet Painting in His Garden at Argenteuil, 1873. Oil on canvas.  Bequest of Anne Parrish Titzell

В лондонской Королевской Академии искусств проходит чудесная выставка "Изображая современный сад: от Моне до Матисса". Образ сада относится к "вечным сюжетам" европейской живописи. И этот образ преображался вместе с развитием изобразительного искусства. Во второй половине XIX века именно образ сада, полного ярких цветов и красок, вдохновлял как импрессионистов, так и художников авангарда.

Клод Моне - один из величайших художников, изображавших сады. Известно, что он сам был весьма квалифицированным садоводом, он отлично разбирался в ботанике и сам проектировал сады. Его сад в Живерни до сих пор считается шедевром. В одном из писем Моне признался: "Наверное, именно цветам я обязан тем, что стал художником".


Клод Моне в саду своего дома в Живерни, 1926

Основу для выставки создают картины Клода Моне разных периодов. По "садовым" картинам Моне и его современников можно не только проследить, как менялось изобразительное искусство, но и узнать о модных тенденциях в садоводстве второй половины XIX века.


Claude Monet. Water Lilies with Weeping Willows, 1916-19. Oil on canvas. Lycée Claude Monet, Paris

Достаточно узкая тематика выставки позволила специалистам Королевской академии искусств и музея изобразительных искусств Кливленда собрать и повесить рядом по несколько версий одного и того же пейзажа. Так, на двух стенах выставки можно увидеть сразу четыре варианта знаменитейших водяных лилий Моне и три его мостика через пруд.


Claude Monet. Le bassin aux nymphéas, harmonie verte, 1899. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris



Claude Monet. The Artist's Garden at Giverny, 1900. Oil on canvas. Yale University Art Gallery

Среди картин выставлены знаменитые «Водяные лилии» и известный «Пруд с лилиями», который Моне писал многократно на разные лады. В 1883 году Клод Моне купил дом в Живерни. Картины Моне к тому времени стали продаваться, у него появились деньги, и он приступил к устройству сада. Сохранились письма, в которых Моне дает садовнику подробные инструкции по поводу того, что и где сажать. В конце сада пролегала железная дорога. За железной дорогой была недорогая земля, по которой протекала небольшая речка Эпте, приток Сены. Так появилась мысль вырыть пруд, а через него поставить мост. Лилии дались Клоду Моне с большим трудом из-за проблем с городской администрацией, наложившей запрет на эти цветы.


Claude Mone. Water Lilies, 1914-15. Oil on canvas. Portland Art Museum, Oregon.

Для выставки "Изображая современный сад: от Моне до Матисса" десятки музеев предоставили картины, в том числе санкт-петербургский Государственный Эрмитаж и московский Музей изобразительных искусств имени Пушкина.


Claude Monet. Lady in the Garden, 1867. Hermitage Museum, St. Petersburg

Однако образами райских садов был вдохновлен не только Моне. В экспозиции также представлены полотна Ренуара, Сезанна, Писарро, Мане, Кандинского, Ван Гога, Матисса, Климта и Клее . Всего экспонируются более 120 шедевров, созданных в период с 1860 по 1920 годы.


Emil Nolde. Flower Garden (O), 1922. Nolde Stiftung Seebüll



Joaquin Sorolla, Louis Comfort Tiffany, 1911 Oil on canvas.  The Hispanic Society of America, New York



Edouard Manet. Young Woman Among Flowers, 1879. Oil on canvas. Private collection

Камиль Писсарро любил рисовать огороды, по его собственному признанию, они напоминали ему о детстве, а Пьер-Огюст Ренуар предпочитал заросшие, романтические сады.


Camille Pissarro. Kitchen Gardens at L’Hermitage, Pontoise, 1874. Oil on canvas. National Galleries of Scotland, Edinburgh

Тогда как большая часть выставки посвящена французским садам и французским художникам, отдельная секция отведена садам в других странах. На рубеже веков среди художников стало модным проектировать сады. Скандинавские, американские, немецкие художники создавали собственные "райские уголки", которые потом служили для них же постоянными источниками вдохновения.


Max Liebermann. Flower Terrace in the Garden, Wannsee, 1915. Oil on canvas. Die Lübecker Museen. Museum Benhaus Drägerhaus



Pierre Bonnard. Resting in the Garden, 1914. Nasjonalgalleriet, Oslo



Edouard Vuillard. Woman Seated in an Armchair, 1898. Glue-based distemper on canvas. Private collection



Wassily Kandinsky. Murnau The Garden II, 1910. Oil on cardboard. Merzbacher Kunststiftung



Claude Monet. The Artist's Garden at Vétheuil, 1881. Oil on canvas. Private collection, California



Claude Monet. Spring Flowers, 1864. Oil on fabric.The Cleveland Museum of Art

В одном из последних залов выставки на стенах развешаны фотографии художников в садах: пожилые Анри и Амели Матисс во время неспешной прогулки, Василий Кандинский с лопатой и в рубашке с засученными рукавами и многие другие. Продлится выставка до 20 апреля.

Рисунок из журнала "Нива"за 1892 год.


Пояснение к рисунку.


Габриэль Макс "Грёзы". Страница с пояснением к рисунку отсутствует, в Интернете данного рисунка тоже найти не смог.

О любви европейцев к Японии, о японизме в европейском искусстве,  об увлечении французских импрессионистов японской гравюрой укиё-э известно и написано много. Гораздо меньше знают европейцы об ответной любви Японии к Западу и о том, как японские художники  осваивали импрессионизм, а японские коллекционеры собирали картины французских живописцев. Именно об этом рассказывает выставка "Любовь Японии к импрессионизму. От Моне до Ренуара" (Japans Liebe zum Impressionismus. Von Monet bis Renoir’). Более ста произведений французских художников из японских собраний и картины японских импрессионистов были выставлены с октября 2015 по февраль 2016 года в Bundeskunsthalle немецкого города Бонна. "Полотна импрессионистов впервые за сто лет гостят в Европе," – растрогано писала немецкая пресса. "Японское признание в любви" называлась одна из статей о выставке.




Шинтаро Ямашита. Читающая женщина.1908
Эдуард Мане. Прогулка.1880
Foto: http://www.express.de/bonn/-geheime--japan-sammlungen-bundeskunsthalle--eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208

При входе в первый зал посетителей выставки  встречают две картины: портрет дамы на прогулке кисти Эдуарда Мане (справа) и портрет читающей женщины, выполненный японским художником Шинтаро Ямашита. Он учился в Париже и настолько успешно овладел техникой импрессионистов, что его работу устроители выставки отважились поместить рядом с полотном Мане. Картина японского художника символична еще и потому, что  моделью  стала европейская женщина, а не японка.



Шинтаро Ямашита. Читающая женщина.1908. Фрагмент.

Небольшой, но очень занятный раздел выставки развивает тему "европейцы глазами японских художников". После  столетий почти полной изоляции Япония в середине 19 века  постепенно начала контактировать с западным миром. Темы прибывающих в Японию европейцев, европейской техники, европейских обычаев и образа жизни отразились в традиционной японской гравюре. Заметьте, что  европейских дам художник Утагава Садахидэ стремится нарисовать "реалистически",в духе европейского искусства,  аяпонки изображены по канонам японской гравюры.


Утагава Садахидэ.1861

Европейцы приезжали  в Японию, а молодые, хорошо образованные японские художники, подобно своим собратьям из других стран,  отправлялисьна исходе 19 века учиться в Париж - культурную столицу Европы. Высшим шиком считалось у них одеваться по-европейски с парижским шармом, чтобы не отличаться от завсегдатаев  бульваров.


Японские художники в Париже

Во Франции японские художники старательно перенимали манеру письма европейских живописцев, привозили ее домой и "пересаживали" на местную почву, обращаясь в своем творчестве к национальным мотивам. Характерный  пример – картина Икуносуке Сиратаки “Занятия”.



Икуносуке Сиратаки. Занятия. 1898.
© Tokyo University of Arts, The University Art Museum, Tokio

Среди самых эффектных произведений на выставке – два полотна Tораиро Коима. Художник не просто переносит импрессионистическое видение на национальную почву - он выбирает классический сюжет, близкий и понятный каждому, кто воспитан в традициях японской культуры: прекрасная японка в саду среди цветов. Сколько изысканных гравюр, сколько совершенных трехстиший-хокку  написано на эту тему! И вот теперь японский живописец смело, даже дерзко интерпретирует истинно японский мотив средствами европейской живописи!



Tораиро Коима. Радость утра (Ипомеи).  1920


Tораиро Коима. Радость утра  (Ипомеи). 1920
© Ohara Museum of Art, Kurashiki

Картина пронизана солнцем, сверкает каждый листок, насквозь просвечивает тонкая ткань на рукаве,  небрежными мазками брошены на полотно  пламенеющие цветы...  Вот истинный  последователь импрессионистов!  Но характерная, несколько нарочитая поза девушки отсылает нас к эстетике японской гравюры.



Эдуард Мане. Хризантемы.  1881
© 2015 The Museum of Modern Art, Ibaraki

Работа Эдуарда Мане "Хризантемы" в форме веера явно навеяна японским искусством. "Мальчик среди цветов" - картина, которую японцы особенно ценят и любят. Дитя в цветущем саду, на лоне природы – это мотив не мог не найти отклика в Японии.



Эдуард Мане. Мальчик среди цветов. 1876.
The National Museum of Western Art Tokyo

Созерцание, любование,  слияние с природой... традиционная для японского искусства тема сближает полотно
Сейки Курода "Отдых под яблоней"  с картиной Мане"Мальчик среди цветов" .


Сейки Курода. Отдых под яблоней. 1898
© Wood One Museum, Hiroshima


Foto: http://www.express.de/bonn/-geheime--japan-sammlungen-bundeskunsthalle--eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208


Foto: David Ertl, 2015 © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH

Мотив волны, столь любимый мастерами японской гравюры, вдохновлял Огюста Родена, сплетающего человеческие фигуры наподобие волн. И японцы оценили пластические находки французского скульптура – в собрании Коиро Мацуката 59 работ Родена, небольшую часть которых можно было увидеть в Бонне.


Огюст Роден


Огюст Роден. Поцелуй. 1882–1887
© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection


Огюст Роден. Ханако
Молодая японская актриса Ханако была любимой моделью Родена.
Он изобразил ее, в рисунках и скульптуре, 58 раз!


Эмиль-Антуан Бурдель. Лежащий Селен. 1917
© The National Museum of Western Art, Tokio


Камиль Писсарро. Зима. 1875
. © Courtesy of Yoshino Gypsum Art Foundation

Снег...  Как проникновенно  изображают заснеженные пейзажи японские мастера гравюры!
Японцы не могли не оценить поэтичную  "Зиму" Писсарро.


Эдгар Дега. Месье и Мадам Мане. 1868-69
© Kitakyushu Municipal Museum of Art


Густав Курбе. Джой, прекрасная ирландка. 1866
© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd.

Случайно ли на выставке собрали несколько портретов рыжеволосых красавиц?
Возможно, женщина с золотыми волосами - идеал европейской  красавицы для японцев?


Пьер Огюст Ренуар. Голова девушки. 1877
© Toyota Motor Corporation


Пьер Огюст Ренуар. Женщина с розой. 1910
© The National Museum of Western Art, Tokyo. Donated by Mr. Ryuzaburo Umehara


Пьер Огюст Ренуар. Читающая женщина с собачкой в саду. 1874
(© Yoshino Gypsum Co. LTD., Mr. Eisaku Sudo, President, Tokio/Tokyo)

Особый раздел выставки посвящен коллекционерам, благодаря которым Япония стала обладательницей  великолепного собрания  французской живописи. Одним из первых коллекционеров из Японии был Тадаси Хаяси,  прибывший в Париж в 1878 году. Хаяси был знатоком японского искусства и быстро стал известен во Франции как торговец художественными произведениями. Французские импрессионисты обменивали у него свои полотна на японские гравюры. Хаяси провел во Франции 23 года и вернулся в Японию с обширной коллекцией полотен европейских художников. Лишь небольшая часть этих работ демонстрировалась на выставке в Бонне!


На выставке
Foto: http://www.wdr2.de/kultur/kritiker/kritiker-bundeskunsthalle-impressionismus-100.html


Френк Бренгвин. Портрет коллекционера Коиро Мацуката
© The National Museum of Western Art, Tokyo

Японские индустриальные магнаты активно покупали произведения импрессионистов в 1900-е годы. Предприниматель Коиро Мацуката, президентконцернаKawasaki-Werft, был близко знаком с Клодом Моне и покупал картины непосредственно у него в мастерской. Коллекция Мацуката, которая счастливо сохранилась в Париже в годы Второй мировой войны, была возвращена Японии только в 1958 году. Специально для этой коллекции и был построен в 1959 году "Национальный музей западного искусства" в Токио, один из самых популярных музеев в стране.


Foto: https://www.linkedin.com/pulse/iconic-image-exhibition-japans-liebe-zum-now-show-hiroshi-kumazawa



Такеко Куроки, Клод Моне и его семья с картиной "Заснеженный дом и гора Колсаас"(1895)
Uehara Museum of Modern

 На фотографии Такеко Куроки, племянница Коиро Мацуката,  в гостях у Моне и его  семьи.
А вот и картина, которую мы видим на фотографии.


Клод Моне. Заснеженный дом и гора Колсаас. 1895
© Tokyo Fuji Art Museum, Tokyo, Japan / Bridgeman Images


Эдмон-Франсуа Аман-Жан. Портрет госпожи Такеко Куроки.1922
The National Museum of Western Art, Tokyo
© Ohara Museum of Art, Kurashiki


Такеко Кукори, Клод Моне, Лилли Батлер, Бланш Хошеде и Джордж Клемансо в Живерни, июнь 1921
Фотография Анри Мартини. Музей Клемансо, Париж.


Клод Моне и его коллекция японских гравюр в Живерни

Клод Моне был увлечённым собирателем японских гравюр. В своем доме в Живерни он хранил  коллекцию из 230 оттисков! Раздел выставки с несколькими гравюрами из собрания Моне  вызвал у меня особые чувства – вспомнился наш проект 2014 года "ГОД ЯПОНСКОЙ КОШКИ"и сотни  гравюр, которые мы с соавторами, подготавливая ежемесячные  выпуски котокалендаря, увлеченно рассматривали на  своих мониторах.



Японские гравюры из коллекции Клода Моне
Foto: http://www.rantlos.de/feingeist/japanische-liebeserklaerung.html

"Большая волна в Канагаве" Хокусая, пожалуй, самая известная в Европе японская гравюра. Имеется ее оттиск и в коллекции Моне. Морские мотивы – волны, причудливые скалы, изрезанные берега, нависающие над водой изогнутые деревья – равно близки и обитателям японских островов, и жителям французского Средиземноморья. Клод Моне создал целые серии морских пейзажей со скалами. Сравнение пейзажей Моне и гравюр из его коллекции красноречиво свидетельствует: художник вдумчиво осмыслял японскую "эстетику моря". А японский импрессионист Шигеру Аоки вернулся к морской теме уже вслед за Моне. Такая вот волна творческих взаимодействий…



Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве. 1832
Оттиск гравюры из коллекции Клода Моне в Живерни


Клод Моне. Скалы в Бель-Илль под дождем. 1886
Bridgestone Museum of Art, Ishibashi Foundation, Tokyo



Утагава Хиросигэ. Из серии "Пятьдесят три станции Токайдо". Ок. 1833 г.
Оттиск гравюры из коллекции Клода Моне в Живерни

Серии Хиросигэ вдохновили Моне на создание живописных серий "Стога", "Тополя", "Руанский собор",
"Кувшинки" и других, которые стали новым словом в европейском искусстве. 


Клод Моне. Грот,  Port-Domois. 1886
© 2015 The Museum of Modern Art, Ibaraki


Шигеру Аоки. Морской ландшафт. Мера. 1904
Bridgestone Museum of Art, Ishibashi Foundation, Tokyo


Клод Моне. В лодке.  1887
The National Museum of Western Art, Tokyo, Matsukata Collection

Картина Моне "В лодке" стала символом выставки и была воспроизведена на ее афишах.



Клод  Моне.  Вестминстерский дворец. Симфония розового. 1900
© Pola Museum of Art


Клод Моне. Закат. 1880

"Кувшинки"! Японцы обожают эту серию Моне. Если в каком-нибудь музее есть хотя бы один из бесчисленных вариантов "Кувшинок", то вы наверняка увидите перед полотном группку медитирующих японцев. На выставке представлены два варианта "Кувшинок" - нежно-перламутровый и неистово яркий, почти абстрактный 1914 года.


Клод Моне. Кувшинки (Нимфеи). 1908
© Tokyo Fuji Art Museum, Tokyo, Japan / Bridgeman Images

Искусство изображать воду – не только морскую стихию, но и тихую поверхность пруда или гавани –
японские художники  переняли  у Моне, Сислея, Синьяка. Такеши Фуджишима достиг в этом совершенства.


Такеши Фуджишима. Пруд на вилле д'Эсте, Тиволи, 1909
Tokyo University of Arts, The University Art Museum Tokyo


Альфред Сислей. Moret-sur-Loing. 1888
© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd. (deposited at Yamagata Museum of Art)


Поль Синьяк. Гавань. 1896
© Pola Museum of Art


На выставке
Foto:http://www.wdr2.de/kultur/kritiker/kritiker-bundeskunsthalle-impressionismus-100.html


Поль Сезанн. Четыре купальщицы. 1877/78
© Pola Museum of Art


Сотаро Ясуи. Женщина с павлином. 1912



Винсент Ван Гог.  Собиратели  хвороста на снегу. 1884.
© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd. (deposited at Yamagata Museum of Art)


Поль Гоген. Две бретонские девочки у моря.  1889
(© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection)

К сценам из жизни европейских крестьян Кеихиро Куме обратился вслед за ранними Ван Гогом и Гогеном.
Та же грубоватая, немного неуклюжая пластика.


Кеихиро Куме.  Сбор яблок.  1892
© Kume Museum of Art, Tokio



Пьер Боннар. Сидящая девушка с кроликом. 1891
© The National Museum of Western Art, Tokyo

И самое приятное в финале. Читателям ЯПОНСКОГО КОТОКАЛЕНДАРЯ 2014 и котоальманаха "КОТЫ ЧЕРЕЗ ВЕКА"
известно, как японские мастера гравюры и французские художники, в том числе Пьер Боннар, любят кошек. На выставке представлена прелестная работа Боннара с котами на балюстраде.


Пьер Боннар. Коты на балюстраде. 1909
© Ohara Museum of Art, Kurashiki


Морис Дени.Танцующие девушки.1905
© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection


Морис Дени. Волна.1916
© Ohara Museum of Art, Kurashiki


Каталог выставки

Фотографировать на выставке строго запрещено.
Фотографии отсюда:
Quellen:

http://www.bundeskunsthalle.de/ausstellungen/von-monet-bis-renoir.html
http://www.bundeskunsthalle.de/presse/pressebilder/pressebilder-japans-liebe-zum-impressionismus-von-monet-bis-renoir.html
http://www.kunstausstellungen.de/ausstellung/792-Bundeskunsthalle-Bonn-/
http://fifty2go.de/08/10/2015/japan-trifft-europafernoestlicher-impressionismus/
http://saskiasflowers.com/2015/12/11/japans-love-for-impressionism/
http://www.express.de/bonn/-geheime--japan-sammlungen-bundeskunsthalle--eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208
http://www.kunstverein-frechen.de/veranstaltungen2016.htm
http://kultur-online.net/node/29521
http://www.allemagne-service.com/Manif/ausstellungen.html
https://www.bundesregierung.de/Content/DE/Artikel/2015/10/2015-10-07-gruetters-ausstelllung-japan.html
http://www.rantlos.de/feingeist/japanische-liebeserklaerung.html#!prettyPhoto
http://www.radio-am-alex.de/index.php/kunst-und-kultur/2958-japans-liebe-zum-impressionismus
http://www.art-magazin.de/kunst/11680-rtkl-impressionismus-bonn-erwiderte-leidenschaft
http://www.dw.com/de/japans-liebe-zu-französischer-kunst-eine-wechselbeziehung/a-18775283

"Представьте себе помещение, на стенах которого развешаны картины в последовательности, воспроизводящей изменения предметов в зависимости от изменения света: сначала серая серия — огромная темная масса, которая постепенно все больше и больше светлеет, затем белая серия, незаметно переходящая от слабого мерцания ко все усиливающейся игре света, достигающей кульминации в сполохах радужной серии, и далее синяя серия, где свет снова смягчается в синеве, тающей, как светлое небесное видение. Краски пронизаны черным, серым, белым, синим, красным светом — всеми его оттенками. По тому, как эти двадцать картин развешаны, они представляются нам двадцатью открытиями, но боюсь, что тесная связь, их объединяющая, ускользнет от зрителя, если он не уделит им достаточного внимания". Так в статье "Революция соборов" будущий премьер-министр Франции Жорж Клемансо описывал выставку, на которой Клод Моне представил публике серию картин "Руанский собор".


Руанский собор. Открытка 1881 года
Такой вид открывался из мастерской Моне


Руанский собор
Современное фото из Википедии, поскольку во время моих поездок в Руан в 2012 и 2015 годах
фасад реставрировался и был частично закрыт(.

К этой выставке, состоявшейся в мае 1895 года в парижской галерее Поля Дюран-Рюэля, Моне шел не один год. Создание серий картин, взаимосвязанных и дополняющих одна другую, давно занимало художника. В циклах "Вокзал Сен-Лазар" (1877), "Стога" (1890 – 1891), "Тополя" (1891) Моне многократно изображал близкие сюжеты при различном освещении и погодных условиях, все более решительно двигаясь от одиночного пейзажа или группы тематически близких пейзажей к объединенной общим замыслом серии. Однако если в своих первых сериях Моне еще отдавал дань традиции, меняя точку зрения и композицию, то в серии "Руанский собор" он предложил действительно революционное решение: на всех картинах изображено, с очень незначительными вариациями, одно и то же – фрагмент западного фасада знаменитого готического собора в Руане.


Фрагмент западного фасада Руанского собора

Почему Моне остановился на этом сюжете? Иные критики пытаются обосновать выбор художника интересом к готической архитектуре, который возник во Франции конца столетия на волне национального возрождения, но вряд ли это объяснение можно принять. Величие готики никак не отразилось в полотнах Моне: для него были равно интересны архитектурный шедевр и стог сена. Светлый камень, игра света и тени, резное кружево - все это стало для художника идеальным "экраном", на котором отражались изменения, происходящие в природе день за днем, от рассвета до заката.



Слева:  дом на Соборной площади (бывший магазин Леви, ныне туристическое бюро),
в котором Моне арендовал одну из  своих руанских  мастерских

Работа над "Соборами" заняла больше двух лет. Две первые картины, которые датируются началом февраля 1892 года, стоят в серии особняком – судя по ракурсу, художник писал их на площади, находясь к северо-западу от собора. Над следующими холстами, созданными с февраля по апрель того же года, Моне трудился в специально снятой напротив собора квартире, переоборудованной под мастерскую. Из окна на втором этаже художник день за днем наблюдал за фасадом собора, работая одновременно над несколькими полотнами. Незаконченные холсты он увез домой в Живерни и продолжал совершенствовать по памяти, а в 1893 году повторил все сначала – приехал в феврале в Руан, снял квартиру, уже в другом доме, и до апреля писал собор из окна. Последние шесть работ созданы в третьей по счету квартире, в которую художник переехал по чисто бытовым причинам. Это объясняет незначительные композиционные различия между холстами серии и ещё раз доказывает случайность композиции картин. Окончательно серия была завершена лишь в 1894 году в Живерни.



Третье слева - окно мастерской Моне

Грандиозный, как сам Руанский собор, труд измучил Моне. Он многократно переписывал холсты, в отчаянии уничтожал их и начинал заново (что объясняет противоречивую информацию об общем числе картин, от 28 до 40, считая наброски). Его письма из Руана жене и друзьям полны жалоб и сомнений: "Я разбит, я не могу больше /…/ Мои ночи полны кошмаров: собор обрушивается мне на голову, он кажется то голубым, то розовым, то желтым". "Я работаю так, что от усталости близок к удару". "Я не могу думать ни о чем, кроме собора". "Я совершенно растерян и недоволен тем, что я сделал здесь. Я метил слишком высоко, но, кажется, перестарался, испортив то, что было хорошо. Вот уже четыре дня я не могу работать и решил все бросить и возвратиться домой. Не стану даже упаковывать свои полотна — не хочу их видеть, хоть некоторое время». Ни одна серия, ни до, ни после, не давалась ему с таким надрывом: ведь в "Соборах" Клод Моне ввел в живопись, обычно имевшую дело лишь с тремя измерениями пространства, четвёртое измерение – время.



Руанский собор. Симфония голубого и розового

Существует легенда (якобы, это воспоминание самого Моне) о том, как возникла сама идея серий. Однажды художник писал на пленэре, но освещение настолько изменилось, что он не мог продолжать начатое полотно. Моне попросил принести из дома новый холст, однако вскоре освещение снова изменилось, и он был вынужден начать работу на другом холсте, и так далее, пока не сложилась серия.


Фасад Руанского собора

Конечно, интерес Моне к сериям имел различные причины – в частности, нельзя забывать о его увлечении японским искусством и знаменитыми графическими сериями Хокусая. Тем не менее, в этом анекдоте точно отражено противоречие, с которым в своем логическом развитии неизбежно сталкивался импрессионизм, и которое Моне стремился разрешить в сериях. Свойственное импрессионистам ощущение постоянной изменчивости мира, неповторимости каждого мгновения приводило к мысли о том, что статичного, независимого от окружающей световоздушной среды объекта живописи не существует вовсе. И если задача художника – уловить череду световых эффектов, то это возможно не в единичном холсте, но в серии. Серия картин обретает драматургию, подсказанную художнику самой природой, выбранный автором сюжет динамично изменяется и развивается во времени. Поэтому для Моне было столь важно расположить работы в строгой последовательности: лишь при такой подаче из мгновений, запечатленных на каждом из полотен, складывалась временнАя протяженность.


Западный фасад в полдень

При этом сам повторяющийся из картины в картину мотив уже не так важен, как его метаморфозы. Центральный "персонаж" серии - не собор, но свет: меняясь на наших глазах, перламутрово-радужные стены дематериализуются, растворяясь, словно мираж, в световоздушной среде. "Чем старше я становлюсь, тем больше понимаю, что должен работать, чтобы воспроизвести то, что я ищу: мгновенное влияние атмосферы на вещи и свет, рассеянный во всем", - писал Клод Моне в 1891 году. Он не любил теоретизировать ("я всегда ненавидел эти ужасные теории") и выразил свои творческие устремления в трех словах: "Я ищу невозможного". В этом поиске невозможного, в мучительной погоне за мгновением Моне провел годы, отданные серии "Руанский собор", ставшей, по мнению критиков, квинтэссенцией импрессионизма.


Вечер. Гармония в коричневом

Когда Моне, наконец, счел серию законченной и представил ее публике, времена непонимания и насмешек над импрессионистами уже миновали. Работы Моне – в том числе из предшествующих "Соборам" серий – хорошо покупались, и еще до открытия выставки восемь "Соборов" были проданы. Двадцать вошедших в экспозицию картин серии собратья-художники и критики приняли благосклонно, хотя Моне и получил упреки в излишнем увлечении техническими приёмами, а его полотна сравнивались с "видом через занавеску".


Руанский собор вечером

Однако желание Моне, видевшего в серии единое произведение, не разделять картины, не осуществилось - покупателя, готового приобрести все двадцать холстов, каждый из которых был оценен в 15 000 франков, не нашлось. Вопреки воле автора, "Соборы" были проданы разным покупателям, и сегодня картины серии украшают музейные и частные коллекции многих стран. Лишь через сто лет после окончания серии, в мае 1994 года, семнадцать "Соборов" ненадолго встретились в Руане, на выставке в городском музее изящных искусств. Но и разрозненная серия "Руанский собор" стала одним из самых заметных художественных явлений конца 19 века, опередила свое время и соединила два столетия. "Ах, эти его соборы!" – восторженно восклицает героиня
романа Марселя Пруста "Содом и Гоморра"(1921).



Западный фасад и башня Сен-Ромен

Моне, последнего из импрессионистов, называют предвестником абстрактного искусства. "Забудьте о том, что вы видите перед собой, будь то дерево, дом или поле, просто скажите себе: вот маленький голубой квадрат, вот розовый прямоугольник, вот желтая полоска, и рисуйте не предметы, а их цветовые составляющие", – эти слова Моне воспринимаются как напутствие не только современникам художника, но и будущим абстракционистам.


Клод Моне. Кувшинки. Фрагмент. 1917-1920

Символично, что в том же 1895 году, когда "Соборы" экспонировались у Дюран-Рюэля, в Москве проходила выставка импрессионистов, на которой тридцатилетний Василий Кандинский увидел картину Моне "Стога", ставшую первым шагом на его пути к абстракционизму. "…Глубоко под сознанием был дискредитирован предмет как необходимый элемент картины", - передавал Кандинский свое впечатление от "Стогов" в книге "Ступени" (1913). Со словами Кандинского перекликаются рассуждения о "Соборах" Моне другого зачинателя беспредметного искусства – Казимира Малевича: "Не собор нужен, а живопись, а откуда и с чего она взята, нам не важно, как не важно, с какой раковины выбраны жемчуга" ("О новых системах в искусстве", 1919).



Картина Джексона Поллока

С абстракционизмом обычно связывают позднее творчество Моне, и прежде всего - работы из грандиозной серии "Кувшинки": отдельные фрагменты этих произведений мог бы, кажется, написать представитель абстрактного экспрессионизма - Джексон Поллок или Андрэ Массон. Но нельзя в этом смысле недооценивать и "Соборы". Ведь именно в "Соборах" художник наиболее последовательно продекларировал вторичность объекта по отношению к собственно живописным эффектам. Даже названия отдельных работ серии "Соборы" приближают нас к беспредметному искусству: "Коричневая гармония", "Гармония голубого и золотистого", "Симфония серого и розового".


Рой Лихтенштейн. Руанский собор. 1969

Моне, который ввел в изобразительное искусство само понятие серии, вдохновил одного из самых влиятельных художников XX века Роя Лихтенштейна, представителя противоположного абстракционизму направления – поп-арта. Лихтенштейн отдал Моне дань уважения в собственной версии серии "Руанский собор" (1969). Наложив на три работы Моне свой "фирменный" типографский растр и тем самым поместив их в контекст массовой культуры, он подчеркнул непреходящее величие живописи Моне.


Лазерное шоу "Картины Моне" на фасаде  Руанского собора. 2014
Фото:http://www.tendanceouest.com/print.php?id=77008

И наконец, сама работа Моне над серией "Руанский собор" напоминает современный перформанс: представьте себе, как он день за днем, месяц за месяцем, сидит у окна перед несколькими мольбертами и, прячась от взглядов уличных зевак, пишет собор, собор, собор… Мастеру, наверное, понравилось бы то, что сегодня можно увидеть из этого исторического окна: ежегодные лазерные шоу сказочно преображают стены древнего руанского собора, и по фасаду, который увековечил Моне, плывут его картины – стога, кувшинки в пруду, поля красных маков, морские скалы, дама с зонтиком, сад в Живерни…


Лазерное шоу "Картины Моне" на фасаде Руанского собора. 2014
фото: http://www.tendanceouest.com/print.php?id=77008

Думается, Моне одобрил бы и акцию, состоявшуюся перед руанской ратушей в июне 2010 года: здесь, на площади шестьсот квадратных метров, собрались 1250 человек, и каждый из них держал в руках увеличенный фрагмент картины из серии «Руанский собор». «Живую картину» сфотографировали и сняли на видео с вертолета, чтобы представить доказательство для Книги рекордов Гиннеса.


Руан, акция "Руанский собор", 2010

Опубликовано в журнале "Партнер" (Дортмунд), № 1, 2016 

Новость из мира искусства


В.Г. Бехтеев. Бой быков, 1919

В Будапеште, в залах Венгерской национальной галереи, проходит выставка "Революция в искусстве. Русский авангард 1910-х–1920-х годов". В экспозиции 40 работ из собрания Екатеринбургского музея изобразительных искусств. Среди представленых - работы Казимира Малевича, Василия Кандинского, Александра Родченко, Эля Лисицкого, Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова. Коллекция включает в себя практически все направления русского авангарда: неопримитивизм, кубизм, кубофутуризм, абстрактный экспрессионизм, супрематизм, конструктивизм. Две картины привезли специально из Швейцарии, с выставки "0,10: Малевич, Татлин и рождение новых систем в искусстве". Это работы "Кухня" Надежды Удальцовой и "Супрематизм" Казимира Малевича. Выставка, вызвавшая огромный интерес европейцев, продлится до 1 мая.

Коллекция живописи русского авангарда является одним из самых интересных и цельных собраний Екатеринбургского музея изобразительных искусств. Она, в большинстве своём, была привезена в Екатеринбург по инициативе Наркомпроса для проведения выставки современной живописи в 1920 году. Идея создания музеев живописи не только в столицах, но и в провинции была высказана в тот период В.В. Кандинским. После окончания выставки, которая с большим успехом прошла в помещении Свободных художественных мастерских в мае 1920 года, картины были оставлены в Екатеринбурге. Таким образом в столице Урала оказалась уникальная коллекция русского художественного авангарда начала XX века, включившая в себя работы как его основателей и признанных корифеев, так и менее известных или полузабытых авторов.


Казимир Малевич. Супрематизм (Швейцария)



Казимир Малевич. Спортсмены



В.В. Кандинский. Композиция 217 (Серый овал). 1917



В.Е. Татлин. Обнаженная модель, около 1913



М.Ф. Ларионов. Еврейская Венера, 1912



И.И. Машков. Портрет дамы в кресле, 1913 (слева). О.В. Розанова. Беспредметная композиция, 1916 (справа)



А.М. Родченко. Беспредметная композиция, 1919 (слева). П.П. Кончаловский. Портрет В. В. Рождественского. 1912 (справа)

Венгерская национальная галерея - главная художественная галерея Венгрии. Галерея размещается в Королевском дворце в Будайской крепости.

Начало прогулки по Сан-Джиминьяно
Город совсем крошечный, и вот мы уже в самом центре на главной площади Сан-Джиминьяно - на Соборной. Здесь находятся многие архитектурные жемчужины Сан-Джиминьяно. Доминирует на площади Коллегиальная церковь (Колледжата-ди-Санта-Мария-Ассунта или просто Дуомо). Церковь хоть и называется собором, никогда не была резиденцией епископа.

1. На этой площади между Большой башней и лоджией коммуны (XIII-XIV век) стоит Ратуша или Дворец коммуны. Фасад - трёхярусный, с большими окнами в форме невысоких арок. Нижний ярус - из камня, верхние этажи здания кирпичные. Зубчатое завершение фасада восходит к более поздней реставрации XIX века. С 1852 года в ратуше располагается городской музей, в котором хранятся замечательные произведения искусства флорентийской и сиенской школы XIII-XVI веков.




2. Большая Башня - самая высокая башня Сан-Джиминьяно, находится справа от ратуши. Во время второй мировой войны Сан-Джиминьяно пострадал в ходе бомбардировок союзников, на башне был разрушен колокол. После войны Советский Союз подарил для башни новый колокол.




3. Две башни Сальвуччи были построены на Соборной площади  самой влиятельной гвельфской семьей Сальвуччи, башни символизировали господство семьи над городом. На фото - правее башня Роньоза.




4. На этой же площади стоит одна из самых элегантных башен Сан-Джиминьяно, Башня Чиги (на фото справа), построенная в 1280 году. На первом ярусе - типичный для Сан-Джиминьяно портал, ведущий внутрь, к лестнице. На второй ярусе башни выделяется окно - узкое отверстие с удлиненной дугой. Верхние ярусы башни кирпичные, на двух ярусах - по одному одноарочному окну.




5.




6. Башня Роньоза (Часовая башня или Башня Подеста) возвышается рядом со старым дворцом Подеста (Старая ратуша). Башня была построена около 1200 года, и принадлежала семьям Грегори и Оти. Высота башни - 51 метр, сейчас это вторая по высоте башня после Большой Башни (54 метра). На верхнем ярусе башни - открытая терраса с колокольней. Первое время колокольня служила для извещения граждан об опасности, впоследствии колокол стал отбивать часы. Над колокольной ячейкой - пирамидка из красной черепицы.




7. Старый дворец подеста был построен в XII веке. В 1337 году потерял свой статус резиденции подеста, с 1537 года в здании размещался городской театр и гостиница для знатных гостей, а впоследствии - школа для мальчиков. Нижняя часть фасада выполнена из камня, верхняя – из кирпича. Фасад снабжен гигантской широкой аркой; вход в здание расположился слева от арки. Во втором ярусе - три одноарочных окна. Верхняя часть фасада украшена кирпичами, размещенными диагонально, что создает декоративный эффект.




8. Обычно под этой аркой проводят время старейшины города, наблюдая за туристами.




9.




10.




11. Скромный фасад церкви - характерный пример романского стиля XII-XIII веков с двумя порталами и тремя окнами. Здание церкви было построено в XI веке, в XIII веке церковь реконструирована и добавлена широкая парадная лестница. В 1460 году церковь расширили, подняли крещатый свод, появились две новые капеллы - святой Фины и Непорочного зачатия.




12. В северной части здания находится строгая прямоугольная колокольня с единственными арочными отверстиями с каждой стороны. Она может относиться или к ранней церкви, или быть одной из многочисленных в городе башен-домов, перешедших церкви.




13. Внутренняя часть церкви - в трех нефах, разделенных колоннами. Больше всего церковь знаменита хорошо сохранившимися фресками XIV века, покрывающми все внутренние стены. Фрески выполнены Доменико Гирландайо, Беноццо Гоццоли, Таддео ди Бартоло, Липпо Мемми и Бартоло ди Фреди.




14. Фрески включают несколько циклов: Ветхого Завета, Нового Завета, Страшного суда, а также Благовещения, Мучения Святого Себастьяна, и историй местной святой по имени Фина.




15. Часовня святой Фины посвящена молодой девушке по имени Серафима, ставшей покровительницей Сан-Джиминьяно. Фина осталась сиротой в раннем возрасте, долго болела, стала инвалидом. Каждый день она лежала на деревянном поддоне, отказавшись от кровати. За ней ухаживали две женщины. По легенде, за восемь дней до её смерти в возрасте 15 лет, ей было видение, в котором папа Григорий I сообщил ей о близости смерти. В день её кончины, 12 марта 1253 года, колокола Сан-Джиминьяно начали звонить сами по себе, вокруг её лежанки выросли бледные лиловые цветы, а во время похорон произошли чудеса исцеления. Говорят, что каждый раз на день её памяти в Сан-Джиминьяно расцветают бледные цветы.


Похороны святой Фины. Доменико Гирландайо

16. Эту самую фреску и спасали английские старушки, закрывая её мешками с песком, в фильме "Чай с Муссолини", о котором я рассказала в предыдущем репортаже.


Деталь фрески Доменико Гирландайо

17. Верхний ярус размещается в люнетах под сводом и изображает историю Сотворения мира.




18.




19.


Создание Богом Адама. Бартоло ди Фреди

20. В нижнем ярусе располагаются десять сцен.


Армия фараона тонет в Чёрном море. Бартоло ди Фреди

21.


Разбойники угоняют скот и убивают слуг Иова. Бартоло ди Фреди

22. Шесть украшенных фрагментов в правом крыле церкви изображают сцены из Нового Завета.


Вход Господень в Иерусалим. Липпо Мемми

23.


Тайная вечеря. Липпо Мемми

24. В задней части нефа, под "Страшным Судом" находится фреска "Мученичество святого Себастьяна" Беноццо Гоццоли 1465 года. Работа была заказана горожанами Сан-Джиминьяно как результат данного ими обета почитать святого, чьё вмешательство, как полагали, ослабило вспышку чумы в 1464 году.


Мученичество святого Себастьяна. Беноцци Гоццоли

25. В лоджии купели размещены несколько маленьких фресок со святыми, а также большая работа "Благовещение", которая изначально приписывалась Гирландайо, но сегодня её автором считается Себастьяно Майнарди, предположительно завершивший её в 1482 году.


Благовещение. Себастьяно Майнарди
Фото фресок

24 сего февраля затесался в Русский музей на пресс-показ выставки "Лев Бакст. 1866-1924". И очень, надо сказать, не зря затесался. В результате имеем сей отчёт о прекрасной выставке.

Захожу я, значит, в Корпус Бенуа. Выдают мне на специальной стойке пресс-релиз. Потом гардероб, потом собственно выставка. В залах первого этажа, которые от входа налево. Ну а там - красота, да. Согласно пресс-релизу на выставке представлено около сотни работ художника, в основном из ГРМ и ГТГ, плюс часть из собраний поскромнее.
Рассказывать кратенько про Льва Самойловича Бакста (1866-1924; при рождении имел несколько другое имя), вероятно, излишне. Биографические данные несложно найти, если не забанен в гугле. Или вот, избранные даты жизни, представленные на выставке: тыц. Здесь же - о выставке.
Под экспозицию выделено четыре разновеликих зала. Первый, самый большой и насыщенный предметами - отведён под живописные и (в меньшей степени) графические работы. Следующий угловой зальчик - ткани. Следующий - графика, связанная с "Миром искусства" - портреты художников. И в заключение - зал сценографии к балетам. Теперь подробнее.
Начало мероприятия. По залкм бродят блогеры, несколько телевизионных групп - примеряются камерами, журналисты с блокнотами и диктофонами, не обременённые операторами. ВИП-гость, представитель спонсора банка ВТБ прогуливается со специально назначенной симпатичной барышней. Ну и я тоже брожу среди происхоодящего. 16-00 - начало. Перед "Древним ужасом" собираются представители дирекции музея и сотрудники, работавшие над экспозицией. Журналисты их обступают. Краткие торжественные слова и чуть более пространный спич о герое дня, бытовании его работ в музейных собраниях и работе над данной выставкой.
Ну а дальше - ходим, смотрим, фотографируем. Я в этом первом зале сфокусировался в основном на пейзажах, потому как мало с ними знаком, в основной экспозиции музея они редкие гости, некоторые вообще не местные. Самые известные вещи художника прошли мимо меня, потому что были облеплены телевизионщиками, а некоторые - так вообще под стеклом. То же касается и графики  блики, отражения всякие, фуфуфу, в общем. Итак, вот.
Переходя дальше, бросаем взгляд на зал. А там многочисленные журналисты, расхватав представителей музея, усиленно светят в них софитами, тычат микрофонами, диктофонами и прочими девайсами и глядят вокруг, выбирая - кого следующего поймать для интерью.
Следующий зал - с тканями. Выглядит вот так. В рамках - подлинный дизайны Бакста, рядом - современные отпечатанные ткани. До сюда тоже уже добрались журналисты.
Следующий зал касается работы Бакста в редакции "Мира искусства". Много графических портретов художников и прочих арт-персонажей начала XX века. Тут я успел раньше телевизионщиков, но так как всё графика - значит под стеклом. Плюс на одной из стен висел телевизор, прекрасно отражавшийся во всех стёклах. Что совсем нехорошо. Поэтому фотографий - только пара: оригинал афиши, из которой я вырезал заглавную картинку "Девочка с айфоном", и портрет супруги Александра Бенуа.
Похож, похож контр-адмирал. Хотя после русско-японской с карьерой у него не заладилось. Найдите-ка адмирала на большой картине:Картина была заказана Морским министерством сразу после дружеского визита российской эскадры во Францию в 1893 г. Висела, по всей видимости, в помещениях Адмиралтейства. Ныне - в фондах ЦВММ. Что-то я её не помню на экспозиции, ни в старом здании, ни в новом. Хорошо, что на выставку вытянули. Зачем военным Бакст?..

Ну и во-вторых - несколько автографов художника.